LA MADRIGUERA DEL APICULTOR

SARA VALENZUELA: "En la cocina" (2011)

2012-01-26T17:09:00.000-08:00

Del recetario mágico de Sara:

Tome su propio corazón y rebánelo en filetes. Esparza sobre cada uno de ellos un poco de erotismo en polvo y posteriormente selle por ambos lados en concentrado de lágrimas. Cocine a fuego lento hasta que observe que las emociones afloran dándoles un tono ligeramente dorado. Corte el fuego y añada un par de caricias finamente picadas. Vierta media copa de whisky y flamee. Retire los filetes del sartén y cuide que se mantengan calientes. Ponga en el sartén una taza de esencia de guitarra acústica y condimente con metales y teclados. Remueva la mezcla hasta que tome una consistencia de jazz/funk y agregue una pizca de electrónica. Sirva el corazón en un plato extendido y báñelo con la salsa acústica. Acompañe con una sopa de letras poéticas y una botella de vino blanco.

Se trata de un platillo ideal para cenas íntimas: todos los ingredientes están pensados para dos porciones. Degústese en pequeños bocados, en casa y a la luz de las velas, preferentemente en una noche lluviosa. Como postre se sugiere un plato de cerezas y como sobremesa, su comensal: tómese toda la noche para probar sus diferentes sabores, hágalo lentamente y con calma; recuerde: está usted en la cocina.

(Web: http://www.saravalenzuela.com/)

DIEZ COVERS DE METAL

2012-01-12T11:59:00.000-08:00

Los covers son un fenómeno curioso en el ámbito musical: pueden enaltecer una canción, homenajearla, igualarla, superarla, destruirla, parodiarla o simplemente copiarla; pero quizá una de sus mayores cualidades sea que despiertan los debates más infructuosos entre fans de bandos opuestos: los que defienden la versión original y los que prefieren la covereada. Y tal discusión se vuelve más sabrosa cuando alguna de las dos versiones (la original o la reinterpretada) de la canción en turno involucra al metal, pues es bien sabido que existen pocos públicos tan apasionados como el metalero. ¿Cuáles son los motivos que llevan a una banda a elegir un tema determinado para homenajear? Supongo que muchos, y muy diversos, pero como en la Madriguera no nos importan demasiado las razones sino los resultados, he aquí que el Apicultor ha preparado una lista con diez covers realizados por distintas bandas de metal, todos ellos con un denominador común: me gustan. ¿Por qué? Porque sí. Los resultados son variopintos, amable lector, y por lo tanto las reacciones también, así que como es costumbre, la última palabra es suya. Van sin un orden particular. Escuche y decida:

1. MACHETAZO: "Ace of spades" (Original de Motörhead). A machetazos descuartizaron los españoles este tema, y después se revolcaron en sus tripas. Una excelente versión protogrindcorera que simplemente no tiene nombre. Aparece en su álbum "Trono de huesos", de 2002.

2. LUCTUS HYDRA: "The black cry" (Original de My Dying Bride). Una obra maestra que conserva el tono depresivo, aunado a una desesperación que hiere con su grito desgarrador. Ideal para el suicidio. Aparece en su álbum "Screams and laments from the deepest of the soul", de 2009.

3. EIDYLLION: "Ratas" (Original de Rodrigo González). El rock rupestre inficionado de nociva oscuridad. Un acertado y mordaz experimento de matices folk y guitarras goth que sólo pudo ser logrado por la maestría de Eidyllion. Aparece en su EP "¡Viva yo!", de 2008.

4. CADAVERIA: "Call me" (Original de Blondie). Existen muchas versiones de este tema, pero la de Cadaveria destaca por su juego de voces que matizan y por sus guitarras secas que no sacrifican melodía. Aparece en su álbum "Far away from conformity", de 2004.

5. TULUS: "Space oddity" (Original de David Bowie). Otra canción altamente covereada. Tulus tuvo la astucia de llevarla con naturalidad a los terrenos del black, y lo hizo tan sutilmente que hasta parece un tema propio. Aparece en la compilación "Cold core collection", de 2000.

6. LEFT HAND SOLUTION: "Missionary man" (Original de Eurythmics). Gran tema: mantiene la energía "bailable" del original, pero en voz de Mariana Holmberg cobra un cariz siniestro que aporta otra perspectiva a su contenido letrístico. Aparece en su álbum "Light shines black", de 2001.

7. CRADLE OF FILTH: "Temptation" (Original de Heaven 17). Sabemos que esta bandita ama los covers, y éste en particular les ha salido muy bien: Dani Filth no chilla como es su costumbre, y Victoria Harrison suena fenomenal. Aparece en su álbum "Thornography", de 2006.

8. DARKWELL: "Twist in my sobriety" (Original de Tanita Tikaram). Gran reto: la oscura belleza del original es casi insuperable, y aunque la voz de Alexandra de pronto parece no encajar del todo, el sigiloso teclado salva esta curiosa versión. Aparece en su EP "Conflict of interest", de 2002.

9. THE LEGION OF HETHERIA: "Bad romance" (Original de Lady Gaga). O la canción no es tan mala como parece, o Hetheria supo resolverla bien. Lo cierto es que no suena forzada, como pudiera suponerse, y combina con la versatilidad de la banda. Aparentemente sólo existe en la web.

10. MILKING THE GOATMACHINE: "Surf goataragua" (Original de Sacred Reich). Una de esas versiones que sólo pueden entenderse con harto sentido del humor. No hay mucho qué decir: simplemente es un cover estúpidamente divertido. Y brutal. Aparece en su álbum "Back from the goats", de 2009.

¿Y entonces, amable lector? ¿Las originales o las nuevas versiones? Difícil en algunos casos y más que evidente en otros; el hecho es que los covers existen, y el ejercicio de los mismos parece ser una práctica que entusiasma cada vez más a las bandas metaleras. Mientras tanto a nosotros, simples escuchas, sólo nos queda esperar y rezar porque ningún grupete de deathcore se atreva a tocar a nuestros respectivos ídolos. Que así sea.

THE MEATFÜCKERS: El divino arte de la transgresión

2012-01-04T10:48:00.000-08:00

Brincar los límites de lo permitido no es tarea sencilla. Y no es cuestión de "rebeldía", "rudeza" o valemadrismo. No. Se trata de algo más complejo: de acuerdo al psicoanálisis, es resultado de una estructuración psíquica que en el mejor de los casos nos condena a la neurosis, y en el peor, a la psicosis. Pero existe en el neurótico un deseo latente de transgresión que lacera y seduce, porque delata nuestra propia incapacidad para abandonarnos a aquellos placeres solo asequibles al perverso. La perversión es asumida entonces como una tercera forma de entender, vivir y relacionarse con el mundo. Por eso traspasar dichos límites es cosa tan difícil, porque supone un arriesgado salto a mundos que nos son psíquicamente desconocidos, que no necesariamente indeseables.

El arte y la ficción, en tanto que fantasías, son vehículos perfectos para surcar territorios ajenos: permiten la sublimación de nuestras aspiraciones más instintivas, básicas. Nos conceden el honor de bailar un rato con nuestra pulsión de muerte, y nos hacen creer —¡ay, bendita inocencia!— que somos nosotros quienes llevamos el ritmo. Pero bien lo sentenció Nietzsche: "el que lucha con monstruos, debe cuidar de no convertirse en uno", y lo mismo aplica a quienes juegan con ellos. Acaso sea por ese motivo que solo bailamos lo necesario para no arriesgar nuestra propia sanidad, aunque en apariencia esto último nos tenga sin cuidado.

En el mundo de la música existe un subgrupo que ha fingido sobremanera jugar con esos límites. Por supuesto, una vez más estamos hablando del metal. Sólo el diablo sabe cuántas bandas han existido sobre la faz de la tierra que se dediquen a sentirse sádicos mugiendo estertores a ritmo de tupa-tupa. Y el problema no es que lo hagan: el problema es que muchos lo hacen en serio, aspirando con ello a un poquito de la perversión que les fue negada por San Segismundo Freud. No niego que hay bandas que con este pretexto hacen música excelente, pero por desgracia es fácil que la mayoría de ellas terminen siendo tristes caricaturas con anhelos pornogore.

Pero existen en las cloacas más hediondas del inframundo algunos seres diferentes, cuyo impudor les permite pasear despreocupados por los túneles de la perversión y volver airosos, burlones, a relatar con sorna lo más mezquino de la humanidad. Porque su marrullería gorrina los inmuniza en buena medida, les permite revolcarse, enmascarados, en vileza y regresar al mundo normal como si nada hubiera pasado. A esa categoría pertenecen The Meatfückers.

Con apenas poco más de cinco años de existencia, esta pandilla de viejos cochinos ha logrado crear un espejismo de marranadas que se siente turbadoramente real, como un animalejo que va creciendo poco a poco, alimentado por pútridos desechos. A la manera de un Marqués de Sade moderno, la banda espeta sus aberraciones apostando por la autosatisfacción y el placer orgiástico en su faceta más descarnada, igual que en alguna vieja película porno de bajo presupuesto: las formas imperfectas, los humores concentrados, los caldos vertidos sobre carne viva. Y después del bacanal, una sonora carcajada se mofa de los ofendidos: porque la perfidia de esta banda es tan real y tan paródica a la vez, que la línea entre una cualidad y la otra se difumina; porque la expresión bruta del mensaje invalida la seriedad del mismo en una doble comunicación que confunde al oyente; porque siempre existe la posibilidad de que todo haya sido (o no) una enferma broma. Y a todo esto el neurótico busca justificaciones para paliar su culpa, el perverso se embadurna con deleite, y los Meatfückers se ríen de los dos.

Indudablemente, un gran acierto de la banda ha sido el dejarse influenciar por el viejo metal ochentero, en lugar de sucumbir a la lógica facilona que normalmente combina las letras sexuales/violentas con brutal death metal y goregrind. La astuta socarronería de esta agrupación los ha llevado por senderos mucho más interesantes: aquellos pavimentados con los cadáveres de bandas como Sarcófago o los primeros Celtic Frost, y abonados con el estiércol de Venom y Motörhead. "Gangbang from Hell", el álbum debut de los Meatfückers, está lleno de riffs black/thrash y una actitud inexorablemente anclada a la vieja escuela.

Por eso esta banda no es para todos los gustos, a pesar de ser extraordinarios en lo musical. Por eso asustan, repelen y atraen con morbo: porque son voceros de las atrocidades que la mayoría no se atreve siquiera a nombrar, aquellas que es mejor reprimir y con las que muchos fantasean en secreto, temerosos de reconocerlo incluso para sí mismos. Porque han construido un malsano mundo de reales irrealidades en donde una vez que se entra, es imposible salir íntegro: los Meatfückers violarán en cuerpo y alma a todo aquel que se meta en sus terrenos. Y su inmundicia no es de las que se limpian con facilidad.

(Web: http://www.myspace.com/themeatfuckers)

MUNA ZUL: "En Viaje" (2006)

2011-12-29T18:05:00.000-08:00

Una bajó por el aire. Ven-te-hará las coplas frescas. De mañanita brincó su silbido, y agazapada sobre un pirul, canturreó sus álgidos cánticos pájaros que hicieron nido en los límpidos tímpanos. Cardenalizó el amanecer y la ducha. Engorrionó el café y pan tostado. Mirlificó la monserga del noticiero. Una bajó por el aire.

Dos caminaba descalza. Palabrar la tierra fértil. Al mediodía recolecta sus frutos, y encuclillada bajo el pirul, chasqueó sus dedos, dientes y lengua de puro contento por la cosecha. Crujió con sus pies la hojarasca. Mordió una manzana roja. Festejó el día con su risa. Dos caminaba descalza.

Tres escurrió con la lluvia. Cantarítodas las rimas. Atardecer salpicado de gotas, y espolvoreada sobre el pirul, tintineó sus perlas de fresco chubasco sobre el húmedo verde zacate. Enjugó con su coro de agua. Empapó peatones despistados. Diluvió su traviesa nubada. Tres escurrió con la lluvia.

Bajo el sol se conjugaron: aire mas tierra mas lluvia. Y el arco les dio su nombre: las bautizó "Muna Zul".

LOS MEJORES DISCOS DE 2011, SEGÚN EL APICULTOR

2011-12-27T15:28:00.000-08:00

Se va el 2011 y como cada año, este humilde apicultor no puede evitar hacer una retrospectiva de la música que estos últimos 365 días trajeron consigo. Las listas sobre "lo mejor" del año en X categoría me gustan, aunque generalmente los criterios a seguir para la elaboración de tales recuentos son bastante subjetivos. Y como La Madriguera no pretende ser un sitio para la objetividad, he aquí mi lista personal de los discos lanzados en 2011 que más me emocionaron. Por supuesto que me falta escuchar mucho de lo que se creó durante este agonizante año, pero en lo que llega el momento de conocerlo, dejo a consideración del amable lector una selección de álbumes que ocuparon lugares privilegiados en mi aparato de sonido. Van por categorías, ocupando sitios de primero, segundo y tercer lugar; y dice así...

MÚSICA INTERNACIONAL:

1. TORI AMOS: "Night of Hunters"

La pelirroja se arriesgó con este primer álbum totalmente neoclásico: sólo su piano, un ensamble de maderas y un cuarteto de cuerdas. Exquisito, delicado y evocador: la Tori del 2011 tiene nuevas cosas qué decir, nuevas emociones qué traducir, y por supuesto, la música es consecuente con sus palabras. Para mí se trata de su mejor trabajo desde "The Beekeeper", de 2005, y es sin lugar a dudas mi disco del año: una fábula neblinosa para escapar del mundo por un rato. Por un buen rato.

2. FLORENCE + THE MACHINE: "Ceremonials"

La prueba fue superada. Luego del aclamado y fenomenal "Lungs", de 2009, muchos nos preguntábamos si Florencia conseguiría repetir la hazaña, y tras escuchar detenidamente estos ceremoniales, nos dimos cuenta de que no quiso repetirla, sino perfeccionarla. Es cierto que aquí no hay canciones tan pegajosas como "Dog days are over", pero en su lugar encontramos piezas más serias y también mucho más elaboradas. Arrogancia barroca para días de otoño.

3. BJÖRK: "Biophilia"

Un experimento más de la islandesa. Tal parece que las intenciones vanguardistas de Björk y su falta de respeto a los convencionalismos no obstan para que la música pase a un segundo plano. Sólo a ella se le pudo ocurrir la idea de componer un álbum en un iPad, y qué bueno, porque otro en su lugar no habría logrado tan buen trabajo. "Electrónica minimalista etérea cósmico metafísica sideral" le va bien como etiqueta y no, no es un disco difícil de escuchar. Es simplemente Björk.

EL DE MENCIÓN HONORÍFICA: "Let England Shake", de P.J. Harvey.
EN 2012 EL APICULTOR ESPERA SORPRESAS DE: Fiona Apple.

MÚSICA NACIONAL:

1. SARA VALENZUELA: "En la Cocina"

Empezó con La Dosis tocando rock-funk, luego La Dosis le entró a la moda de la electrónica, y en 2005 su debut solista presentó a una Sara cálida, arropadora y chilloutosa. Ahora, "En la Cocina" por fin se anima a convidar un poco de ese jazz que tanto apasiona a la Valenzuela: excelentes canciones con músicos de lujo, interpretaciones llenas de feeling y arreglos minuciosos que colocan a Sara en uno de sus mejores momentos como artista. Ojalá el año entrante nos regale una gira...

2. LILA DOWNS: "Pecados y Milagros"

La gente de EMI Music debe estarse dando de topes por haberla dejado ir. Lila Downs es sinónimo de sincretismo cultural, y su último álbum no es la excepción: documento antropológico-musical cuyo contenido refiere a la costumbre mexicana de los exvotos. "Pecados y Milagros" es, desde su aparente folclorismo, un disco con espíritu libre y universal que reivindica la música mexicana y la lleva al terreno de lo global. Como siempre, hay temas propios y versiones alucinantes. De lo mejor en su discografía.

3. ELÁN: "Regular Weird People"

Rocanrol. Así nomás, a secas. Elán y su pandilla conocen los orígenes del género (recordemos el estupendo "Street Child", de 2003) y eso nos queda claro, pero ya no les interesa decantarse por una u otra de sus vertientes, y tampoco pretenden revival alguno; ellos sólo tocan para celebrar el rock, y eso se siente y se agradece cuando uno escucha "Regular Weird People": música para oírse con los amigos y beber un par de cervezas. Así de simple, y también así de rico.

EL QUE FUE BUENA IDEA, PERO QUEDÓ A DEBER: "Travieso Carmesí", de Alondra de la Parra con Ely Guerra, Natalia Lafourcade y Denise G.
EN 2012 EL APICULTOR ESPERA SORPRESAS DE: La Barranca.

METAL INTERNACIONAL:

1. SEPTIC FLESH: "The Great Mass"

La música de Septic Flesh es hoy, más que nunca, semejante a una criatura lovecraftiana: monstruosa, enorme, procedente de regiones ensombrecidas en donde los hombres comunes enloquecen irremediablemente. En efecto, se trata de una gran misa apocalíptica, donde el death metal consagra su poderío a oscuros dioses primigenios que bendicen a la banda con la perfección sinfónica en doce salmos de connotaciones ontológicas. Muérete de envidia, pobre Dani Filth.

2. MY RUIN: "A Southern Revelation"

Este álbum encaja a la perfección en esa falsa categoría que alguna vez se denominó "rock pesado": guitarras fuertes y crudas, aunque con ritmos accesibles, y una voz agreste, animalesca, instintiva. Hay aquí una profunda sensación de visceralidad que de inmediato despierta pulsiones rudimentarias y casi sexuales. "A Southern Revelation" es un trabajo que no admite demasiadas racionalizaciones en su descripción: sus mordidas se sienten mejor en carne propia y sin oponer resistencia alguna.

3. THEATRES DES VAMPIRES: "Moonlight Waltz"

Un ente híbrido. O te gusta o no te gusta. Y a mí me gusta. "Moonlight Waltz" tiene todos los elementos musicales del metal gótico moderno, pero conserva el resabio del goth ochentero en la voz de Sonya Scarlett. Aquí no hay nada muy diferente a lo que la banda ha hecho en sus últimos discos: éste también sabe a sangre y a erotismo soft, con el detalle de que sus canciones son de las más sólidas que han logrado en años. "Le grand guignol" es una punzante dentellada en la yugular.

EL QUE DECEPCIONÓ: "The Unforgiving", de Within Temptation.
EN 2012 EL APICULTOR ESPERA SORPRESAS DE: Cadaveria.

METAL NACIONAL:

1. MYSTICA GIRLS: "Metal Rose"

Aquí está el verdadero significado del poder femenino. Más allá de la imagen (definitivamente sensual, para qué negarlo), Mystica Girls se caracterizan por labrar un heavy metal vigoroso y enérgico, cuya fortaleza no merma la femineidad que subyace a su estructura. "Metal Rose" son seis entusiasmados temas de gran calidad, seis caricias de terciopelo perfumadas con acero y sangre. La física se ha equivocado: los pétalos de una flor son excelentes conductores de electricidad.

2. MALIGNO: "The Funeral Domine"

Contemporaneizar un género añejo respetando su estructura original no debe ser cosa sencilla, pero Maligno ya nos tiene acostumbrados a su peculiar forma de lograrlo. En "The Funeral Domine" sigue rondando el fantasma de Black Sabbath, aunque sin tomar protagonismo: más bien se pasea por el álbum como un maestro que observa orgulloso a sus discípulos. Con esta entrega, la banda mexicana consolida su identidad sin traicionar a su principal influencia. Un clásico moderno.

3. DRAMATVM: "The Prophecy of Mhisty"

Un álbum que es como el hijo ilegítimo de Tarja Turunen y Dark Tranquillity. Este sexteto tiene en Cecilia Ledesma a una soprano de voz realmente educada, y afortunadamente su música no encuentra su leitmotiv en los teclados sino en las guitarras. Dramatvm le da la espalda a la melancolía y el romanticismo del gótico, y apuesta por una aventura cuasiprogresiva de mayor sensatez, reforzada por un concepto letrístico que sin ser del todo original, sí es de los más audaces del panorama nacional contemporáneo.

EL QUE TUVO BUENA INTENCIÓN, PERO SE PASÓ DE AUTOCOMPLACIENTE: "Hermanos de Sangre: El Ritual", de Anabantha.
EN 2012 EL APICULTOR ESPERA SORPRESAS DE: Black Palace.

Y así las cosas, este humilde apicultor despide el post esperando que el próximo año traiga mucha buena música, bandas nuevas, grandes conciertos y demás bondades sonoras. Después de todo, es lo menos que podemos pedir antes de que se acabe el mundo, ¿a poco no?

CINCO DISCOS PARA ARRUINAR LA NAVIDAD (Parte 2)

2011-12-22T14:16:00.000-08:00

El año pasado, este humilde apicultor proponía cinco discos para echar a perder las fiestas decembrinas a través de sonidos extremos, y todo porque el bullanguero tintinear de cascabeles y risotadas santacloseras se había tornado insoportable. Bien, como este año las cosas no son diferentes, y los duendecillos y los renos parecen ser tan felices como la navidad anterior, he decidido reanudar mi servicio social a la comunidad antijinglebells; pero esta ocasión con un giro distinto al propuesto en 2010. ¿Creía el lector que únicamente el metal y la música extrema podían funcionar como antídoto para los villancicos? Permítame demostrarle lo contrario a través de cinco recomendaciones discográficas que, le garantizo, pondrán los pelos de punta a sus felices invitados a la cena de Nochebuena. Así que prepare su aparato de sonido y no dude en subir el volumen, que estas cinco linduras bien valen unos altos decibelios. El menú es variado, elija usted...

1. INDISCIPLINED LUCY: "About the black eyed girl" (1999)

El negro de la noche se esconde tras un manto lleno de gotas a punto de derramarse. Anna Varney, de Sopor Aeternus ha sido secuestrado por The Cure para obligarlo a cantar con ellos, pero King Diamond ha descubierto el plan y resolvió sumarse a él, poseyendo a los músicos hasta hacerlos tocar sobre una base de rock neo-progresivo. El experimento fracasa comercialmente y pronto la nueva banda se encuentra tocando en teatros decadentes de ciudades anónimas frente a audiencias indiferentes. Esta noche el público está conformado por payasos: hombres de amargura insondable cuyo maquillaje no alcanza para cubrir las cicatrices de infelicidad y frustración. Termina el show, y los descoloridos bufones salen a la lluvia nocturna con la esperanza de encontrar alguna bella puta que cargue en su alma pesares similares a los de ellos mismos; y quizá más de uno logre el objetivo. Pero la historia no tendrá un final feliz: de pronto aparece una pistola, y el eco de dramáticas carcajadas encuentra compañía en las cuerdas de un ajado violín. Por cierto, Indisciplined Lucy es una banda sueca, y "About the black eyed girl", un excelente álbum para pasarla mal. Felices depresiones.

2. TOM WAITS: "Blood money" (2002)

En las alcantarillas de las grandes ciudades ocasionalmente se esconden hombres perversos, que llevan en sus bolsillos una visión tortuosa del mundo, la sociedad y las emociones humanas. Estos hombres están dispuestos a escupir la blasfemia directo en el rostro de la gente linda, que ha preferido rechazarlos no tanto por locos como por profetas. Tom Waits es uno de esos hombres, de garganta llagada por el alcohol y el tabaco, de instintos misántropos e intenciones retorcidas, de aficiones al jazz y al blues más abrasivo. Es difícil recomendar un solo disco de este cronista de los bajos mundos, pero "Blood money" parece una buena opción cuando se trata de exaltar por igual la miseria y el amor, que en una de esas son exactamente la misma cosa. Pasiones asesinas, intuiciones desnudas y erotismo de arrabal con sabor a whisky barato: eso es "Blood money". Y si de plano el lector decide adentrarse en ese mundo de locura y delicuescencia, puede acompañar este disquito con un buen libro de Charles Bukowski, preferentemente la colección de cuentos titulada "Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones". Todo un reto a la cordura.

3. KITTY BRAZELTON & DAFNA NAPHTALI: "What is it like to be a bat?" (2003)

Ruido, ruido y más ruido. Si la mente de los matemáticos produjera sonido cuando ellos piensan, seguramente se escucharía como este álbum: un caos de complejidad desconcertante que esconde tras de sí una extraña armonía; con el detalle de que para encontrarla hace falta pasar por muchos dolores de cabeza. Las dos intelectuales perpetradoras no se tientan el corazón a la hora de someter al escucha a su intrincada propuesta: una grita y la otra produce secuencias de ruido electrónico mientras la primera hace zumbar la guitarra y el bajo parece llevar su propio ritmo. Por supuesto que aquí no cabe hablar de canciones, sino de pura y espeluznante experimentación. "What is it like to be a bat?" es la obra de dos mujeres libres que no se preocupan por decorar las ideas que brotan de sus ininteligibles mentes; se trata de un trabajo que requiere mucha paciencia y concentración para no perderse en sus discordancias, pues usarlo como música de fondo invariablemente conducirá al escucha a un bonito estado de estrés y tensión emocional. Un disco para los amantes de las ciencias exactas y para músicos que sí fueron a la escuela.

4. GORE GORE GAYS: "Menage a trois" (2003)

La banda más divertida, pegajosa, penetrante, cachonda, asquerosa, lubricante y resbalosamente maricona del planeta, y al mismo tiempo, con más huevos que muchas agrupaciones roqueritas que andan por ahí. Electroclash, punk y harto glamour de macho a macho. En una era en donde se predica la tolerancia y ya no está de moda ser homofóbico, los Gore Gore Gays son una prueba de fuego que logra sonrojar y sacar a la luz los prejuicios de la mente más abierta. Sin pelos en la lengua (aunque, bueno... ejem...), sus canciones se burlan del conservadurismo y de la censura, y gritan con cinismo provocador que todos los chicos están buenos y que el tamaño sí importa; pero lo mejor de todo es que no pretenden ser abanderados de causa alguna, pues también se dan el lujo de mofarse de los malogrados estereotipos del mundillo gay. Así es, amable lector, en "Menage a trois" no hay lugar para eufemismos ni para estilizaciones; se podría decir que este disco es como el sexo sin compromisos: desinhibido, instintivo, informal, entretenido y muy, muy, muy placentero. Puto el que los oiga y no le gusten (¿o era al revés?).

5. JESUSA RODRÍGUEZ Y LILIANA FELIPE: "Que 20 años no es nada" (2009)

¡Salud por las Patronas! La pareja más emblemática de la música de cabaret en México ofrece en este disco doble cuarenta de sus mejores canciones, mismas que van del tango a la canción ranchera, de los corridos al danzón y de ahí al folclor latinoamericano, siempre con esa afición socarrona por sacarles ronchas a las buenas conciencias con su reflexiva y desalmada crítica: abajo los políticos, las iglesias, los mochos, los machos y los pendejos. La inteligencia cuestionadora e inconformista de Liliana y Jesusa les permite hacer gala de una hilaridad asombrosamente lúcida en su discurso, que sigue hoy tan vigente como hace veinte años. Sea con el sobrio acompañamiento del piano, con orquesta o hasta con mariachi, las Patronas siguen siendo reinas absolutas de la contracultura en el mundo de habla hispana. Imagine el lector la cara de su abuelita cuando al partir el pavo suenen en el comedor los versos de "Cuando cumpla los ochenta": "seré una vieja loca, vieja escupe curas, vieja puta, rematada, vieja pero no pendeja". Invaluable.

Y así el panorama, querido lector: hay para todas las orejas. Y al igual que cada una de las recomendaciones discográficas del apicultor, esta selección también pasó por un minucioso proceso de calidad, únicamente para garantizar que usted encuentre justo lo que busca. Luego entonces, si lo que busca al leer esta entrada es musiquita para fastidiar el espíritu navideño, aquí tiene cinco deliciosas y muy eficaces alternativas. Eso sí, después de esto no le aseguro que Santa Claus deje regalo en su zapatito. El riesgo es suyo...

ÉXODO ASTRAL CON JAVIERA MENA

2011-12-12T15:35:00.000-08:00

Tiene que ser de otro planeta. Tiene que serlo porque toda ella es de cristal y en su figura traslúcida se reflecta el brillo de los colores más luminosos. Cuando se mueve —alígera, exacta—, los halos de luz que recorren su cuerpo semejan estrellas fugaces que chocan entre sí. Que explotan. Que mueren. Ella sólo sonríe; abre los labios y puedo ver sus palabras que al emerger iluminan la noche doméstica de mi habitación: son palabras de azúcar, gránulos cantantes que se expanden a mi alrededor, puntos de luz dispuestos en configuraciones caprichosas como galaxias. Es mi primer viaje al espacio exterior: tan inmenso que cabe en un cuarto oscuro. Las constelaciones de azúcar tintinean y la niña de cristal me abraza. Susurra en mis oídos y entonces empiezo a experimentar una frescura inusual moviéndose dentro de mi. La niña me suelta y se despide con más palabras almibaradas. Me dice que se llama Javiera, y luego estalla liberando el tránsito de estrellas de neón que surcaban su interior. Fragmentos de su vítreo cuerpo se pegan a mis oídos y el caos estelar a mi alrededor cobra una regia armonía. Aún no termino de comprender lo que ocurrió, cuando al observar mis manos noto que ahora son de cristal, y reflejan en ellas el misterioso brillo de colores que danzantes cortan la negrura de mi universo doméstico. No sé cuánto tiempo ha transcurrido desde que conocí a mi niña, y no sé cuántos días hace que se fundió en mi pequeño cosmos, pero aún siento la frescura de su murmullo rezumando en mi nuevo cuerpo transparente. Y es polvo sideral que electriza y luego arropa, mece mi espíritu entre nebulosas y ritmos pulsantes que no tienen fin. A veces recuerdo mi viejo mundo y quiero volver a él, pero he olvidado el camino de regreso. Sé que hay personas que han intentado abrir la puerta de este universo-alcoba, pero ninguno de ellos ha logrado entrar conmigo. Y es mejor así: de todos modos el infinito es sólo mío. Me lo regaló Javiera la noche que estalló en mi habitación.

Discografía:

Esquemas juveniles (2006)

Mena (2010)

(Web oficial: www.javieramena.com)

FRANCISCA VALENZUELA: "Buen soldado" (2011)

2011-12-09T18:58:00.001-08:00

Francisca Valenzuela es una mujer joven e inteligente. Y ser joven e inteligente en la era de la información equivale a estar preocupado: por el futuro, por el desempleo, por salvar al mundo, por la femineidad, por la masculinidad. Pero también significa ser capaz de apropiarse de esas desventuras generacionales y asumirlas con el desparpajo con que se ve una caricatura, se cuenta un chiste o se disfruta de cualquier cosa que no parezca tan pinche en el mundo actual. Por eso su música es agridulce. Por eso no se quedó en el underground pero tampoco está en las grandes masas. Por eso parece que se queda en el limbo: porque no se azota con devoción de emo, ni celebra con optimismo pendejo. Francisca celebra los azotes y se ríe de las contradicciones de su generación.

¿Basta lo anterior para hacer que "Buen soldado" sea además un buen disco? No necesariamente, pero sí que lo vuelve un documento interesante que sólo pudo haber aparecido en estos tiempos. Y su sonido es, curiosamente, cien por ciento acorde con lo que expresan sus letras: a veces simple, juguetón, amable; sin más intenciones que pasarla bien con los amigos o enamorarse a ritmo de pop. Pero también puede ser denso, reflexivo, cuestionador; como una voz que quiere ser valiente y demostrar su madurez, pero que se sabe nadando contracorriente, pieza del mismo juego contra el que sueña rebelarse. Entonces asoma apocado el jazz.

Acaso el acierto de la Valenzuela sea que no pretende inventar nada, sino hablar de lo mismo que miles de jóvenes traen en la cabeza pero prefieren dejarlo allí. ¿Se le puede llamar acierto, entonces? Definitivamente, porque en sus maneras igual cabe la crueldad de una burla que reduce la identidad masculina a tener "un buen rabo", o la futilidad de reconocer a lo que debe aspirar una mujer modelo. ¿Qué es más preocupante: la infidelidad a la pareja, el ideal de convertirse en libertador del país, o hacer un buen papel en una entrevista de trabajo? Si a usted, amable lector, le resulta difícil responder a la pregunta, y prefiere pensar que hay cosas más importantes como el caso del hombre que asesinó para alimentar a su familia, o la angustia de ver que ya son las diez y la novia no ha llamado, entonces me atrevo a pronosticar que "Buen soldado" tiene en algún lugar un espejo para usted. Pero no se asuste, que Francisca Valenzuela ha tenido la delicadeza de adornarlo para que luzca más afable.

Finalmente, en un mundo en donde lo único que importa es ser más feliz que los demás (y también antes que ellos), "Buen soldado" es un magnífico álbum para reconocer en él lo más patético de sus amigos y vecinos, mientras usted se relaja, lo escucha, lo baila y lo canta en la regadera, contento de no formar parte de esa panda de fracasados. Porque si lo fuera, no estaría disfrutando de este disco... ¿o sí?

BEAT OF WINGS EN SAN LUIS POTOSÍ

2011-11-26T17:02:00.001-08:00

Viernes 25 de Noviembre de 2011

Museo del Ferrocarril "Jesús García Corona", San Luis Potosí, S.L.P.

Cuando el ave bate sus alas hace más que sólo eso: se abre paso hacia un cielo de posibilidades infinitas, un cielo que con su ausencia de fronteras sólo puede conducir a la más perfecta libertad. El ave bate sus alas y ofrece en su vuelo el espectáculo de un movimiento majestuoso y elegante para quien le pueda interesar. Cuando un músico bate sus alas hace más que sólo eso: se abre paso hacia un mundo de sonoridades infinitas, un mundo en donde se rompen las fronteras y donde la imaginación es el camino perfecto hacia la libertad. El músico bate sus alas y ofrece en su arte el regalo de una obra majestuosa y elegante para quien le pueda interesar. Desde Austria y Holanda llegaron volando tres aves a San Luis, y en su aleteo nos obsequiaron un viento fresco que nos enchinó cada centímetro de la piel.

La música es una de las expresiones más nobles de la naturaleza humana, por eso da gusto cuando un público heterogéneo se reúne para disfrutar de un buen concierto sin importar las categorías. Nuestros coterráneos de Wish in the Silence abrieron el aire, como los gansos al volar en V, para que más tarde aterrizaran los lejanos visitantes. Metal melódico de tenaz ejecución fue lo que ofreció la banda local: una de las mejores propuestas en el panorama potosino reciente. La bella Susana alzó su canto respaldada por la solidez de fuertes guitarras: temas propios y atinados covers en metálicas orquestaciones flotaron por el recinto que esa noche brindaba por la música como entidad, y no por las etiquetas.

Entonces arribaron las extrañas criaturas. No pude evitar recordar una vieja frase de Jacques Attali: "lo que es ruido en el viejo orden, es armonía en el nuevo". Beat of Wings estaba en escena: una descarga de sonidos digitalizados revoloteaban en complejas ondas, mientras la guitarra ululaba y el bajo sonreía al trazar pulsaciones rítmicas cuyos latidos semejaban los de un corazón humano. Y en medio de la fiesta de eufonías, una delicada grulla con voz de mirlo paseaba garbosa deslizando su voz sobre el desfile de beats. Quien a estas alturas siga pensando que la música pop no puede ser inteligente, debe escuchar a Beat of Wings: sus ritmos lo mismo son capaces de enviar descargas eléctricas directo a la médula espinal, que de arrobar con calidez y cachondería jazzera. Tocaron prácticamente completo su disco debut, y lo hicieron con un derroche de pasión que pocas veces he visto en bandas europeas: desde el sentido dramatismo en "O pesadelo" hasta el enfado de "Backdoor baby", o el festejo lozano en "ZWEInzelgänger". La parvada nos haló a sus elevaciones y nosotros, contentos, nos dejamos levantar.

Y por lo menos yo, no pienso aterrizar hasta dentro de un buen rato.

(Web: http://www.beatofwings.com/)

DARK FUNERAL EN SAN LUIS POTOSÍ

2011-11-25T08:58:00.000-08:00

Jueves 24 de Noviembre de 2011

Steel Metal Bar, San Luis Potosí, S.L.P.

"The world spreads its legs for another star"
-Marilyn Manson

Es comprensible cuando el público es quinceañero, es comprensible cuando el contexto es un show de Luis Miguel, y hasta es comprensible cuando la gente lo hace movida por el sarcasmo. Pero el de anoche NO era un público quinceañero, NO estábamos en un show de Luis Miguel y desafortunadamente tampoco parecía que muchos lo hicieran por sarcasmo; y es que anoche justamente me tocó atestiguar uno de los comportamientos más incomprensibles de parte del público metalero en un concierto de black metal: admiradores desviviéndose por tocar, aunque fuera brevemente, la mano de los músicos; chicas que a la menor oportunidad acariciaban las botas (¡las botas!) del frontman de la banda cuando éste se acercaba a ellas desde el escenario; un insistente muchacho que en cada pausa entre canciones levantaba el booklet de su CD y un lapicero para que los músicos lo firmaran (¿a mitad del show? sí: a mitad del show); gente que aullaba cada vez que el vocalista profería alguna frasecilla (¿qué decía? ¡no importaba! el caso era aullar: en más de una ocasión el gritante lució desconcertado al no obtener una respuesta coherente a su interacción con el público, que ante sus preguntas y peticiones respondía invariablemente con un sonoro "¡uuuuuuhhh!" que en realidad nada significaba); dos o tres personas molestas porque los empujones naturales en un concierto de black metal les impedían grabar la presentación con sus celulares; muchachos guardando celosamente su lugar junto a las vallas de contención para poder ver pasar a la banda cuando bajara del escenario, con sus cámaras listas para conseguir una anhelada foto de cerquita; y para coronar con broche de oro: fans que hicieron su mejor esfuerzo por tocar brevemente a los músicos cuando éstos terminaron su presentación y bajaron hacia su camioneta (creo que incluso algunos intentaron perseguir la camioneta como las niñas persiguen a Justin Bieber). Al final, varios comentarios de dos o tres frustrados blackers: "qué mamones", "a mi el vocalista me tiró a la verga, güey", "¿me alcanzaste a tomar la foto? ¿me alcanzaste a tomar la foto?". ¡Ay, señor Manson, qué razón tenías desde tu nicho de mercadotecnia y tu trono de rockstar para las masas! Efectivamente: el mundo se abre de piernas para recibir a otra jodida estrella.

Y qué buen concierto, me cae. Los causantes de todo este alboroto: unos potentes Dark Funeral que demostraron estar en uno de sus mejores momentos. ¿Que ya no traen a Emperor Magus Caligula en la voz? ¡Y quién diablos lo necesita, si el actual Steve Marbs entregó una garganta atronadora y destructiva como una motosierra! Por un momento me hicieron dudar si realmente vienen de Suecia y no desde el mismo infierno. Los temas elegidos para la noche fueron sabiamente administrados, alternando entre las piezas más veloces a las que los Funeral parecen tan aficionados, y los majestuosos medios tiempos que para mi gusto fueron los que anoche se llevaron las palmas. Hubo de todo: desde el "Secrets of the black arts" hasta (obviamente) el reciente "Angelus exuro pro eternus", y aunque en términos generales se trató de una presentación bastante homogénea, quizá por mera cuestión de subjetividades a mi me gustó cómo sonaron "666 voices inside" y "The birth of the Vampiir". Repito que se trata de una cuestión de gustos personales puesto que no hubo, al menos desde mi percepción, un momento clave durante el show que impactara más o menos que otro. Del principio al final la confrontación fue dura e inmisericorde: un ataque de black metal hecho con las vísceras y tocado con la más pura energía maligna. Nunca antes un funeral había sonado tan excitante.

Dice la sabiduría popular que nadie sabe lo que tiene hasta que lo ve perdido. Tal vez por eso el único slam de la velada ocurrió durante el encore (de tres temas): una vez que la banda salió nuevamente a escena después de la obligada primera "despedida", muchos decidieron apagar sus cámaras y dedicarse con enjundioso placer a madrear al prójimo. Fueron pocos minutos pero nos sirvieron para recordar que el black metal furioso, misántropo, bien hecho y bien tocado a altos decibeles siempre será un perfecto soundtrack para las patadas y los trancazos.

El siempre atinado Steel Metal Bunker tuvo anoche uno de sus más grandes aciertos con Dark Funeral, y no quiero cerrar este post sin antes reconocer el enorme esfuerzo que hacen por traer espectáculos de verdadera calidad a San Luis. Estoy seguro de que nadie de los que estuvimos presentes quedó decepcionado con el show de los suecos, pues al final de cuentas, y cada quien a su muy particular manera (los que observaban imperturbables desde atrás, los que hacíamos headbanging, los que reíamos y bromeábamos, los que se tomaban fotos, los que se desgañitaban, los que bebieron de más, los que hacían guitarras de aire, los que le entramos a los madrazos, los que coreaban el nombre de la banda y gritaban cada que Nachtgarm extendía los brazos y hasta los que se quedaron con ganas de su foto y su autógrafo), pero creo que todos los que acudimos al llamado celebramos desde nuestras renegridas entrañas el paso de los devastadores Dark Funeral por nuestra ciudad. Un excelente concierto. De esos que no se olvidan fácilmente.

Por cierto, ¿a qué hora tocó Postnecrum?
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FLORENCE + THE MACHINE: "Ceremonials" (2011)

2011-11-21T10:43:00.000-08:00

Florencia tenía pulmones y no dudaría en usarlos. Un buen día se cansó de guardar para sí todo lo que tenía qué gritar y decidió subir el volumen de la música que se le escapaba de las entrañas. Intentó hacerlo paulatinamente, pero pronto se dio cuenta de que esa fingida moderación no iba con ella: mujer de excesos y pasiones bombásticas que peleaban por salir todas a la vez. Fue así que la chica olvidó los convencionalismos y se abandonó al sismo de su alma, cataclismo de irrealidades que al temblar le rompieron el pecho, y entonces sí: los pulmones de Florencia quedaron expuestos.

Ella se desplomó sobre su cama. De inmediato la habitación fue asaltada por las extrañas vibraciones de las venas de Florencia, tensas como cuerdas, tañendo al unísono para crear intensas paredes de sonido. La sangre manaba en chorros que al tocar el suelo se convertían en mariposas: decenas de mariposas negras que aleteaban por todo el lugar suscitando potentes retumbos. Y los pulmones de Florencia cantaban sin necesidad de una garganta: a veces cantaban solos y a veces los acompañaba un coro de ángeles y demonios, pero siempre en un ceremonial orquestado para su propio lucimiento.

Afuera, las personas nos embelesábamos al escuchar. Eran tan solo pequeños ecos los que alcanzaban a filtrarse por las paredes de aquella habitación, que parecía guardar dentro de sí un mundo propio de sonidos y emociones. Quienes fuimos atraídos por la melodía nos movíamos como los niños de Hamelin, privados de todo albedrío, rumbo a una tierra que se antojaba prometida y que se revelaba en enigmáticas melodías desde un epicentro sin puerta de entrada. Nos conformamos con escuchar desde afuera, mientras en el interior, Florencia terminaba de desangrarse en rituales privados donde ángeles y demonios copulaban para engendrar universos de ensueño, superiores a todo infierno y a todo paraíso: universos accesibles sólo para quienes poseen la capacidad de abandonarse a los sismos de su propia alma. A los demás, nos queda solo la estela de la melodía.

Y tal vez sea mejor así. Allí dentro parece demasiado monstruoso...

(Web: http://www.florenceandthemachine.net)

LOS CARNICEROS DEL NORTE: "...presentan: 13 Cuchilladas" (2009)

2011-10-30T14:48:00.000-07:00

Sabías que era mejor huir por la ventana que subir las escaleras, pero las subiste de todos modos. Sabías que un tipo con máscara blanca y una motosierra no es digno de confianza, pero te le acercaste de todos modos. Sabías que era mejor esperar en la carretera que caminar hasta esa sospechosa cabaña perdida a mitad del bosque, pero caminaste de todos modos. Sabías que era mejor no hacer ese reportaje sobre brujas y eventos sobrenaturales, pero lo hiciste de todos modos. Sabías que no era buena idea acampar cerca de un lago donde hace años se ahogó un niño y donde cada viernes 13 hay brutales asesinatos, pero acampaste de todos modos. Sabías que liberar a ese animal portador de un virus desconocido podía ser riesgoso para la humanidad, pero lo liberaste de todos modos. Sabías que era más prudente ignorar ese viejo libro con invocaciones en lenguas desconocidas, pero lo leíste de todos modos. Sabías que un armario es el peor lugar para esconderte de un asesino, pero te esondiste en el armario de todos modos. Conclusión: el cine de terror NO te hace más listo, pero a quién demonios le importa cuando se trata de divertirse con mucha mala leche y poco sentido común.
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¿Pero qué hace el apicultor hablando de cine cuando el tema del blog es la música? La culpa es de los Carniceros del Norte: tres maniáticos españoles adoradores del cine de terror y el deathrock más estrafalario que lo mismo rinden tributo a películas de sobrado culto que a joyitas del kitsch más chocante (aunque no por ello menos divertido). Trece cuchilladas en las orejas nos asestan los carniceritos con este CD: cada una inspirada en una película diferente, aunque todas ellas con la rítmica tarambana del deathrock y el horror punk más filoso: atolondrado frenesí de ultratumba para bailar en el panteón y levantar a los muertitos de puro gusto rocanrolero. Es verdad que sus letras dejan mucho que desear, pero al cabo que no importa, porque los Carniceros no son poetas y además ya dijimos que el cine de terror NO te hace más listo. Aquel que los critique por hacer canciones sencillas a partir de películas enormes como "El gabinete del Dr. Caligari", "Nosferatu" o "Eraserhead", probablemente tenga toda la razón, pero lo cierto es que "13 cuchilladas" es un maravilloso tributo a un género que en sobradas ocasiones ha rebasado la línea que separa lo escalofriante de lo ridículo, a veces incluso con plena conciencia de ello, lo que redunda en un incremento al valor de sus intenciones.
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Que con lo anterior no se me malentienda: yo también amo el cine de horror, es solo que este disco ofrece una visión más compleja de lo que aparenta su elemental disfraz: es homenaje, sí, pero también es parodia: una de esas parodias límpidamente realizadas que sólo se pueden hacer cuando se conoce a profundidad el tema que se desea parodiar. Por eso aplaudo con entusiasmo poseso líneas como "En nuestro circo raro sólo faltas tú / ven a bailar con Frankenstein y con Lulú", o "Mataré a la niña que ha comido a sus padres / le enseñaré buenos modales / perra suerte, mala vida / si no me comen los zombies me matará la policía".
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Por si el amable lector buscaba un álbum para celebrar su Halloween (favor de no caer en el lugar común de decir que dicho festejo -cuyo origen no es gringo, por cierto, sino irlandés- atenta contra nuestro bellísimo Día de Muertos, sencillamente son cosas distintas y ya), "13 cuchilladas" resulta más que efectivo para tales fines. Y si además usted cuenta con el bagaje suficiente en materia de películas "de miedo", entonces le aseguro que disfrutará aún más las sanguinolentas bondades de este pavoroso disquito. Quizá el cine de terror no nos haga más listos, pero a quién demonios le importa cuando gracias a él surgen bandas como los Carniceros del Norte. Para morirse de gusto.
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(Web oficial: http://loscarnicerosdelnorte.blogspot.com/)

SE VENDE SATANÁS: Breve análisis sobre la figura del Diablo en el Black Metal

2011-09-25T11:46:00.000-07:00

¡Pobre Satanás! Al igual que Diosito, debe estar muy aburrido de ver cómo los seres humanos hacemos de su imagen y figura lo que se nos da la gana. De pronto parece que cada quien tenemos nuestra propia teoría, idea, explicación o simple pretexto para pintarlo como se nos antoja, y entonces soltamos perlitas de sabiduría como "Satanás es un concepto", "Es la naturaleza oscura de todo ser humano", "La parte que nos conecta con nuestros instintos básicos", o "La representación de la sabiduría y las virtudes que la iglesia niega". Cabe aclarar que todas las definiciones anteriores las he escuchado entre uno que otro de mis conocidos, algunos de los cuales están dispuestos a lo que sea por defender su punto de vista y convencer a quien se deje de que ésa, la suya, es la visión acertada del otrora Señor de las Tinieblas. Tampoco falta el que se refiere indiscriminadamente al susodicho como Lucifer, Satán, Belcebú, Samael, o cualquier otro apelativo que suene apropiado para un señor con cuernos y patas de cabra. Lo mismo se le dibuja con senos que con un cuerpo fornido, a veces asexuado y otras con un miembro viril descomunal, a veces con cara monstruosa y a veces con cara de chivo. El caso es que pensar en todo lo anterior me llevó a la conclusión de que a fin de cuentas Satanás es propiedad del dominio popular, y por lo tanto, como a los huapangos, cada quien tiene el derecho de interpretarlo como se le de la regalada gana: desde aquel que se lo toma muy en serio y lo adopta como filosofía de vida, hasta el que solo lo quiere para sentirse bien malo, proferir dos que tres blasfemillas y después ir a la misa de primera comunión de su hermanito. Pero en lo que llega el día de conocer el verdadero rostro de tan ínclito personaje, la pluralidad de opiniones nos ha llevado a presenciar una feroz guerra por ver cuál de los satanases es más popular.

El diablo vende, de eso no hay duda. Repito que los más serios en todo este asunto han optado las más de las veces por el camino de la discreción y generalmente se abocan a su ideología sin mayor escándalo, en una suerte de introspección que no admite modas ni se alimenta de la polémica o de las ganas de causar impacto; pero hay otros que han encontrado en el demonio un inmejorable camino para impresionar y causar morbo por igual. Y es en este amplio espectro taxonómico-demoniaco en donde cada participante saca sus mejores estrategias de mercado para poner a la venta su particular visión del chivo. Y el mundo, por su parte, ansioso de certezas y confundido ante la amplia oferta de creencias, prueba por aquí y por allá a ver si ahora sí le atina a la que satisfaga de una vez por todas su necesidad de aferrarse a algo inmaterial. No es que ésto sea malo, pues como seres humanos tenemos qué inventarnos algo para llenar nuestros años de vida, y en un mundo en donde hasta a los futbolistas se les rinde culto religioso, Satanás no parece una opción tan descabellada para seguir.

A lo largo de su historia, el black metal ha gozado de una relación de íntima camaradería con el diablo. Pero como es de esperarse, tampoco este submundillo ha escapado a la multiplicidad de alegatos respecto a su verdadera naturaleza. Por eso este humilde apicultor se ha dado a la tarea de recopilar varias líneas discursivas que priman el quehacer musical de algunos blackmetaleros, todas ellas con su respectiva recomendación discográfica para que cada lector elija (como en el libre mercado) el Satanás que más le convenza. ¡Lleve su Belcebú! ¡Lleve su Belcebú! ¡Cómprelos porque se acaban!

1. Satanás de "pastelazo".

Como el humor de pastelazo, esta visión musical del demonio es simple, escueta y sin mayores complicaciones. El blacker se dedica a proferir blasfemias sin mayor profundidad. Satán es percibido de modo lineal y abordado desde los mismos parámetros del cristianismo, es decir, como el adversario de Dios. Generalmente no son bandas que se tomen a sí mismas demasiado en serio, y en todo momento tienen claro que lo que hacen lo hacen para divertirse y nada más. El tema de sus letras es parte del show y su imagen de malvados es solo eso: imagen. Obviamente sus provocaciones tienen un impacto pero éste por lo general es resultado del shock value más que de otra cosa, pues aquí lo importante es verse bien blasfemos y gritar cosas como "¡Salve Satanás!" aunque ello no represente mayor compromiso. Bandas como los viejos Venom y Bathory en todo su esplendor como padrinos del black, han sido en esencia satánicos de pastelazo: el mismo Quorthon, líder de Bathory, reconoció en varias entrevistas que en sus inicios encontraba divertido "pararse dentro de un pentagrama y poner cara de malo". Cabe aclarar que ciertas bandas, como los que hoy recomiendo, probablemente no tienen por intención hacer un abordaje simple del tema, pero en ocasiones el resultado es de un humor involuntario que hace que entren en esta categoría más que en cualquier otra. El ejemplo que ofrezco son los italianos Mortuary Drape, banda musicalmente anclada en los sonidos de la primera ola del black metal, con riffs crudos y sencillos que homenajean a los años 80. Su imagen no se las cree ni su perro y sus letras tienen mucho de bobo, pero aún con ello han alcanzado un estatus de banda de culto, debido a su impactante ejecución de un black clásico y potente, sin adornos "majestuosos". Lo suyo es la vieja, viejísima escuela, con énfasis en las atmósferas turbias que mucho le deben al uso de dos bajos. El lugar de Mortuary Drape es sin duda junto a los grandes: Celtic Frost, Hellhammer, Venom. Uno de los proyectos más interesantes y auténticamente viscerales de la escena mundial, que además sigue en activo desde 1986. ¿Disco recomendado? "All the witches dance", de 1995: pura herejía de pasatiempo.

2. Satanás maligno.

Cuando los padrinos noruegos quisieron dar un paso más y llevar a la práctica lo que se pregonaba en las letras, surgió una nueva competencia: a ver quién era más extremo. Asesinatos, profanaciones de tumbas, vandalismo, entre otras acciones, fueron los recursos a los que algunos apelaron para demostrar que el black metal no era cosa de broma y mucho menos un simple género musical. Los blackers satánicos de tendencias malignas generalmente conciben su música como una herramienta para propagar el mal y desatar sus más violentas pulsiones. Todos recordamos los eventos de Noruega y sus réplicas en países como Alemania y Suecia, así como los coqueteos del black metal con posturas políticas radicales como el nazismo. Cabe aclarar que esta asociación con la política no es común a todas las bandas que asumieron actitudes más extremas, pues algunas de ellas sencillamente decidieron decantarse por el caos dirigido a todo lo que se moviera: ya fueran animales, otras personas o incluso ellos mismos. El ejemplo del apicultor para esta categoría es la banda sueca Abruptum. Formados en 1989 y con una participación relativamente activa dentro del Inner Circle, Abruptum han sido famosos por su sonido desordenado y confuso, a veces más cercano a improvisaciones de ruido negro y gritos desesperados que a canciones propiamente dichas. Sus composiciones suelen ser largas y dominadas por una aparente desestructura trastornada. Existen rumores que afirman que los miembros de la banda grababan su música mientras se sometían a torturas físicas, y que los alaridos que escuchamos en sus discos son producto genuino de estas sesiones de autoflagelación. Pero entre que son peras o son manzanas, lo cierto es que un disco de Abruptum es una experiencia única aún para el más habituado a la violencia sonora. Admito que a mí me parece una banda muy difícil de escuchar, pero en todo caso yo le entré por el "Obscuritatem advoco amplectere me", su primer larga duración de 1993.

3. Satanás pagano.

Si tomamos como referencia a la historia del black metal, veremos que llegó un punto en donde algunos de sus iniciadores se cansaron de hablar del diablo en términos cristianos y decidieron volcar su pregón hacia otras cuestiones: aquellas relativas a los antiguos cultos de sus tierras y a las religiones primigenias. Nuevamente el caso más popular lo aporta Noruega con el infame Varg Vikernes y sus delirios odinistas. En esta visión no importa tanto la figura de Satanás como un hombre con cuernos, barba y cola, sino como un adversario de las creencias impuestas por el cristianismo, incluyendo su concepción del demonio. Difícilmente el discurso de estas bandas muestra símbolos, imaginería o referentes letrísticos a Satán, pues aquí lo que importa es hacer una exaltación del anticristianismo a partir de la retórica pagana. Por supuesto, con la popularidad que cobró el black metal a nivel global, era de esperarse que esta perspectiva adquiriera matices diferentes dependiendo del país o región del mundo en donde se practicara. Es así que hoy encontramos desde el tradicional estilo vikingo hasta black metal con referencias a dioses griegos, incas y aztecas, entre muchos otros. Por supuesto, la banda que he elegido para ejemplificar esta vertiente es mexicana y tiene como hilo conductor de su ideología a la antigua civilización maya, su nombre: Xibalba. Esta agrupación finca su sonido en el minimalismo más elemental, con ritmos enérgicos y rupestres que a veces coquetean con el punk. Frecuentemente sus temas cuentan solo con uno o dos riffs, y se hacen acompañar de voces destempladas que mucho le deben a Darkthrone. Por alguna razón que no entiendo, varios de sus himnos son gritados en latín, lo que les otorga un aura de misticismo crudo muy ad hoc con el concepto de la banda. En lo personal los considero la mejor banda de black en el subterráneo mexicano, y aunque su discografía no es precisamente extensa, yo recomiendo empezar a explorarlos con el fenomenal "Ancients", de 2007. Pura furia pagana de verdadero culto.

4. Satanás filosófico.

No es secreto que diversas escuelas de pensamiento contemporáneas han tenido lazos más o menos evidentes con la figura de Satanás en sus más variadas acepciones. El 30 de abril de 1966, Anton Szandor LaVey funda la Iglesia de Satán, y con su filosofía revierte brutalmente la idea que muchos tenían hasta entonces de los cultos al Señor de las Tinieblas. LaVey fundamenta su propuesta en bases que nada tienen qué ver con sacrificios rituales y sí con una corriente de pensamiento más elaborada y seria. El black metal inicial definitivamente no compartía en su temática ninguna de las ideas de la filosofía satanista, y aunque algunos de los iniciadores del género han evolucionado hacia cuestiones más cercanas al "sendero de la izquierda" (Ihsahn, de la banda noruega Emperor, por ejemplo), en realidad este estilo de música NUNCA ha sido verdaderamente representativo de tal doctrina. Es cierto que otros pensadores, antes y después de LaVey, se han aproximado no sólo al estudio de Satanás, sino también a diferentes ramas de las ciencias ocultas, y claro, era lógico suponer que dichas ideas alcanzarían tarde o temprano a los entusiastas blackers. Los resultados de tal influencia han sido variables, pues en algunas bandas todo ha quedado en una lamentable aspiración a parecer pensadores profundos, y en otras ha servido para exponer planteamientos sumamente inteligentes. La banda que el apicultor propone para ejemplarizar esta modalidad proviene de Chile, es liderada por una mujer y se llama Luctus Hydra. Se trata de una agrupación reciente, con maneras fuertemente marcadas hacia el depressive black metal, y a pesar de contar solo con dos discos su propuesta se antoja madura y bien trabajada. Su sonido es frío y puede ir de los medios tiempos a la velocidad más azorada. Luctus Hydra pertenece a esa rara especie de la que hablábamos en la introducción a este texto: los que son cuidadosos en su manifiesto anticristiano, los que lo predican con discreción, con parsimonia, sin necesidad de buscar escándalos gratuitos. Las letras de la banda lidian con tópicos como la depresión y la angustia, pero con referencias (finas, cuidadas, exquisitas) implícitas al pensamiento filosófico-satanista. Incluso cuando la diatriba de Hydra parece ser abierta y coloquial en algunos temas, siempre saben mantener la clase que otorga la inteligencia. ¿Algún disco en particular? Yo prefiero el "Blasphemous war", del año pasado, pero sus dos trabajos son estupendos y se pueden descargar gratuita y legalmente desde su sitio web.

5. Satanás romántico.

Cualquier historia que hable de un exiliado que sufrió un castigo por defender sus ideales y su manera de pensar, se presta para ser abordada con romanticismo. Y uno de los mitos en torno a la figura de Satanás gira precisamente en torno a ese argumento. Por eso entre los adeptos al señor de los cuernos es fácil encontrar a quien desea hacer de su historia una tragedia de tintes dramáticos con personajes bien trazados, que igual puede apelar al heroísmo que a la fantasía erótica. Por lo general el lenguaje juega un papel determinante en esta aproximación al concepto de Satán, pues es indispensable contar con los recursos estilísticos adecuados para lograr el efecto deseado: de ahí que constantemente se eche mano de la poesía y el lenguaje connotativo para trazar las líneas que darán vida a nuestro Satanás cuasishakespeariano. Y para acompañar este rebuscado alegato muchos optan por dar el mismo tratamiento a la música, lo que suele derivar en un estilo teatral y lleno de florituras que a algunos les encantan y a algotros les dan asco. Ahí están grupos como Cradle of Filth, que aunque muchos los cuestionen en lo musical, lo cierto es que hacen gala de una poesía envidiable. Pero para no desviarnos del camino subterráneo, concentrémonos en la mujer que hoy propongo como representante del Satanás romántico: es argentina y se llama Vivian Black. Sus costumbres transitan lo mismo por el heavy (perceptible solo en algunos riffs) que por los vericuetos del doom. Al escucharla es fácil adivinar lo mucho que le gusta Celtic Frost y aunque su dominio del idioma inglés no es precisamente bueno, canciones como "Lucifer's tears", "Christ in black" o "Love is the devil's mask" nos entregan una visión apasionada y emocional del mismísimo demonio. La música de Vivian es muy sencilla pero es de esas propuestas que despiertan un inexplicable instinto de atracción, quizá por lo básico de su premisa. Su obra también se encuentra disponible de forma gratuita en su página oficial, aunque debo aclarar que si se desea encontrar lo aquí descrito, entonces debe el lector dirigirse al disco "Princess of darkness (Against the paradise)", de 1999, pues después de un largo silencio de más de diez años, Vivian regresó en 2010 con un EP de metal industrial que no tiene nada qué ver con sus primeros trabajos.

Y eso es todo por ahora, amable lector. Reitero que la tarea de este humilde apicultor no radica en emitir juicios sino únicamente en señalar caminos. Y lo anteriormente compartido son solo cinco caminos que de acuerdo a mi perspectiva ha tomado el satanismo dentro del black metal: a veces como propuesta, a veces como producto. ¿Debería eso ser factor determinante para elegir qué bandas escuchamos? Esa respuesta la tiene solamente usted. En esta selección no son todos los que están ni están todos los que son, y por supuesto que mis opiniones mucho tendrán de cuestionable una vez que sean filtradas por el juicio y la experiencia de quien tenga a bien leerlas. Puede usted estar o no de acuerdo conmigo, y hasta puede desarrollar su propia variante satánica para ofertar en el creciente mercado; estoy seguro que habrá muchas almas dispuestas a conocer su propuesta. A fin de cuentas hoy se vale de todo, no solo en las interpretaciones del diablo, como se mencionó al principio, sino también en el extraño universo del black metal; y cuando juntamos a estas dos intrigantes entidades la consecuencia puede ser tan apasionante como rentable. ¡Lleve su Satanás! ¡Lleve su Satanás! ¡Cómprelos porque se acaban...!

RAGNAROK en San Luis Potosí: Tour "Black September" 2011

2011-09-16T08:02:00.000-07:00

Jueves 15 de Septiembre de 2011
Steel Metal Bar, San Luis Potosí, S.L.P.

"Parece tardeada de secundaria", comentó alguien antes de que entráramos. Y de algún modo sonaba lógico, pues un cambio de último momento obligó a Ragnarok a mover sus horarios, y a los potosinos nos tocó recibirlos en 15 de Septiembre (¡ajúa!) a las siete y media de la tarde. Tampoco es que esto fuera un inconveniente, a decir verdad. Es más: a mi me pareció perfecto, pues llegamos directo a lo que íbamos sin mayor preámbulo.

¡Ah, Noruega! ¿Qué negra magia tienen las bandas de aquella tierra, que son capaces de traer consigo ráfagas heladas y abismos de la más honda oscuridad, aún cuando ofrecen un concierto en un país templado, semitropical, en un día caluroso y con el sol aún en alto? Bueno, no hay mucho qué explicar: se trata de Noruega, la cuna del black metal, representada esta vez por cuatro bestias gigantescas (sobre todo el guitarrista) de nombres impronunciables (por su fonética, no por su simbolismo). Ragnarok no es una banda novata: llevan en activo más de quince años y eso se nota en la estructura de sus temas: fieles al sonido primigenio del black y poseedores de una potencia apabullante.

¿Qué sería de una tocada de black metal sin su correspondiente parafernalia cuasisatánica? A fin de cuentas todo es parte del show, y el show incluyó lo de cajón: cruces invertidas, uno que otro espeluznante sonidillo ambiental, corpsepaint y muchas manos levantadas haciendo cuernos. Pero afortunadamente Ragnarok es de esas bandas que no ha permitido que tales elementos los distraigan de su labor principal: hacer música. Y la música que detonaron esa noche estuvo bien tocada, bien gritada y bien apuntada a un público que agitaba salvajemente las melenas.

Fue un show corto, pero electrizante. La banda tocaría una hora cuando mucho, pero lo mismo se invluyeron canciones de antaño como "Pagan land" (de su primer álbum, "Nattferd", de 1995) o "Certain death", que el vocalista presentó como "lo único que les espera a los pobres cristianos"; que temas del más reciente "Collectors of the king": entre ellos la pieza que da título al disco y la lujuriosa "Stabbed by the horns", con dedicatoria "a todas las putas". Alrededor de las nueve de la noche los noruegos dejaron el escenario.

La ceremonia continuaría con los guanajuatenses de Insepulchral y los locales Dominus Sathanas, mientras afuera muchos se preparaban para gritar "Viva México" y las bestias nórdicas se disponían a viajar para cumplir con otra fecha esa misma noche. Recibí una llamada, salí a contestar, me alejé unas cuadras del bar para atender otro asunto y al final ya no volví para ver a las otras dos bandas. Ni modo: ya será para la próxima. De todas formas, muy buen concierto.

FORTALEZA: Voz de los rumores que inundan la Villa Rica

2011-09-02T08:48:00.001-07:00

México sabe de guerras. Sabe de conquistas, de invasiones y de las implicaciones que conlleva enfrentarlas con la vista en alto. Y si existe un lugar en todo México que conoce bien la sensación de ver cimbrados sus orígenes y su estabilidad, ese lugar es Veracruz: terrirorio por donde penetraron los conquistadores españoles hace alrededor de 500 años, y que además ha sido escenario de encarnizadas batallas contra fuerzas francesas y estadounidenses. Imposible arrancar de la memoria de un pueblo las historias de valientes guerreros que pese a todo defendieron noblemente su comarca. Han transcurrido siglos desde aquellos sucesos y aún hoy son fuente de inspiración para crear y narrar historias fantásticas, y por supuesto que cada quien elige contarlas a su manera: algunos prefieren decantarse por el lado puramente bélico de los acontecimientos y renegar de los intrusos al sonoro rugir del cañón. Otros se inclinan por el romanticismo subyacente a la epopeya, por rescatar los triunfos de la gesta heroica y pregonarlos con la certeza de quien conoce las bondades de la pluriculturalidad, aunque sin pasar por alto los derramamientos de sangre. Hay quien decide tomar los eventos del pasado y sublimarlos en fortalezas.

Fortaleza es, justamente, el nombre de una agrupación veracruzana que desde 2003 se embarcaron en la misión de dar voz a los rumores que inundan la Villa Rica. Su vehículo: el metal melódico. Es fácil dejarse llevar por la tentación de subir a Fortaleza al navío del metal gótico, pues como muchas bandas del género, también cuentan con una vocalista femenina e incluyen en su música instrumentos clásicos. Pero basta aguzar el oído para notar de inmediato que Fortaleza navega por océanos más extensos: oleadas de power metal, marejadas de heavy o arrecifes de neoclasicismo se suman a las influencias oscuras, y juntos conforman melodías que comparten con la mar ese vaivén que puede mecernos con armonía o desatar su fuerza majestuosa. No es sencillo discernir en dónde radica el sello distintivo de la banda: acaso sea el violín que otorga matices bien diferenciados; o sus letras que lidian con los tópicos mencionados en el primer párrafo y que se nutren de leyendas coloniales, batallas épicas, literatura, romanticismo y armonía con la naturaleza; o quizá la voz viva que ha relatado la aventura en sus tres discos de estudio a la fecha: dulce, aunque con ímpetu suficiente; de tendencias operísticas, aunque prudente; poderosa, aunque circunspecta. O acaso de trate de un todo que es mucho más que la llana suma de sus partes.

Primero llegó "La fortaleza de la soledad" en 2008: un álbum corto, de solo siete canciones. Se trataba de una pequeña muestra, pero había temas interesantes de analizar. Aunque una primera escucha del disco ofrece elementos ya presentes en muchas otras bandas con tendencias épicas (caballeros, espadas, armaduras), el detalle que permite adivinar una diferencia respecto a otras agrupaciones lo aporta el track 6: una canción titulada "Cerca de la media noche" cuya letra se basa en la leyenda del Callejón de Líbranos Señor. También encontramos referencias literarias en "Fausto", tema alusivo a la obra homónima de Goethe. La voz de Helena, la cantante, parece frágil cuando debe parecerlo, pero cobra una fuerza desafiante en piezas más veloces como "Caballero de honor". Repito: se trata de un disco de corta duración pero sin duda alguna es un debut interesante de escuchar.

Apenas un año después, el crecimiento de la banda ya se podía notar. Las intenciones de Fortaleza eran serias y su trabajo mostraba cualidades para sostenerse por su propio pie en una escena donde a veces todo parece sonar igual. "Una luz entre las sombras" llegó a las tiendas en 2009 envuelto en un cuidadoso formato slip-case: el arte del disco fue creado por la misma Helena y daba cuenta de un muy buen gusto estético. Pero lo mejor es que dicho álbum también es un deleite en lo musical: el camino iniciado por su obra anterior se robustece aquí con arreglos más inspirados y una sensatez inusual para una banda tan joven. La energía de las guitarras está ahí, pero no teme compartir terreno con los teclados y el violín, que acompañan a todas las canciones del disco. Las letras mantienen una ligera aura poético-romántica, y esta vez además de añadir contenidos relativos a la naturaleza, también revelan el interés de la agrupación por las más diversas manifestaciones culturales: se incluye un cover a un tema del espectáculo "Quidam" del Cirque du Soleil ("Seisouso", del compositor canadiense Benoit Jutras) y otro a "Dime jaguar", del singular Saúl Hernández (lo cual no debe ser una mera cuestión de gustos musicales, pues recordemos que el jaguar era uno de los principales animales sagrados de los olmecas, cultura que junto a los totonacas y huastecos se asentó en la región de lo que hoy es Veracruz). Por supuesto, también se continúa con las leyendas, esta vez representadas en "La mulata" (con el piano y el violín en total armonía) y "La leyenda del Tajín", esta última inspirada en un mito totonaca.

Y como parece que esta banda no se cansa de trabajar, en 2010 vuelven a hacerse presentes con su obra más ambiciosa a la fecha: el sensacional "El ojo de la tormenta". Y es que el disco en cuestión suena precisamente a eso: a una concentración de fuerzas reunidas en un mismo punto, que van desplazándose hacia diversas latitudes, arrastrando hacia su borrasca a quien lo escuche. Un solo violín no fue suficiente esta vez, así que para representar a la tempestad el grupo se hace acompañar en este trabajo por una sección de cuerdas, además de dos sopranos y un tenor. Aquí encontramos algunos de los temas más agresivos de Fortaleza ("El eco del miedo", por ejemplo), pero también hallamos finos experimentos como la reinvención que hacen al son de "La bruja", y la fascinante canción que construyen a partir de dicha pieza y que lleva por título "La condesa": una joya de más de seis minutos que constituye una auténtica apropiación del metal integrado con las raíces musicales jarochas. Es cierto que otras bandas de metal en México y latinoamérica han experimentado antes con sonidos "autóctonos", pero la mayoría de las veces se trata de percusiones e instrumentos de viento acompañando a sonidos más extremos; y lo que Fortaleza hace es tomar un requinto y una jarana, y a partir de los patrones tradicionales del son jarocho, elaborar una canción de metal, que por si fuera poco, incluye en su letra guiños a Jaime Sabines y Pablo Neruda. Sin temor a equivocarme diría que "La condesa" es lo más cerca que ha estado el metal mexicano (al menos en su vertiente más melódica) de tener una verdadera identidad propia (Anabantha lo intentó en su reciente "Hermanos de sangre: el ritual", pero sin alcanzar los niveles de elegancia logrados por Fortaleza). Y para coronar el número, un bello videoclip con una coreografía exquisita. Pero no piense el lector que este es el único momento interesante de "El ojo de la tormenta", pues como ya se comentó, se trata de su álbum más logrado: Helena luce como nunca, con mayores matices en su voz que acompañan a la perfección la idea de estar dentro de una tempestad que varía su magnitud hasta amainar pacíficamente en la última canción del CD: una luminosa balada titulada "Un nuevo camino".

Y como si se tratara de una profecía desdendiente de la mitología olmeca, las últimas líneas de la última canción de este tercer álbum marcan hoy el fin de una etapa en Fortaleza. En el tema mencionado Helena sentencia: "y con esta canción hoy me estoy despidiendo", y casualmente así fue. El pasado julio se hizo el anuncio oficial: la joven cantante deja de ser parte de Fortaleza. Evidentemente las reacciones no se han hecho esperar, y se han intensificado a partir de un segundo comunicado en donde la banda presenta a su nueva vocalista, Ariana. Por supuesto que no ha faltado quien quiera hacer de esto una versión mexicana del affaire Nightwish-Tarja-Anette, y aunque este humilde apicultor opina que tal comparación está completamente fuera de lugar, lo que sí es un hecho es que muchos extrañaremos a Helena. No obstante, juzgar sin saber no es una de mis costumbres personales así que por ahora creo que la paciencia es una virtud que deberíamos considerar los seguidores de la banda. Por mi parte, me encuentro ansioso por escuchar a la nueva cantante y por ver cual será el próximo paso que dará la Fortaleza, pues si algo nos han demostrado a lo largo de su historia es que se trata de un ente en constante evolución. Ya el tiempo saciará nuestra curiosidad. De Helena nos queda un hermoso testimonio registrado en tres discos maravillosos, y seguramente Ariana está por escribir sus propias páginas en el siguiente capítulo de la banda. Sea pues bienvenida.

Ahora, a esperar...

LOVER OF SIN: "Christian Death presents Lover of Sin" (2003)

2011-08-19T10:31:00.000-07:00

Tener una muerte cristiana. Resucitar al tercer día: más fuerte, más hereje, más apóstata. Burlar el sepulcro y robar la muerte a los muertos. Abandonar la tumba. El cuerpo desnudo y lacerado por la tierra. Plastas de lodo en las heridas. Los senos fríos, los pezones erectos, las llagas sangrantes. Heladas. El hedor a cadáver. Gritar la muerte. Gritar en negro y gritar en sepia.

Ser hembra maldita. Ser letanía de blasfemias, rosario de injurias: Catedral de la fornicación (ruega por nosotros). Amparo de los impíos (ruega por nosotros). Consorte de los heréticos (ruega por nosotros). Altar del iconoclasta (ruega por nosotros)... Amar el pecado. Extrañarlo: los muertos no pecan. Hundir tu carroña en el calor del primer anónimo que se deje seducir. Lamerlo. Montarlo. Poseerlo. Arrebatar su alma. Gritar el orgasmo. Gritar en negro y gritar en rojo.

Ser del diablo. Ser el diablo. El diablo con clítoris. Castrar a los herejes. Dominar desde abajo. Ganar una batalla. Ganar muchas batallas. Humillar al enemigo. Henchirte de soberbia. Arrogancia. Gritar el infierno. Gritar en negro y gritar en violeta. Arañar el cielo. Rasgarlo. Destrozarlo. Arrancar las estrellas y masturbarte: sangrar. Separar las piernas: parir. Parir entre sonidos cavernosos, crepitantes, agudos. Parir entre orquestaciones luctuosas. Tétricas. Parir entre recitaciones de magia negra y oraciones a la inversa. Gritar el parto y gritar el ritual.

Ser devorada. Darte a la criatura que pudrió tu vientre. Volver a morir: una muerte no cristiana. Una muerte con nombre propio, historia propia, sonido propio. Un tormento privado: penitencia eterna. Volver a la penumbra. Gritar el retorno en rojo y en violeta, y después volver al negro, volver al sepia. Descomponerte en trozos y descomponerte en pellejos. Erosionar la tierra. Hacerlo todo por tus propios méritos, y al final, aparecer tu nombre en trazos apenas legibles sobre una lápida raída: Maitri.

(Web oficial de Lover of Sin, proyecto paralelo de Maitri, bajista de Christian Death: http://www.loverofsin.com/. Blackened dark metal para conciencias perversas).
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MENUDA COINCIDENCIA: "Ai con permisito" (2008)

2011-08-02T10:38:00.000-07:00

Confieso que no soy seguidor del rap. Y este es un disco de rap. Pero hay aquí algo diferente que hace que valga la pena curiosear dentro de sus sonoridades. Para empezar, Miguel Soto no es un vocalista (o MC, como se les llama dentro de la cultura hip-hop) común y corriente: su trabajo vocal le debe mucho al spoken word pero también a esa palabrita conocida como "rap", cuyo sentido original era sinónimo de "decir" o "conversar"... y Miguel efectivamente conversa con sus escuchas. Su fraseo no tiene nada qué ver con el de los raperos estadounidenses, se trata más bien de una especie de declamación golpeada y veloz, rimas fluidas, dicción perfecta y un acento similar al del sureste mexicano (en algunos temas casi parece que va a completar su discurso intercalando la palabra "¡bomba!"), aún a pesar de tratarse de una agrupación originaria de Monterrey: esos son los ingredientes que hacen de Miguel Soto un caso particularmente llamativo dentro de este género musical. Mencionaba hace unos renglones que el estilo de Menuda Coincidencia se asemeja a una conversación, y es que durante el transcurso del disco acudimos a una serie de estampas urbanas narradas con tal familiareidad que parece que lo que escuchamos es una plática del vecino, sea que esté contando la historia de un día de esos en los que todo sale mal, criticando al sistema de tarjetas de crédito y la sociedad de consumo, o quejándose de las peripecias que tuvo qué pasar para componer una canción. ¿Minificciones? ¿Minirealidades? ¿Protorealismomágicoconsonidosdeclaxonytexturadebanqueta? Llámelo como quiera, pero disfrute del alegato.

Reitero que no soy seguidor del rap. Y este es un disco de rap. Pero hay aquí algo diferente que hace que valga la pena curiosear dentro de sus sonoridades. Y es que además de la singularidad de sus rimas, Menuda Coincidencia tiene en Guillermo Soto a un DJ interesado en algo más que solo crear beats gratuitos. La música de este dueto se forma con sampleos a viejas melodías de jazz que suenan al periodo de los años '20 a los '50. Es como si los espíritus de Louis Armstrong, Duke Ellington y Dizzy Gillespie fueran invocados con el poder de una tornamesa y remezclados con vivaces scratches que marcan el cambio del swing al bebop en un desenfreno de irreverencia que probablemente resulte ofensivo para los puristas del jazz, pero no para el resto de nosotros, pues quien esté dispuesto a buscarlo, puede encontrar en "Ai con permisito" (desde el título se asoma ese rico argot mexicano) un rap que logra ser entretenido, curioso y además inteligente.

Es una lástima que este disco tenga una duración tan corta (ocho canciones en apenas 29 minutos), pero por otra parte es de agradecerse que su distribución (en formato mp3) sea legal y gratuita desde su sitio web (http://tres-g.blogspot.com/2009/03/menuda-coincidencia.html). Este humilde apicultor sugeriría que, en lugar de estar matando el tiempo en un día de esos, se apresure el amable lector a descargar este disquito. Recuerde, es sin enganche y puede cambiar sus perspectivas del hip-hop. Es cierto que si usted corre y escucha este verso sin esfuerzo estará en riesgo de que se le zafe la tuerca, pero una vez que lo disfrute me dará ampliamente la razón: aquí sí hay. Menuda Coincidencia está en la casa, y no contaban con su astucia...

BRENDA KAHN: "Outside the beauty salon" (1997)

2011-07-21T08:36:00.000-07:00

Una historia con sabor amargo. El final: tú, mujer sola conduciendo un viejo auto a toda velocidad, por una larga carretera que atraviesa paisajes desérticos. La refracción del sol crea falsos efectos de agua sobre el asfalto caliente. Moteles, restaurantes y gasolineras pasan a tu lado; parece que viajan en dirección opuesta a tu camino. Del estéreo de tu coche salen unas frágiles notas de guitarra y una voz agrietada: es Brenda Kahn, que canta el himno de tu cuento acibarado. Lloras. Te deleitas en tu sufrir. Haces un alto al lado del camino, frente a una sucia cafetería, y subes el volumen para escuchar con detenimiento.

Brenda Kahn es una cantante norteamericana con una magnífica habilidad para crear letras poéticas sobre historias comunes de gente común. "Outside the beauty salon" es su cuarto trabajo discográfico: un acervo de melodías folk que se pasean despreocupadas por la memoria de quien las escucha, invocando a su paso hatajos de recuerdos, la mayoría de ellos probablemente tristes. Una guitarra acústica es el pretexto perfecto para contar esos cientos de relatos invisibles que pueblan la vida diaria de las ciudades. La música de Brenda es como una vieja foto en sepia que está esperando a que alguien la vea para cobrar vida a través de todas las anécdotas asociadas a ella, anécdotas resucitadas por solos de guitarras eléctricas pegajosas, calurosas, polvorientas. La voz de nuestra historiadora no es la de una virtuosa del canto, y qué bueno, porque en su aparente rusticidad guarda las evocaciones de cuanto personaje haya qué recrear: trátese de una Alice cualquiera que se quiebra cuando cae, de una Heather cualquiera que sirve desagradables pasteles de lima, o de una Jane cualquiera que vive como una exiliada. La voz de Brenda es la voz de las mujeres en un amplio espectro de situaciones: la trabajadora, la independiente, la divertida, la triste, la violentada, la abandonada... pero todas ellas con un denominador común: se trata de mujeres que sienten, y ese sentir vibra y retumba en la garganta de la Kahn, garganta que definitivamente no habla desde una burbujita de cristal.

"Outside the beauty salon" es un disco brumoso poblado de almas solitarias pero apasionadas, que en su tránsito por la vida les ha tocado ser protagonistas de la brutalidad y la belleza al mismo tiempo; un disco que nos trae la visita de mensajeros de Dios en pleno acto de contrición, en las formas y lugares más inesperados. Tú, mujer sola, te encuentras a mitad de estas cavilaciones y descubres que has dejado de llorar. Echas un vistazo desde tu auto hacia el interior de la cafetería y observas a una joven mesera que recoge platos con expresión de hastío. Decides que tus canciones favoritas del "Outside the beauty salon" son "Heather", "Guillotine", "Alice" y "Wedding ring". Enciendes el motor y reemprendes el camino: aún vienen muchos kilómetros por delante...

PUTILATEX: "Domund" (2008)

2011-07-17T11:42:00.000-07:00

Algunas bandas son lo suficientemente blasfemas para compartir una línea de coca con la mismísima Virgen María. Algunas bandas son lo suficientemente onanistas para entregarse con pasión al fino arte del automanoseo. Algunas bandas son lo suficientemente despreocupadas para pasar el verano en fiestas con travestis cubanos. Algunas bandas son lo suficientemente oscuras para abrir la tumba del amante. Algunas bandas son lo suficientemente punks para declarar que el pop nos va a volver a todos unas zorras. Algunas bandas son lo suficientemente depravadas para meternos sus canciones duras, de un solo golpe y sin lubricante. ¿Sexo, drogas y rock´n roll? Ya no más. El electroclash es lo de hoy: música para una generación sintética que ha llevado al extremo cada uno de estos perniciosos (¿deliciosos?) preceptos. El sexo elevado al límite de lo perverso: parafilias a manos llenas para travestidos, monjas, cerdas y viudas. Las drogas han dejado de servir como agencia de viajes en technicolor sobre arcoiris y campos floridos: ahora electrizan a la velocidad de la luz y se hablan de tú con los santos; se consumen en cantidades industriales porque hay ansia de sensaciones que devuelvan la endeble certeza de que se está vivo. Y los beats masturban a las guitarras, promiscuas ninfómanas que fornican con el pop abiertas de piernas en el urinario. Y las voces jadean, gimen, gritan a dúo: se revuelcan, se tocan, se cogen.

¿Creía usted, amable lector, que lo había escuchado todo? Putilatex viene a reírse en su cara. ¿Creía usted, amable lector, que el sexo no se practicaba con el sentido del oído? Putilatex viene a reírse en su cara. ¿Creía usted, amable lector, que había escuchado suficientes perversiones en el mundo de la música? Putilatex viene a reírse en su cara. Tan repulsivas como enervantes, sus letras escurren sicalípticas al tiempo que cabalgan sobre ritmos ortopédicos que nunca utilizan condón. Y los convidantes al bacanal bailan como posesos: desenfrenados, consumidos, entregados. Placer postizo para urgencias artificiales ¿y qué? Glorias más grandes han caído.

Algunas bandas son lo suficientemente depravadas para meternos sus canciones duras, erectas, calientes, de un solo golpe y sin lubricante. En definitiva, Putilatex no es un grupo para todos los gustos, y es más: puede que repugne más de lo que agrade; pero tampoco parece ser una banda creada para agradar a las masas. Putilatex solo es lo que es: pornoclash para violar los oídos mientras esperamos la gloriosa llegada del Domingo Mundial. Garantizado.

(Web: http://www.myspace.com/putilatexoficial)

JOSH'S BLAIR WITCH MIX: The Blair Witch Project Original Soundtrack (1999)

2011-07-05T07:45:00.000-07:00

"El proyecto de la Bruja de Blair": o la amas o la odias. Yo estoy entre los primeros. Hace ya más de diez años desde que aquel fenómeno mediático-cinematográfico-mercadológico se extendió por todo el mundo provocando terror y decepción por igual, y aunque este no es el sitio para discutir sobre la validez de un proyecto como aquel, es divertido recordar la fenomenología que desató con su mezcla de leyenda popular y campaña de mercadeo. Pero lo que aquí realmente me ocupa el día de hoy es su banda sonora (¿se le puede llamar así a una colección de canciones de las cuales ninguna aprece en la película?): un estupendo compilado de temas que emergen de lo más profundo del bosque directo a nuestros oídos.
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Es importante mencionar el detalle que tuvieron en su momento los responsables de la película por cuidar que su soundtrack fuera acorde al mito planteado en ella, y es que el álbum "Josh´s Blair Witch mix" se lanza con el pretexto de ser una más de las "evidencias" encontradas en el lugar en que "desaparecieron" los protagonistas de la cinta. Para seguir con el cuento, se supone que la selección de canciones de este CD es exactamente la misma que se encontró en un casete en el coche de Josh, y que posteriormente se decidió mostrar al público de la misma manera en que se nos mostró el metraje grabado. Hoy por hoy todos sabemos la verdadera historia detrás de la Bruja de Blair, pero a mí aún me parece encantador jugar a la veracidad del mito, banda sonora incluída. Quizá por eso hay un pequeño detalle que me parece imperdonable en esta selección: si se supone que los tres jóvenes desaparecieron en Octubre de 1994, no entiendo por qué demonios se incluyen en el CD cuatro canciones posteriores a esa fecha. Pero en fin... supongo que esa nimiedad solo incomodará a los muy asiduos a la leyenda. El resto puede disfrutar de una exquisita selección musical que platicaremos a continuación.
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Como ya es costumbre en muchas bandas sonoras, ésta también abre con un diálogo de la película: en este caso se trata de Heather Donahue hablando sobre la maldición que ronda el poblado de Burkittsville. Enseguida aparecen los primeros y atinados acordes de "Gloomy sunday" en la versión de la fantasmagórica Lydia Lunch. Excelente canción para abrir un soundtrack de película de terror, pues sus vibraciones ominosas bastan para poner nervioso a cualquiera que la escuche en la más profunda oscuridad. Luego viene Public Image Ltd. con "The order of death": un aquelarre de ecos electro-ochenteros con repeticiones mántricas que pueden llegar a exasperar tanto como una noche perdido en el bosque. No se trata de una mala canción, pero tuvo la desventura de haber quedado entre dos gigantes: la ya mencionada "Gloomy sunday" y la posterior "Draining faces", de los monstruos industriales Skinny Puppy: un exceso de sonidos angustiantes y espesos que traduce en música la desesperación que nuestros tres protagonistas sufrieron en la película. Luego, los míticos Bauhaus advierten: "Kingdom's coming".
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Una siguiente etapa del disco inicia con otra voz espectral: Siouxsie Sioux acompañada de The Creatures encarnan el misterio en "Don't go to sleep without me", para enseguida abrir paso a la violencia electro-gótica-industrial de Laibach y su electrizante "God is God". Gritos, locura y angustia dan la bienvenida a los Afghan Whigs y su sabia recomendación: beware of who you listen to, beware of what you believe... sobre todo si te encuentras a mitad de la noche en un bosque maldito. Front Line Assembly retoman el aura electronebulosa con "Laughing pain": un tema cruel elaborado con beats amenazantes como el crujir de árboles viejos y el respirar de animales nocturnos.
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La tercera y última parte del disco la inaugura Type O Negative con "Haunted", una épica lamentación que silba tenebrosa como el viento silvestre y que hiela los huesos como la lluvia nocturna. Meat Beat Manifesto prolonga esa sensación con la demencia sobrecogedora de "She's unreal", y Tones on Tail se burla del (a estas alturas ya asustado) oyente con su davidlynchesca "Movement of fear": arrogante como la sensación de control sobre una víctima indefensa y confundida. Nuevamente la temblorosa voz de Heather Donahue encarna el miedo, y el claustrofóbico chirrido de "The cellar" de Antonio Cora (no es precisamente música) cierra el disco justo como debe cerrar una película de terror: provocando inquietud, intranquilidad, estremecimiento.
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En opinión de este humilde apicultor, pocas veces una banda sonora refleja fielmente la esencia de la cinta que sirvió de pretexto para su lanzamiento. Y aunque la esencia de "El proyecto de la Bruja de Blair" aún sigue siendo objeto de fuertes cuestionamientos (en el mejor de los casos, porque a muchos ya hasta se les olvidó que existe), vale la pena echar una oreja a la música contenida en este disco: melodías pesadillezcas para noches de terror. No olvide llevar este álbum en su próxima expedición al bosque.
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SNOOK: "Blessed with Rock´n´Roll" (2007)

2011-06-10T15:39:00.000-07:00

Lo escuchamos, lo vemos, lo leemos, lo gozamos, lo sufrimos, lo vivimos, lo morimos, lo bailamos, lo bebemos, lo sangramos, lo adoramos... es parte de nuestra vida diaria y parece que a veces se nos olvida agradecer el privilegio de haber sido bendecidos con el rock´n´roll. Por eso esta pandilla de suecos decidieron rendir tributo al ritmo más vivo del planeta hoy por hoy. ¿El subgénero? Es lo de menos, carajo... aquí están las raíces que han hecho del rock un ente tan alabado y tan complejo. A veces suena a punk, a veces suena a metal, a veces suena a blues y a veces suena a country, pero el hilo conductor es el mismo que llleva el rock en su esencia: una rebeldía que paradójicamente hoy es inusitada en la mayoría de las bandas que se ostentan como ejecutantes del género.
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Snook lleva en la sangre la herencia de décadas pasadas, y su propuesta es la de unos perros rabiosos que muerden justo en el punto donde se encuentra la pesadez del metal con la rítmica del rock clásico. "Blessed with rock'n'roll" es un disco para escucharse alrededor de una fogata, en una noche oscura, con una buena dotación de cervezas (y mucho Jack Daniels), rodeado de una pandilla de motoristas enfundados en chaquetas de cuero negro y lentes oscuros. Es un disco indómito con espíritu setentero-ochentero. También es un disco cargado de testosterona y energía sexual, pero es, ante todo, un disco divertido que glorifica los tiempos en los que el rock era un estilo de vida.
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Por supuesto, el sonido de estos tipos de ninguna manera podría clasificarse de innovador u original, y a decir verdad, es imposible no pensar en Motörhead cuando uno les escucha por vez primera (aunque esto no es necesariamente malo, pues lejos de ser una mala copia me atrevería a pensar que el mismo Lemmy Kilmister estaría orgulloso de ellos), pero a quién demonios le importa cuando lo que tenemos son cuarenta minutos de buena música carente de pretensiones. ¿Temas recomendados? Es difícil... a mí me fascina la divertidísima "Rock 'ö' Mobile", la amenazante "Pay back blues" y hasta la machista "Heavy metal pussy". Pero lo mejor es que el lector juzgue por sí mismo, pues como algunos otros de los discos que aquí aparecen reseñados, este también está disponible para su descarga legal, gratuita y autorizada por la banda en el siguiente enlace: http://www.jamendo.com/es/album/27042.

Y que el rock'n'roll los bendiga y los acompañe siempre. Podéis ir en paz...

BLACK PALACE: Demo 2011

2011-05-08T10:22:00.000-07:00

Kids sure like the devil these days & I´m the devil with the black dress on
-Jack off Jill

El diablo tiene rostro de mujer y vive en un palacio negro. El diablo toca black metal a la antigua usanza. Y aunque la canción que sirve como epígrafe a este pequeño texto no tiene NADA qué ver con el black metal, me parece una introducción adecuada para presentar a Black Palace. He de decir que por lo menos un par de veces ya había tenido yo la fortuna de arder entre las llamas del infierno sonoro que estas chicas desatan con sus presentaciones en vivo, pero no fue sino hasta ayer que por fin pude hacerme con una copia de su primer demo, solo para constatar lo que ya me había quedado claro desde aquella primera vez que las escuché en directo: que las Black Palace rompen madres. Este endemoniado quinteto viene estrenando una nueva y flamante alineación con la que prometen seguir detonando sus imprecaciones donde quiera que se presenten, y aunque admito que mi debilidad por las bandas femeninas de metal extremo quizá esté cegando mi opinión, después de escuchar su demo puedo decir bien alto que Black Palace son hoy por hoy una de las mayores promesas del subterráneo mexicano.

En la más pura tradición underground, recientemente la banda lanzó este su primer material discográfico (en formato CD-R) que consta de cuatro veloces temas en donde se dan cita la destrucción, la muerte y el caos: un verdadero descenso sadomasoquista al tártaro. Doce minutos les bastan a estas inicuas féminas para dar cátedra de lo que es tocar black metal con pasión y furia. Bien lo sentencian ellas en una de sus piezas más emblemáticas: apocalipsis es su nombre, el nombre de una legión de mortíferas diablesas que laceran impetuosas a cuanto ser humano se cruce en su abismo de perniciosa e infame oscuridad.

Atención seguidores del metal extremo más pantanoso: el demo de Black Palace es una edición limitada a 100 copias, una gema de negro fulgor que bien podría ir en camino directo rumbo al culto. Las puertas del palacio negro están abiertas, pero aquí no hay lujo ni opulencia: se trata de un reino de inmundicia, de podredumbre y destrucción con sabor a sangre; de necrofílica lascivia que se desborda en calamitosos aullidos y patibularios ecos de misantropía. ¿Que si estamos invitados? No lo creo. La postura de Black Palace al respecto es tajante: Fuck you all. El que quiera atreverse a pesar de la advertencia, ya sabe a qué atenerse...

(Web: http://www.myspace.com/blackpalace666)

BLACK FUNERAL: "Vukolak" (2010)

2011-04-30T07:58:00.000-07:00

"Black Funeral plays wamphyric black metal khaos exclusively", blasfema una leyenda impresa en la contraportada de este disco. Y no, querido lector, por si lo está usted imaginando (como yo mismo lo hice en su momento) aquí no hay ni el más mínimo rastro de, digamos, unos viejos Theatres des Vampires o un "The principle of evil made flesh". No. En este disco infernal no hay sitio para la melodía, y es que lo que "Vukolak" ofrece es un black metal ocultista, demoniaco, muy sucio y extremadamente violento. "Raw" sería una buena palabra para describirlo, aunque cabe aclarar que el buen blacker reconocerá de inmediato la vena americana en este caos sonoro. Black Funeral toma distancia del sonido de la vieja escuela noruega y vomita su blasfemo ruido a la manera de unos Judas Iscariot, solo que diezmil veces más cochinos, más veloces y con una de esas producciones pensadas para ser reconocidas como "trve", es decir, lo suficientemente mal hecha como para que suene a underground (o de perdida a demo tape) pero lo suficientemente cuidada para que el metalero habitual no apague su estéreo a los pocos minutos desconcertado por tanto pinche ruido.
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¿Pero qué encontramos, a fin de cuentas, en "Vukolak"? Bien, se trata de doce sacrílegas cancioncitas (cuyo contenido letrístico se basa en los ritos de la Black Order of the Dragon) que no están nada mal, invocadas todas ellas por el luciferino de tiempo completo Akhtya Nachttoter (Michael W. Ford para los cuates) en el colmo del éxtasis maligno. Ocho de los tracks son puro caos machacante del averno, y los cuatro restantes, deformidades ritualísticas ambientales descompuestas con teclados poseídos y huesos humanos reales: hay que hacerlo bien extremo para que parezca más "trve kvlt".
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Como dato curioso, me llamó la atención que en las notas del cuadernillo la banda otorga su permiso al gobierno de los Estados Unidos para utilizar su música como arma en las llamadas sesiones de tortura sin contacto ("no touch torture"), e incluso ofrece sus servicios como creadores de piezas originales para ser destinadas a tales fines. Ternurita. También se incluyen las letras de todos sus temas para que el amable escucha pueda desgañitarse a todo pulmón en sus sesiones domésticas de magia negra y licantropía sonora, o bien, para practicar su propio wamphyric black metal ritual desde la comodidad de su habitación. Buen disquito.
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(Nota: Hablando en serio, comparto con ustedes el siguiente enlace a un artículo realmente interesante sobre la música como herramienta de tortura. El asunto es más serio de lo que parece, pero los invito a formarse su propia opinión al respecto: http://www.sibetrans.com/trans/trans10/cusick_cas.htm)

RADAID EN SAN LUIS POTOSÍ

2011-04-27T21:24:00.000-07:00

Miércoles 27 de Abril de 2011, 20:00 hrs.
Museo Francisco Cossío, San Luis Potosí

¿Un museo es un sitio extraño para recibir a una banda como Radaid? Habrá quien diga que sí, habrá quien diga que no, pero por lo menos la señorita que nos dio la bienvenida al Museo Francisco Cossío parecía pensar que sí, porque desde que tomó el micrófono se le notaba nerviosa, probablemente por encontrarse ante un público decididamente heterogéneo aunque mayoritariamente joven que aclamaba con silbidos, gritos y aplausos la presencia de la banda.
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La siguiente pregunta es: ¿Radaid es un grupo extraño? Puede ser. Al menos en el sentido de que convoca a públicos muy amplios, tal y como pudimos atestiguarlo en esta su primera presentación en tierras potosinas: neohippies, darks, intelectuales, esnobs, niños, jóvenes, adultos, despistados y público en general nos dimos cita para disfrutar de un concierto verdaderamente fenomenal en donde las etiquetas eran lo de menos y la palabra "fusión" cobró un nuevo significado. Apenas unos minutos pasadas las ocho de la noche, la agrupación jaliciense salió a escena y el estruendo no se hizo esperar.
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Abrieron de modo más que acertado con la misteriosa "Shine", cuyo riff principal mantuvo en movimiento las cabezas de la mayor parte del público. Las voces de Sofía y Mary aleteaban en el aire como dos mariposas que revolotean sobre algún campo florido. Los aplausos no tardaron en aumentar y el orden casi compulsivo en que estaban acomodadas las sillas no tardó en romperse, sobre todo cuando Saúl, el guitarrista, nos invitó a acercarnos lo más que pudiéramos. La banda parecía dispuesta a hacer de aquel concierto una experiencia íntima, cercana y carente de barreras artificiales. Las canciones volaban una tras otra al tiempo que nos introducían en universos de miles de colores, aromas, formas, sabores: lo mismo visitamos tierras orientales que planetas desconocidos, regiones mexicanas y épocas medievales, parajes desérticos y estampas citadinas. En la actualidad el término "world music" se utiliza de modo genérico para referirnos a todo aquello que suene a folclor o a fusión, pero una vez que se escucha a Radaid, definitivamente uno se ve obligado a revalorar la etiqueta. La música de este ensamble es una real fusión en el más completo sentido del término: rock, electrónica, pop, hiphop, melodías orientales, arábigas, latinoamericanas, célticas, mexicanas, egipcias, hindúes, balcánicas... hay qué escucharlo para creerlo.
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Dado que "L'intent" es el disco más reciente de la agrupación, no fue sorpresa que la mayoría de los temas interpretados fueran precisamente de ese álbum. "Chez-nous" nos hizo bailar con su beat inconfundible y su sensacional solo de violín (a cargo de Emmanuel Macías) al más puro estilo campirano, mientras que "La gran victoria sobre la muerte" se levantó elegante y misteriosa impulsada por sus palpitantes percusiones. La introducción de "China warrior" hubiera puesto roja de envidia a la mismísima Björk, y la enorme "The cravings of the dead" nos erizó la piel con sus cambios de ritmo y su intensidad in crescendo. Por supuesto que también hubo visitas a los discos anteriores, entre las que yo destaco la bellísima relectura que hicieron a "Cuando salga la luna" y ese medievalesco número acústico que fue "La danza de las walquirias", con el que nuestros juglares nos convirtieron a todos en alegres aldeanos danzarines de la Edad Media.
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Luego de poco más de una hora de música, Radaid se despidió del público potosino. Como era de esperarse, hubo encore, solo que éste fue bastante peculiar, pues durante algún momento previo a la "despedida" de la banda y mientras la gente gritaba "otra, otra", Sofía se coló entre el público para sorprendernos con el ritmo de su darbuka acompañada por dos de sus colegas que le hacían segunda en el juego de percusiones. Tras el atinado número, los hijos del sol (significado de la palabra "radaid") volvieron al escenario para cerrar la noche con "La gitana", de su disco homónimo de 2002. Me atrevo a decir que los músicos se fueron satisfechos, pues en más de una ocasión, la propia Sofía confesó su sorpresa al ver que tenían tantos seguidores potosinos que ya conocíamos el trabajo de la agrupación.
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El concierto terminó. Los asistentes empezamos a dispersarnos por los jardines del museo, algunos rumbo a la salida, algunos a encontrarse con sus conocidos y otros rumbo al improvisado stand de venta de discos. Había sido una noche perfecta: la velada había dejado a todos con un excelente sabor de boca y con un espíritu apacible y festivo. Quizá la única que continuaba nerviosa (tal vez las guitarras sonaban demasiado fuerte para ella) era la pobre señorita del museo, quien volvió a acercarse al micrófono para recordarnos amablemente que debíamos salir "en calma y en completo orden". Chale.
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(Web: http://radaid.com.mx/blog/)

SHERELE: Pasión jazzística con pepinillos, chiles y jrein

2011-04-25T12:25:00.000-07:00

Conocí a Sherele en Zacatecas. Fue apenas hace una semana, una fresca noche de abril de 2011; mi acompañante y yo caminábamos de plaza en plaza con un poco de fervor etílico, y alrededor de las diez de la noche llegamos a donde parecía estarse celebrando una especie de fiesta callejera (aunque aclaro que el Festival Cultural de Zacatecas, en cuyo marco nos encontrábamos, siempre es toda una fiesta callejera) de aires bohemios y taberneros. En el escenario se encontraban cuatro músicos, liderados por una afable mujer que besaba con fruición su clarinete. Junto con ella, su séquito ambulante sonaba como una banda de judíos exiliados celebrando con un dejo de nostalgia su pasión por vivir.
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Nos quedamos a escuchar, y conforme transcurría la velada, el espectáculo se asemejaba más y más a una fiesta popular de la Europa del Este en pleno siglo XVIII. Nuestra clarinetista fungía también como maestra de ceremonias y como cuentacuentos entre pieza y pieza, lo que terminaba por redondear esa atmósfera de cuasiteatroambulantejudío. A los alrededores de la plaza, las personas observábamos y escuchábamos con deleite al tiempo que saboreábamos nuestras bebidas. El ambiente era de fiesta y de celebración, aunque no estaba exento de cierta melancolía, de esa que se aferra con todas sus fuerzas a quien intenta matarla con música y alcohol. El arte de Sherele sonaba fuerte y gozoso: los klezmorim habían tomado la Plaza Miguel Auza del Centro Histórico de Zacatecas.
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Sherele Klezmer Jazz Band Innovators son una agrupación afincada en Guadalajara. Sus integrantes provienen de México, Francia y Argentina, y solo una de ellas es de ascendencia judía; sin embargo, esto no es obstáculo para que la banda se dedique a cultivar con júbilo ese estilo musical conocido como klezmer, propio de los pueblos askenazíes. Sin embargo, hay que decir que el estilo de Sherele también abreva bastante del jazz estadounidense y de los ritmos latinoamericanos, lo cual hace de su música una fusión multicultural que solo puede entenderse como un entusiasta canto a la diversidad. Su disco debut, el alborozado "Oy mame shein, pickles, chiles and jrein", es un catálogo de estampas bulliciosas que invitan a danzar y a regocijarse en la dicha de cada momento. Los suspiros del clarinete y las risas del saxofón son acompañadas por el aplauso de la batería, mientras las guitarras acústicas hacen poesía junto con el bajo.
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Esa noche en Zacatecas, Sherele nos arrebató el alma. Nos convidó de su opíparo banquete y nos obsequió una de las experiencias musicales más profundamente conmovedoras que yo haya tenido el placer de atestiguar. Ojalá que en su diáspora este singular cuarteto vuelva a coincidir en mi camino, pues su espectáculo es de los que siempre se antoja revivir; pero si no fuera así, me queda el gozo en la seguridad de saber que Sherele estará en cualquier otra parte del mundo, contagiando a otros tantos aldeanos de su arrobadora fiesta universal. Que así sea.
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(Para más información acerca de la banda y para comprar su material discográfico, dirigirse a su web oficial en: http://www.sherele.com/)

MAÏDI ROTH: "Polaroïd" (2002)

2011-04-22T09:45:00.000-07:00

Algunos de nosotros recordamos a Maïdi Roth como la dulce (y un poco mensa) Jeanne, en el filme "Héroïnes" (Gérard Krawczyk, 1997). Y aunque la banda sonora de aquella película contaba con canciones agradables y melcochosamente efectivas, lo cierto es que dichos temas no reflejaban ni de cerca el modo de hacer canciones de Maïdi Roth, sino el de Jeanne, el personaje. Por eso no está de más hacer una advertencia a quienes se acerquen a "Polaroïd" buscando romanticismo juvenil: ésta es la verdadera cara de la Roth, una mujer fuerte y segura, pero delicada y sensata en su expresión musical.
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El disco abre con una pieza relativamente convencional: "L´art et la manière" puede recordar peligrosamente a la Maïdi de la película mencionada, acaso un poco menos adolescente pero con el mismo nivel de azúcar que puede provocar una seria diabetes en las orejas. Afortunadamente el episodio no se vuelve a repetir en ninguno de los temas restantes, pues a partir de "Sophistiké" el disco comienza a tomar diferentes colores, ora más oscuros, ora más luminosos, pero con la constante de una sofisticación que toma decididamente al pop y lo arrebata de las manos de los jovencitos insulsos para vestirlo con una madurez reflexiva, sensible y crítica.
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Piezas como la ya mencionada "Sophistiké" o la ácida "Guerilla" recuerdan por momentos a la Tori Amos más experimental (cualquiera de las dos canciones se sentiría perfectamente cómoda dentro del "Abnormally attracted to sin"), mientras que "Je me perds a te suivre" juega con la sensualidad del jazz contemporáneo. Hay pasajes en donde las guitarras eléctricas se convierten en aves gigantes cuyo vuelo nos lleva directo al rock alternativo de los noventa, mientras las guitarras acústicas tejen alfombras mágicas para flotar cómodamente y sin prisas. Y al final del paseo, los sintetizadores y las cuerdas cierran el tour con la enigmática "X mille futur et des poussières".
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En resumidas cuentas, "Polaroïd" no es el tipo de disco que ofrezca algo realmente innovador, pero sí que será un deleite para aquellos que disfrutamos con una suave voz arropada por melodías digeribles e inteligentes. El tipo de álbum para esucharse a solas, antes de dormir y con todas las luces apagadas.
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P.J. HARVEY: "Let England Shake" (2011)

2011-04-03T14:44:00.000-07:00

Que Inglaterra se estremezca, y junto con ella el resto del mundo, para escuchar el eco ahogado de los fantasmas de millones caídos en batalla. Que Inglaterra se estremezca, y junto con ella el resto del mundo, para escuchar los bombardeos devastadores que apagan la vida, la luz y la esperanza; que cubren de sangre y hedor a muerte los verdes campos, y que con su estruendo de dolor enchinan la piel del que los oye a lo lejos.

Así es "Let England Shake": una suerte de psicofonía de guerra, en donde los sollozos de miles de almas caídas se filtran a través de la voz de la Harvey, quebrada y vulnerable en medio de apagados acordes de piano, guitarras y saxofones. Melodías que empañan la audición como la niebla que se levanta fría y punzante sobre el campo de batalla. Canciones que bien pudieron haber sido escritas con la sangre de millones de cadáveres anónimos. Elegías que rezuman abatimiento; que suenan agudas y tupidas como una fuerte lluvia en mitad de la noche; que huelen a cenizas, a fuego y a lodo; que gritan como un coro de almas sin descanso y que se elevan como una plegaria sin fe dirigida a un dios del que se sabe de antemano que no la escuchará.

Cuerpos inertes colgando de árboles a mitad de la nada. Rostros sin nombre cubiertos por el fango. Carne humana para alimentar a los buitres. Pilas de cadáveres mutilados que colorean la tierra de rojo al son de las trompetas de la marcha militar. Y en medio del fuego cruzado, una frágil mujer que es portavoz de la hecatombe: sin máscaras, sin eufemismos, sin disimulo, pero con un enorme respeto que asombra por su entereza. "Let England Shake", efectivamente, estremece. Vaya que estremece...

RITA GUERRERO (1964-2011): El ángel que no cree en la muerte ni el final

2011-03-13T11:27:00.000-07:00

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"Lo mortal que soy estremece mi voz / si el puerto es morir, libera mi voz", cantó Rita Guerrero. Y cantando se le fue la vida, estremeciéndonos a muchos con su prodigioso don, embelesando los sentidos y excitando las emociones de quienes nos detuvimos con cautela a escuchar el canto de esta mujer. Sirena polifacética, apasionada del arte, transgresora, innovadora, madre de uno de los proyectos más interesantes de la música contemporánea en México, Rita dejó de existir en nuestra dimensión espacio-temporal desde el pasado 11 de marzo.
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Es difícil poner en palabras todo lo que Rita Guerrero simboliza para mi, sobre todo después de que su música me ha acompañado durante más de la mitad de mi vida. Santa Sabina ha sido desde siempre mi banda preferida, y el Ensamble Galileo significó una revolución en mi modo de percibir la música barroca. Es triste, pero sucesos como este nos hacen pensar en el maravilloso poder de la música como vehículo perfecto para conectar las almas y llegar a niveles de comunión inimaginables entre personas que jamás llegamos a conocer, pero que uno decide adoptar como parte importante de su vida. Y eso solo lo logran quienes se dedican en espíritu y verdadera esencia a hacer lo que más aman. Rita amó la música, de eso no hay duda, y amó la vida. Tantas veces la escuchamos cantarle al misterio de la transición vida-muerte, con la certeza y la vulnerabilidad de quien se sabe mortal, que hoy resulta casi increíble darse cuenta de que su momento de transición finalmente llegó, el momento de abandonar su forma terrenal para transmigrar como ella misma lo anunciaba al cantar: "un ángel dentro de mi, que no cree en la muerte ni el final, su locura lo puede salvar".
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Se fue una de las mejores voces de México, pero nos ha dejado un regalo invaluable plasmado en siete discos de estudio y tres en directo. Vivió sin miedo a la angustia y vivió sin miedo a la locura. Buscó buscando la luz, y desde la esperanza miró al otro lado de la noche. Brincó cada esquina, subió edificios, viajó en puentes caídos. Fue luz descalza, luz devuelta, un golpe de agua, luz del mar. Frente al espejo soltó los caballos de la eternidad.
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Y como el ángel dentro de ella, tampoco nosotros creemos en la muerte de su voz. Hasta siempre, Rita. Gracias por todo.
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XIMENA SARIÑANA: "Mediocre" (2008)

2011-01-23T10:49:00.000-08:00

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Sábado por la noche, estás solo en tu departamento y de pronto suena el teléfono: es ella. Te dice que ya no te ama, que ha encontrado a alguien más y que no trates de buscarla pues hoy mismo se va de la ciudad. Puedes sentir el tormento de sus uñas carmesí hundiéndose en tu pecho hasta clavarse sin misericordia en tu corazón. Coges tu abrigo, enciendes un cigarro y decides salir a caminar por la ciudad para ahogar tu congoja. Entras a un bar, las cortinas de humo apenas hacen posible la visión, y el aroma a vino mezclado con desesperanza inunda empáticamente tus pulmones. Te sientas en la mesa del fondo y en el escenario ves a una jovencita, casi una niña, que con sus canciones pretende ser la encarnación misma de tu amargura, pero no le crees. "¿Qué diablos puede saber ella?", piensas al tiempo que degustas un trago de tinto barato.

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Transcurren los minutos y te das cuenta de que la niña te mira fijamente al cantar. Prestas atención a su voz y algo en ti se estremece mientras las emociones se te amontonan en el pecho. "No es Billie Holiday", te dices con ironía, "pero es evidente que la ha escuchado". Recuerdas tus noches de frenética pasión musicalizadas por Fiona Apple, y tus momentos tiernos, cándidos, iluminados por Corinne Bailey Rae. La niña te sigue observando y entonces te percatas de que no hay nadie más en el bar: solo ella y tú, protagonistas de un concierto íntimo, privado, hecho a la medida de tu descontento. Te dejas acariciar por ese piano aterciopelado y te desesperas al no poder capturar las palabras de tu niña diva, que te rozan y te hieren los labios para después diluirse en el aire como el humo de tu tabaco. Te duele su jazz taciturno, y te seduce la gentileza de su pop.
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Te preguntas quién es esa chica, y por qué se encuentra en este lugar en vez de estar en un antro, bailando junto con otros jóvenes. Decides que ese no es asunto tuyo, así que te levantas de tu asiento y te diriges hacia ella, dispuesto a perderte en su sensualidad, en su calidez, en la flor de su naciente femineidad. La miras a los ojos y puedes atisbar algunos vestigios de inocencia que se niegan a morir. Ella te sonríe, te besa y después se esfuma sin dejar más rastro que otra cicatriz en tu maltrecho corazón. Es la segunda mujer que te abandona en la misma noche. Qué mediocre.
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EIDYLLION: Los andurriales de la surrealista natura musica

2011-01-16T09:04:00.000-08:00

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"Nosce te ipsum", reza una máxima inscrita en el Templo de Apolo. Y pocos se atreven a conocerse a sí mismos, pues hacerlo implica valor y humildad para dejarse devorar por la propia naturaleza. No obstante, existen unos cuantos que han emprendido ese viaje, y cuando el resultado de tal osadía se condensa en arte, lo que podemos esperar es una manifestación estrujante de elaboraciones casi inconscientes, tan puras e impredecibles que pueden llevarnos del más cálido remanso de paz hasta el espasmo más vehemente de horror indescriptible. Cuando te conces a ti mismo eres realmente capaz de nombrar tus emociones con la certeza del que sabe exactamente lo que desea. Por eso Eidyllion ha resuelto llamar a su intrincado estilo "Surrealista natura musica".
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La absurda lógica humana que busca racionalizar todo aquello que escapa a su entendimiento ha convenido en inscribir la música de Eidyllion en los terrenos del metal, pero no hace falta ser muy listo para notar de inmediato que esta etiqueta le queda corta a un animal que abreva insaciable de años y años de historia y manifestaciones culturales. En este universo de palpable surrealismo convergen millones de texturas y múltiples capas de colores, que en el último de los casos derivan en una suerte de bosque musical con propiedades oníricas. Eidyllion es la voz silvestre e indómita de una naturaleza que canta a mitad de la noche como el silbido del viento, que puede ser melodioso pero también turbulento; es música hecha de raíces, ramas y espinas, de sintetizadores que emanan aromas de plantas exóticas y probablemente venenosas, de guitarras veladas que reverberan como las estrellas sobre el lago, de percusiones programadas que a veces crujen como árboles viejos y a veces arrullan como el aleteo de millones de insectos.
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Es quizá toda esa atmósfera carrascosa lo que hace que Eidyllion suenen tan místicos sin la necesidad de recurrir a ambientaciones prefabricadas. Su música es un recorrido de connotaciones casi espirituales (que no religiosas) comparables quizá a una Andréa Nebel pero con un discurso musical más elaborado y también algo más agresivo. Regularmente cuando se habla de música folk, ésta se asocia con la herencia y cultura de una región determinada, pero abordar algo tan complejo conlleva el peligro de que todo quede en una lamentable exhibición de chauvinismo acartonado. El caso de Eidyllion destaca en ese sentido por una sencilla razón que es el amplio bagaje de sus composiciones, pues lejos de centrarse en folklores regionales, el suyo es un arcoiris que admite desde temas tradicionales mexicanos hasta aires medievales o renacentistas, e incluso canciones como "Lunamarga" (de "Amorka", 2005) poseen una estructura fuertemente influenciada por los romances sefaradíes. Por supuesto, todo ello guiado por unas programaciones que están ahí para recordarnos que esto no pretende hacerse pasar por música antigua. Algunos ritmos de batería suenan decididamente ochenteros y hay pasajes colmados de psicodelia; y no sé cómo se las han arreglado para conseguirlo, pero esta mescolanza en todo momento sigue conservando la esencia del metal. Y claro, la consecuencia lógica es un estilo musical inteligente, cosmopolita e irrefutablemente atemporal.
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No se puede hablar de Eidyllion sin detenerse en lo enrevesado de sus letras. Jamás he escuchado a otra banda mexicana que tenga un estilo letrístico similar al de estos juglares: una poesía (en sentido real) barroca que posibilita múltiples lecturas dada su condición embarullada y cuasidadaísta. El idioma elegido es lo de menos: puede ser inglés o español, lo importante es que se trata de composiciones que realmente tienen algo qué decir, que no se limitan en lo polifacético de sus referencias (literarias, filosóficas, mitológicas, bucólicas, oníricas) y que siempre ofrecen un excitante romance con la locura.
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Llevaba ya un buen tiempo queriendo escribir en esta covacha algo sobre Eidyllion (agrupación hermana de Benatnash, por cierto), y el pretexto perfecto para hacerlo fue un correo que recibí de parte de la banda para comunicarme algunas noticias referentes a esta interesante criatura sonora, mismas que comparto a continuación:
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En primer lugar, me da mucho gusto saber que "Amorka" (2005) ha sido considerado por el staff de Ragnarock Radio como uno de los mejores discos de metal mexicano de la década 2000-2010. Para leer la nota y apoyar a Eidyllion votando por dicho CD como favorito, dirigirse a: http://www.ragnarockradio.org/article674.html. ¡Muchas felicidades a la banda!
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En segundo lugar, una excelente noticia para los que no tenemos la discografía completa de Eidyllion. Los discos "Nashgaa" y "Gymnopaidía del Leteo" serán próximamente regrabados, motivo por el cual la banda ha convocado a una votación para elegir los mejores temas de ambos trabajos. Para participar en la selección hay qué visitar http://www.facebook.com/EidyllionMX, o su perfil en myspace: http://www.myspace.com/eidyllion. Y finalmente, una noticia relacionada con este mismo asunto, pues para lograr una mayor participación en el proceso de selección de canciones, la banda ha compartido un par de links en donde están disponibles para escuchar y descargar completo el "Gymnopaidía..." (http://circulo-interno.blogspot.com/2008/05/eidyllion-gymnopaidia-del-leteo.html) y un tema del "Nashgaa" (http://www.audiostreet.net/eidyllion).

La invitación está abierta, y por mi parte, ya espero con ansia esas regrabaciones. Después de todo siempre es un placer recibir nuevas sorpresas de una de las agrupaciones más creativas y verdaderamente artísticas del subterráneo mexicano. ¡Mucha suerte a la banda en esta nueva etapa!

ZYKLON-B: "Blood must be shed" (1995)

2011-01-11T13:56:00.000-08:00

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Zyklon-B es el nombre de un insecticida utilizado como arma química durante el Holocausto, un arma con la que los nazis asesinaron a miles y miles de personas en los campos de exterminio. Zyklon-B fue también el nombre de una bandita anónima de death metal americano que se extinguió hace ya varios años sin pena ni gloria. Y finalmente, Zyklon-B fue el nombre de uno de los proyectos musicales más endemoniados que hayan existido en la historia del black metal: una superbanda conformada en su momento por Aldrahn (Old Man´s Child), Ihsahn (Emperor), Samoth (Gorgoroth, Satyricon) y Frost (1349, Satyricon), provenientes, por supuesto, de tierras noruegas, nacidos en 1995 y desintegrados al poco tiempo. "Blood must be shed" fue su única grabación: un EP con tres temas de culto absoluto. Dicho trabajo fue reeditado años más tarde de su lanzamiento original con una remezcla a modo de bonus track. Y todo aquel que no lo conozca debe creerme: estamos hablando de palabras mayores.
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Con un nombre como el suyo, era de esperarse que de inmediato se asociara a la banda con ideologías políticas o raciales extremas, sin embargo, y entendido desde una perspectiva más amplia y completamente apolítica, el nombre le venía perfecto a un acto que en su corta vida fue la encarnación misma de la misantropía más bárbara sublimada en música. Imagine el lector un taladro cuyo característico sonido se va escuchando cada vez más cerca, hasta casi poder sentirlo zumbar dentro del oído; el murmullo se va haciendo cada vez mayor y más insoportable hasta que deja de ser solo sonido en el momento en que la broca entra en contacto con la piel, destrozándola al tiempo que penetra aguda y dolorosamente por el conducto auditivo. Serían pocos minutos, quizá segundos, los que transcurrirían antes de que llegara la muerte, pero se trataría de un sufrimiento atroz, doloroso y cruento.
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"Blood must be shed" es justamente eso: una experiencia breve pero auténticamente maligna, sádica, que solo puede entenderse cuando se escucha. El primer tema, "Mental orgasm", es una brusca sacudida que el oyente no se espera, y sucede tan rápido que al final uno no sabe ni qué demonios lo golpeó. Enseguida viene "Bloodsoil", con un riff introductorio que apenas comienza se aloja en el cerebro como una mosca que deja su larva. El tema entero es de esos que ya no se escuchan hoy en día. "Warfare" es la orden definitiva de aniquilación contra toda forma de sanidad, y su versión remezclada, "Total warfare", destila tanto odio que destroza los nervios como un estrépito maldito que parece arrancado de las entrañas del mismísimo diablo. Apenas son quince minutos, pero son suficientes para dejar sin aliento y para hacer de este trabajo uno de los secretos mejor guardados en los anales del black metal.
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Probablemente si el disco hubiera tenido otros seis o siete temas estaríamos hablando de un monstruo. Probablemente estaríamos hablando de otro "Transilvanian Hunger". De ese tamaño.
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YAOTL MICTLAN: "Dentro del manto gris de Chaac" (2010)

2011-01-06T14:03:00.000-08:00

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Dentro del manto gris de Chaac se forman nubarrones que riegan con sus lluvias los campos de maíz. Dentro del manto gris de Chaac se guardan secretos solo visibles para quienes habitan los cenotes. Dentro del manto gris de Chaac retumban los truenos y relámpagos que bendicen la tormenta sonora de estos cuatro orgullosos guerreros de herencia maya.
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Yaotl Mictlan no es una banda nueva en el asunto del black metal. Provenientes de la misma sangre que años más tarde daría forma a Xolotl (ver reseña en este mismo blog), esta salvaje horda viene profiriendo sus retiemblos de guerra desde 1999. "Dentro del manto gris de Chaac" es su segunda producción y la primera en contar con el internacional beso de la muerte de Candlelight Records. Comparado con Xolotl, el sonido de los Yaotl es un poco más limpio y melódico, pero sin doblar sus puños en ningún momento, pues habremos de aclarar que el black de estos mexicanos afincados en Utah es inclemente y sanguinario, perfecto para hacer rodar unas cuantas cabezas de hombres blancos.
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Dentro del manto gris de Chaac también encontramos el típico guitarreo "tremolo picking" y unas audaces baterías que saben cuándo es momento de saturar y cuándo es más sabio bajar de intensidad. Los gritos de batalla son rasgados y crudos como lo indica la norma, aunque lo suficientemente bien pronunciados para entender a la perfección las letras de los temas. En pocas palabras: esto es black metal del que conocemos de sobra, con algunas guitarras melódicas y el detalle que aporta el toque "distintivo", aunque no exclusivo: percusiones e instrumentos indígenas que honran el legado mexica y que (como ya lo hemos comprobado antes) suenan estupendamente bien al ser combinados con la ferocidad de unos buenos y veloces riffs.
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Pero existe una particularidad que aporta otro elemento de valor a este trabajo: además de que todas las letras de la banda son cantadas (o gritadas, pues) en español, no se trata de típicas composiciones de primerizos que escriben apoyados por un diccionario de deidades indígenas, sino que todos los textos aquí presentados muestran datos culturales e históricos reales, y han sido revisados cuidadosamente por antropólogos para evitar que se tergiverse el sentido original de las escrituras antiguas. Se trata de traducciones de diversos textos y poemas de filósofos náuatl, lo que garantiza una riqueza letrística de primera categoría.
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En conclusión, "Dentro del manto..." es un disco perfecto para todo aquel que esté buscando un pretexto para reencontrarse con sus raíces, o que desee empezar a introducirse en ideologías ancestrales latinoamericanas, y que además disfrute de los sonidos extremos con buen gusto melódico. Adelante pues, que Huitzilopochtli ha llamado a sus guerreros a iniciar la nueva batalla por la descolonización: ¡muerte al traidor, y muerte al cristo blanco!
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(Web: http://www.myspace.com/yaotlmictlan)
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LUMSK: "Åsmund Frægdagjevar" (2003)

2011-01-03T17:38:00.000-08:00

Hace muchos, muchos años, en un país muy lejano, existió un reino que repentinamente se vio sacudido por un turbulento suceso: la hija del rey había sido secuestrada por gnomos. El rey, desesperado, acudió a su pueblo buscando a aquel que tuviera la suficiente bravura y coraje para traer a la princesa de regreso, bajo la promesa de otorgar la mano de la joven en matrimonio al osado héroe que cumpliera el cometido. El valiente Åsmund Frægdagjevar tomó el reto y se embarcó al temible Reino de los Gnomos a bordo del Ormin Lange; una vez que hubo llegado, comenzó la búsqueda entre pasadizos llenos de serpientes y sangre, y al encontrarse con la bella princesa de cabellos de oro, descubrió que ésta había sido hechizada por la Madre de los Gnomos para hacerla creer que pertenecía a ese oscuro reino. Tras una feroz batalla en la que Åsmund corta a la Madre de los Gnomos por la mitad y destaza a cientos de estas horrendas criaturas, el valiente guerrero consigue liberar a la princesa del hechizo y escapar con ella montando al caballo mágico, quien los lleva junto con su carga de oro y plata de regreso al pacífico reino, trotando por sobre las aguas del mar, como si de tierra se tratase. Y colorín colorado, este cuento se ha acabado.
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Lumsk es una banda noruega que desde 1999 cultiva un estilo de metal-rock con fuertes dosis de folk y elementos progresivos. Para este debut optaron por retomar la vieja leyenda nórdica anteriormente relatada y presentarla a modo de disco conceptual. Se trata de trece piezas de fuerte sonido escandinavo en donde las melodías vikingas comparten terreno con el grito bélico de las guitarras. Lumsk consigue crear una atmósfera de fantasía épica que lleva al oyente a imaginarse contemplando las costas noruegas y sus fiordos, mientras vive junto con los personajes esta legendaria aventura. No importa que a veces casi desaparezca el sonido metal para acercarse más a una especie de rock melódico, pues es precisamente la abundancia de otras armonías lo que hace de este CD una experiencia tan vívida. Los triunfales y orgullosos coros masculinos se aparean con el boscoso canto de las sílfides representado por Vibeke Arntzen, al tiempo que la banda (que con sus siete integrantes mas músicos invitados parece alineación de rock progresivo) eleva sus acordes de aires paganos.
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Es difícil recomendar una canción por sobre las otras, pues aunque cada una tiene la gracia de poder disfrutarse por separado, no hay que olvidar que se trata de una obra conceptual, y realmente vale la pena tomarse el tiempo para disfrutarla completa, pues de ese modo se aprecia mejor cada cambio de ritmo, así como la sucesión de pasajes y entornos musicales diversos. Las transiciones del rock a los ritmos netamente folklóricos son alucinantes, por no hablar de los momentos en que el hammond y el órgano de iglesia toman el rol principal para alzar sus ondas sonoras rebosantes de progresión y psicodelia. Las cuerdas y las flautas también tienen su momento, pero la seducción general del disco es resultado de la amalgama de todos sus ingredientes más que de la intervención de cada uno por separado.
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"Åsmund Frægdagjevar" es el disco que inició la tarea de Lumsk de pregonar la riqueza lírica y cultural de su tierra madre, y bien merece la atención de todo aquel interesado en bandas como Cruachan (que hacen lo propio en su equivalente irlandés) o en el lado folk del rock y el metal. Sobra decir que todas las letras aquí son cantadas en noruego (con una breve explicación en inglés impresa en el cuadernillo) y que el arte del CD va de la mano con la temática general de las canciones, aunque eso sí: pudieron haber elegido a un mejor dibujante, o de perdido una portada más bonita. Pero supongo que eso es lo de menos.
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REFLEXIONES AL SON DE UNA PEQUEÑA PÍLDORA DENTADA (Alanis Morissette: "Jagged little pill acoustic", 2005)

2010-12-30T09:10:00.000-08:00

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Muchos de nosotros crecimos con estas canciones. Canciones que gritaron por nosotros toda la angustia, la amargura y el desencanto que imperaba en la juventud de los años noventa. Estábamos enojados y estábamos confundidos, pero irónicamente también conservábamos ese gusto agrio por vivir las contradicciones de nuestra época y por disfrutar con sarcasmo (y con un poco de histeria, todo sea dicho) hasta la más acerba de las desilusiones. Todo lo que queríamos era una forma para desatar nuestras manos, pero pocos se atrevieron a solicitarla, y peor aún: todavía menos se atrevieron a proponerla.
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Hoy en día el panorama no ha cambiado mucho, simplemente ha cambiado la manera de enfrentarlo. Los jóvenes del nuevo milenio siguen desencantados, siguen siendo blanco de las exigencias absurdas de parte de los padres, los gobiernos, los estereotipos sociales y otras instancias que exigen la perfección como requisito indispensable para pertenecer, ¿a dónde? Muchas veces eso es lo de menos. Y lo peor es que este fenómeno ya no es exclusivo sólo de las generaciones jóvenes, sino que alcanza poco a poco también a la población adulta. Seguimos sintiéndonos borrachos aún estando sobrios. Seguimos siendo malpagados. Seguimos cansados y seguimos trabajando. Seguimos tristes y seguimos enfermos, seguimos con una mano en el bolsillo y al final todo se sigue reduciendo a un "todo va a estar bien". La diferencia con lo que sucedía hace quince años es que hoy nada de lo anterior nos da coraje ni rabia. Hoy hemos decidido, quizá por nuestra propia comodidad, convertirnos en simples espectadores con las emociones anestesiadas. Hoy elegimos vivir así.
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Tal vez por eso mismo yo sigo rendido ante el debut internacional de la canadiense Alanis Morissette, el descarnado "Jagged little pill" de 1995: porque se trata de un retrato generacional por el que (¿afortunada o desafortunadamente?) no pasa el tiempo. Han transcurrido quince años desde su lanzamiento, y la crudeza de sus letras que se sienten tan reales como una bofetada o como una risa burlona, sigue tristemente vigente. Sí es cierto: vivimos y aprendemos, pero parece que lo único que hemos aprendido en los últimos quince años es a seguir viviendo como lo hacíamos hasta entonces. Faltan dos días para que entremos a un nuevo año y me pregunto si tal celebración tiene sentido cuando nuestro progreso social es prácticamente nulo. Nos quejamos del calentamiento global y festejamos la llegada del año nuevo lanzando fuegos artificiales que se traducen en emisiones y emisiones de CO2, sin hablar de las toneladas de basura que esta práctica genera. Jugamos a estar contentos por un día, al fin y al cabo tenemos el resto del año para sublimar nuestras tristezas. Parece que todavía somos como aquella frágil Mary Jane esperando despertar pero sin hacer ningún esfuerzo verdadero por lograrlo.
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Es por todos bien sabido que en el 2005 el álbum "Jagged little pill" fue íntegramente regrabado en versiones acústicas para celebrar su primera década de existencia, y aunque en su momento fueron muchos los que descalificaron este ejercicio, hoy yo no puedo sino aplaudirlo bajo la lógica de lo que aquí he venido comentando. La pequeña píldora dentada del 2005 es justamente un reflejo de cómo las sociedades hemos mutado de inconformes a conformistas. Las canciones son las mismas, pero la manera de interpretarlas no, pues ésta se corresponde fielmente al nuevo milenio. Donde allá había rabia, aquí hay una tristeza apagada que se dice a sí misma "ya ni modo". La Alanis del 95 chillaba todo lo que le molestaba (y nos molestaba) de este mundo, pero quizá era demasiado ingenua al pretender que podría cambiarlo. La Alanis madura se sigue quejando, pero en un lamento privado, introspectivo, en el que los cambios se dirigen a las pequeñas cosas, y las frustraciones derivadas de la putrefacción global se asimilan de una forma menos adolescente.
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¿Y esto es bueno o no lo es? Quién sabe. A lo mejor serán necesarios otros quince años para comprobarlo. Musicalmente es bueno, pues se trata de relecturas a temas por todos conocidos que aportan otro enfoque, uno más congruente con la situación mundial de hoy en día. En lo tocante a sus implicaciones socioculturales no me atrevo a catalogarlo, pues yo mismo como la propia Alanis y como otros tantos de los miles que conocimos y vivimos en carne propia el original "Jagged little pill", he cambiado, y hoy soy parte de esta nueva corriente fenomenológica que nos ha envuelto tan lentamente y con tanta delicadeza que a veces no nos deja ser conscientes de nuestro propio rol en todo este juego. O acaso sea que lo vemos, pero no nos conviene hacerlo consciente. Ya no sé. Pero en lo que obtengo una conclusión verdaderamente útil de todo este asunto, he elegido la versión acústica del "Jagged little pill" como mi perfecta banda sonora para estos últimos días de 2010, y me permito recomendarlo a todo aquel que comparta conmigo algo de lo que aquí me he tomado la licencia de exponer.
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Es como tener diez mil cucharas cuando todo lo que necesitas es un cuchillo. Es irónico, ¿no creen? Feliz año nuevo.
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CINCO DISCOS PARA ARRUINAR LA NAVIDAD (Parte 1)

2010-12-24T18:23:00.000-08:00

Vivo en una ciudad pequeña, y en pleno diciembre eso puede significar un aburrimiento mortal, pues es época en que prácticamente todos los eventos culturales aquí se tornan pintorescamente navideños: las exposiciones de artes plásticas se vuelven exposiciones de nacimientos, las obras de teatro se vuelven pastorelas y aunque sigue habiendo conciertos, todos ellos incluyen piezas como "Jingle bells", "Rodolfo el reno" y demás. ¿Ahora me explico? Y con dos semanas de vacaciones por delante el panorama se antoja escalofriante. Es por eso que como un servicio social a todo aquel querido lector que se halle en situación similar a la de este humilde apicultor, he decidido elaborar una lista de cinco álbumes de géneros variopintos que podrían significar una alternativa útil ante la invasión de duendecillos y santocloses cantando "We wish you a merry christmas".

.Si usted como yo, amable lector, está harto de villancicos, le propongo la siguiente selección musical para despabilarse un poco, aunque esto seguramente implicará ganarse la reprobación de su familia y seres queridos, pues como reza el título de este post, estamos hablando de cinco discos perfectos para echar a perder todo aquello que huela a espíritu navideño. Y sin mayor preámbulo, helos aquí:

.1. BLOOD RED THRONE: "Affiliated with the suffering"
El segundo opus de estos noruegos es una obra despiadada, sangrienta, vomitiva y bruta a más no poder: death metal de la vieja escuela, asqueroso y repulsivo para destrozar los pabellones auditivos con devoto placer. Trece cortes (en la reedición de Karmaggedon) al servicio de la bestia asesina que todos llevamos dentro y que no se sentirá defraudada con linduras como "Mandatory homicide" o "Razor Jack" con su nefasta y corrosiva historia. Aquí no hay lugar ni para un respiro: solo riff tras riff, baterías aplastantes y voces ultraguturales que parecen vomitadas desde el mismísimo infierno.

.2. VOND: "Selvmord"
El macabro debut de este proyecto del singular Mortiis (sí, el mismo que alguna vez militó en las filas de Emperor) no es otra cosa que una exaltación de la tristeza y la más absoluta de las desesperanzas. Una obra desoladora, depresiva y apagada pero a la vez henchida de odio, misantropía y una energía negrísima que invita a la autodestrucción. Darkwave del más denso, repartido en cuatro piezas que asfixian al oyente con sus hondos abismos de sintetizadores ominosos y atmósferas con hedor a muerte y desconsuelo. Además su portada (censurada en su momento) es toda una obra de arte, perversa y magistral.

.3. MÍNUS: "Jesus Christ Bobby"
Aunque este disco no tiene absolutamente nada de violento en su fondo (ni en concepto, ni en letras, ni en ideas, etc.), sí que lo tiene en su forma. Se trata básicamente de hardcore, pero de un hardcore experimental y tremendamente estrepitoso (eso que algunos llaman "noise rock"), con guitarras amontonadas, distorsiones frecuentes, pasajes atiborrados de ruido blanco y una voz que parecen uñas arrastrándose sobre un pizarrón. Estos islandeses se asemejan a una cruza esquizoide entre Dillinger Escape Plan y Sonic Youth: un experimento sonoro solo apto para volúmenes altos y oídos MUY resistentes.

.4. SAEDUS DARKNIGHT: "Empty"
Raw black metal desde Hong Kong. Este trabajo supura una crudeza sonora que se desgarra sádicamente como lo haría la piel de un cuerpo desollado. Los blastbeats pueden llegar a niveles tan raudos que al escucharlos uno se explica por qué se ha optado por una batería programada, aunque también hay espacio para medios tiempos que producen escalofríos. La voz resuella en malignos estertores y las guitarras chillan como millones de ratas devorando un cadáver putrefacto. ¿Lo mejor de todo? El álbum está disponible para su descarga legal y gratuita en: http://www.jamendo.com/es/album/46348.

5. ABRUPT: "Abrupt"

Para cerrar presento otro disco de portada memorable. Un poco de rabia mordelona y espumosa para patear todo lo que esté al alcance, eso es lo que ofrece esta banda hardcore punk de San Francisco, liderada por una señorita rubia de voz agreste. Imposible no enamorarse al son de frases tan inspiradoras como "your skull is now just shattered pieces, where´s my fuckin´ gun?". Se trata de un álbum de corta duración (poco menos de media hora), pero es lo suficientemente intenso y lacerante como para maldecir a gusto aquello que más odie usted de este bonito mundo. Un disco muy perro para gente muy enojada.

Y eso es todo por el momento, querido lector. Mucha suerte con sus fiestas y ojalá que alguno de ustedes se anime a enviarme su propia lista de discos para arruinar la Navidad. Ahora debo irme, tengo un pavo en el horno (es broma). Hasta pronto.

MAQUIAVELIA: "El perpetuo festín de horrores fantásticos refinadamente crueles" (2010)

2010-12-21T08:02:00.000-08:00

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¿Alguien recuerda la serie "Goosebumps" (Conocida como "Escalofríos" en América Latina) de R. L. Stine? Bueno, pues bienvenidos al disco que pudo haber sido una buena banda sonora para aquellas historias, cuya pretensión era poner la carne de gallina a niños y adolescentes que osaban, a pesar de las advertencias de papá y mamá, asomarse debajo de la cama o tentar al temido coco portándose mal.
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Maquiavelia, para quien no lo sepa, es el proyecto solista de Vlad Landeros (sí, el mismo Vlad Landeros de Anabantha): un combo dedicado a desempolvar los carcomidos ataúdes del goth (ojo: estamos hablando de goth de la vieja escuela, y no de metal gótico), reinterpretarlos y conjugarlos con las morbosas fantasías infantiles marca Tim Burton (¡Por Dios, basta ver la portada para adivinarlo!). "El perpetuo festín de horrores..." es algo así como un pequeño libro de cuentos para antes de dormir que garantiza las mejores pesadillas que sus niños hayan tenido en años. La pregunta es ¿era la intención expresa de Landeros crear un disco para el público infantil no-ñoño? Quién sabe. Si así fuera, no hay duda de que le ha salido muy bien, y si no lo fuera, de ningún modo quiero que esto se tome como una descalificación al disco, pues tanto la música como el concepto se encuentran exquisitamente logrados y llenos de un humor perverso que igual satisfará al público adulto amante de la fantasía y los desvaríos de la imaginación.
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Nuestro convidante (autonombrado "El príncipe sonámbulo") en este circo macabro se hace acompañar por una tanda de payasos, brujas y cadavéricos fenómenos que con sus dotes musicales dan vida (¿o muerte?) al cabaretesco show. Las canciones suelen tener formato de pequeños cuentos adornados con efectos de ambientación, diálogos, voces infantiles, gritos y melodías brujas que parecen extraídas de alguna vetusta cajita musical. Entrar al mundo de Maquiavelia es como entrar a una vieja casona abandonada del México colonial, porque eso sí: aunque son inevitables los matices europeos en la música (la misma tendencia goth, algunos dejos de vals y los arreglos de cello y violín), la parte letrística es todo un catálogo del folklor mexicano en donde se puede aparecer desde el coco hasta los espíritus que se reúnen el 2 de noviembre, o personajes que no desentonarían en ninguna de nuestras más entrañables leyendas (Chucho el tuerto o Julia Calavera, por ejemplo). Pero la mejor parte es sin duda esa gema de tres minutos llamada "1, 2, 3, salvación por todos mis amigos aunque algunos ya no estén vivos", una divertidísima y fúnebre sátira al clásico juego de las escondidillas que en la caricaturesca voz de Bety Sombra (quien suena a princesa de Disney envenenada) se escucha simplemente deliciosa. Por su parte, la labor vocal de Vlad no es nada diferente a lo que le hemos escuchado en Anabantha, simplemente un poco más teatral y con inflexiones más marcadas, quizá para dar mayor dramatismo a las canciones.
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En resumidas cuentas, "El perpetuo festín..." es un disco para disfrutarse con mucho sentido del humor, aunque sin menospreciar las virtudes de sus arreglos musicales. También es un disco perfecto para niños alternativos enemigos de Barney y de Tatiana. O para adultos sin prejuicios que crecieron preguntándose cómo serían los cuentos de princesas si la bruja hubiera triunfado. Ah, y es además un disco con un bonito y creativo diseño que se sale del típico formato digipack. Usted sabrá.
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(Web: http://www.myspace.com/maquiavelia)

GOLDEN DAWN: "Masquerade" (2003)

2010-11-15T09:04:00.000-08:00

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Hay veces en que las ideas parecen amontonarse en la cabeza intentando salir todas al mismo tiempo, y el resultado de tal condición puede ser de dos tipos: un verdadero caos o una verdadera innovación cuando tales ideas son abordadas con inteligencia y cohesión. En el caso de "Masquerade" estamos hablando de este último resultado.
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Golden Dawn es el proyecto de Stefan Traunmüller, quien lo inició en solitario allá por 1992, y a lo largo de los años ha ido integrando a diferentes músicos y cantantes cuya participación en el amanecer dorado ha sido variopinta. Antes de "Masquerade" la "banda" aparentemente se dedicaba a realizar una especie de black metal experimental que aún no tengo el gusto de escuchar, pero que vio uno de sus mayores frutos en el álbum "The art of dreaming", de 1996. Desde entonces, y fuera de unos cuantos demos, el señor Traunmüller no volvió a dar señales de vida sino hasta la aparición del CD que ahora nos ocupa y que vio la luz en 2003.
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¿Pero qué es "Masquerade" a fin de cuentas? Para ser honesto, no lo sé. Es un muy buen disco de metal, eso sí, aunque aún no me queda claro de qué clase de metal, y después de años de estarlo escuchando (porque lo cierto es que, sin ser necesariamente de mis favoritos, sí ha sido uno de esos discos que uno escucha y escucha y no aburren) he decidido que tal vez sea mejor así. Esto es simplemente música bien pensada, música inteligente que quizá no desea demostrar nada ni adherirse a corriente alguna, sino solamente aportar un sonido innovador, creativo, libre de ataduras y profundamente pasional. La oscuridad es una constante en "Masquerade", pero tal vez esta sea la única línea conductora del CD pues fuera de ese elemento es muy difícil adivinar qué es lo que sigue en el próximo track, y esto aplica desde la primera hasta la última pieza, pues tal y como en una mascarada, aquí nada es lo que parece.
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"Silent inferno" arranca con aires barrocos que pronto incorporan elementos electrónicos, y aunque aparenta tratarse de una canción de metal gótico convencional, pronto los blastbeats y el abrupto cambio de ritmos y voces nos dan el primer estrujón. A continuación viene un tema instrumental, "Doomsday celebration", que con su fuerza épica hace inevitable que el escucha no mueva la cabeza durante sus partes más rápidas. "Alive and immortal?" es el tercer corte, que inicia con un pegajoso riff y gritos puramente black, pero pronto entra la voz limpia y el tema vira hacia parajes más calmos aunque no por ello menos contundentes. Clavicordios y violines simulados acompañan a este tema que se convierte en uno de los más destacados del disco. Luego viene "Where dragons reign", que parece una fusión de folk, doom, heavy, power y speed metal (aunque sin sonar a ninguno de ellos en particular) velada por una atmósfera épica e intensamente oscura. Imposible escapar a la contagiosa fuerza de ese coro. La primera mitad del álbum termina con la homónima "Masquerade", que incluye algunos de los pasajes más modernistas de todo el CD, pero también un solo de guitarra que bien podría estar en cualquier tema de heavy metal tradicional. Coros masculinos, voces limpias, voces black, voces procesadas y un gran trabajo de teclados son los ingredientes de este tema.
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La segunda mitad del plato es probablemente aún más vanguardista que la primera, y arranca con mi tema favorito: "Enthralled by unknown dimensions", atacando con un guitarreo en la vena del mejor black melódico, voces desgarradas a dueto con voces limpias y luego un desconcertante beat electrónico seguido de piano, más guitarras veloces y un coro en latín. Lo impresionante de todo esto es que en medio del aparente desorden existe una fuerza cohesiva que hace que nada suene disparatado o fuera de lugar sino refrescantemente armónico. "Unborn again" añade a la coctelera elementos neoclásicos y más variedad de cantantes, para luego pasar al breve interludio acústico-medieval "A memory´s reflection". "Sic transit gloria mundi" empieza con guitarras folk, percusiones silvestres y un violín simulado; una voz femenina poco convencional canta las primeras estrofas y enseguida entra la guitarra eléctrica (que por algún motivo me recuerda bastante a "Only happy when it rains", de los rockeros alternativos Garbage) respaldada por más ritmos electrónicos. Estos mismos elementos se combinan de todas las formas posibles durante el resto de la canción antes de que el disco termine con "Angel", una balada electro-gótico-metalera-ambiental entonada íntegramente por la misma voz femenina que apareció antes y que corresponde a una tal Sandra Schranzhofer. Tras 47 minutos, "Masquerade" ha terminado.
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Ignoro qué tantas similitudes existirán entre este trabajo y la anterior obra de Golden Dawn, pero hablando específicamente de este opus, yo me permitiría recomendarlo encarecidamente por sus cualidades innovadoras y por lo fácil que resulta apreciarlas. Este es uno de esos CDs que conviene escuchar incluso solo por curiosidad, pues es muy difícil traducir en palabras toda la riqueza que en él se percibe. Incluso el arte del disco, sin ser nada excepcional, tiene un extraño encanto que complementa la fascinación provocada por la música y que transmite a la perfección la fórmula de "Masquerade": sencillo y accesible, pero enormemente rico en trasfondo y sustancia.
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Sólo queda esperar a ver qué tiene preparado Traunmüller para el próximo 2011. Ojalá que estos siete años de silencio hayan servido para perfeccionar el resplandor de Golden Dawn. Que así sea.
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(Web: http://www.goldendawn.at/)
(Myspace oficial: http://www.myspace.com/goldendawnofficial)

SHERYL CROW: "100 miles from Memphis" (2010)

2010-10-24T09:52:00.000-07:00

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¡Ah, mi Sheryl! Mi siempre camaleónica Sheryl. Parece que con cada disco va recogiendo pedacitos y pedacitos de toda la música representativa de su país, probablemente el país más odiado del mundo y aún así la señorita Crow es capaz de desbordar en sus canciones un abnegado amor por su tierra natal, sentimiento que muchos artistillas pretenden reflejar en su música, pero que las más de las veces no queda sino en una lamentable exhibición de americanismo barato y panfletario. Pero la edad acumula experiencia, y la experiencia, sabiduría. Quizá por eso Sheryl Crow se encuentra entre los pocos músicos (de los cuales yo destaco a Bob Dylan y a Tori Amos) que con absoluta humildad y el corazón siempre en la mano intentan gritar al mundo que existen unos Estados Unidos distintos a ese monstruo capitalista y asquerosamente artificial que todos conocemos hoy en día. Y "100 miles from Memphis" es un buen argumento para tratar de demostrarlo.
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Cierto es que la fórmula que en su momento le dio a la Crow su éxito comercial sigue presente aquí: baladas endulzadas con sabor a pop, rock y country light creadas para ese sector del público que se ha insistido en llamar "adulto contemporáneo"; pero al igual que en anteriores discos, Sheryl ha vuelto a investir sus canciones con un ropaje de nostalgia y tributo a la música que ha marcado la historia de los EUA. Hasta "Wildflower", del 2005, el sentimiento campirano prevalecía apoyado por esas vibrantes guitarras slide, implorantes hammonds, acordeones de ocasión y cuerdas enternecedoras; y luego, con "Detours", del 2008, vino un refrescante cambio: se dio la bienvenida a sonoridades menos densas aunque la intensidad emocional seguía presente. Dos años después la fórmula ha sido renovada.
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Al típico sonido Crow se le han agregado esta vez un bonche de metales: trompetas y saxofones en ingeniosos arreglos dotan al disco de un feeling que poco tiene qué ver con el neo-r&b tan de moda últimemente, y mucho con el viejo soul y -Dios me perdone- hasta con el tradicional sonido Motown. "Sign your name" o "Roses and moonlight" nos muestran ese rostro casi olvidado de una América del Norte distinta a la que estamos acostumbrados (y hartos también) a ver y oír. Hay ocasión para roces con el gospel y hasta un poquito de reggae como en la lozana "Eye to eye", que invita a escucharse en una calurosa tarde de domingo en compañía de la pareja y con un coctel tropical. Las letras no nos ofrecen muchas sorpresas pero sí que son reflejo de una mujer que critica lo que hay qué criticar ("Long road home", "Say what you want") y que disfruta cada vez más con las cosas sencillas que al final del día son las que más satisfacciones brindan. Después de todo y a pesar de su constante pero cautelosa evolución, la Sheryl de hoy no es muy diferente a aquella chica que en el '93 todo lo que quería era tener un poco de diversión. Es la misma, pero como ya lo he mencionado arriba: un poco más sabia.
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Sé que estamos prácticamente a unos días de que termine el año y se avecinan los fríos, pero aquellos que vivan en ciudades cuyo clima aún permita disfrutar algo de calorcito pueden encontrar en "100 miles from Memphis" una amena banda sonora para los días soleados, las tardes de ocio, los fines de semana en carretera y las noches de buen sexo. En pocas palabras, un disco totalmente veraniego y un fantástico pretexto para reconciliarnos con el panorama musical norteamericano. O mejor aún: simplemente un disco para pasarla bien. Y así nos dejamos de mamadas.
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LYCIA: "Tripping back into the broken days" (2002)

2010-09-30T09:28:00.000-07:00

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Si yo fuera un espectro y viviera en una casa abandonada a mitad de algún paraje desértico, sin nadie a quién asustar, sin nadie con quién interactuar y sin ninguna situación o suceso que alterara mi vida ni para bien ni para mal, sino que todo en mi existencia fuera plano, monótono, adormecedor, entonces "Tripping back into the broken days" sería mi disco favorito.
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Este álbum es el primer contacto que tengo con la música de Lycia, así que no puedo emitir un juicio sobre la agrupación, sino únicamente sobre este disco. Y lo que este disco me transmite es precisamente eso: un letargo y una modorra que mesmerizan, que aíslan los sentidos y desconectan de cualquier cosa que esté sucediendo en el entorno. Los recursos utilizados son mínimos, pues aquí la música es rústica a más no poder: una guitarra acústica que puede rasgar los mismos dos o tres soporíferos acordes durante canciones de más de cinco minutos en promedio, acompañada de un teclado atmosférico que parece decir: "duerme... duerme...". Y en medio de tan grisáceas vibraciones se van turnando las voces de los dos distímicos espectros, endebles, llanas, homogéneas, sin variación alguna: primero Mike, luego Tara, de nuevo Mike, de nuevo Tara, de nuevo Mike...
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¿Sorpresas? El disco no ofrece muchas, pues básicamente cada canción es una prolongación de la anterior, aunque cabe decir también que este no parece ser un trabajo pensado para sorprender sino para desprender. Y es que escuchar "Tripping back..." implica desprenderse de todo durante poco más de una hora para sumirse en un profundo coma en donde nada importa, en donde las emociones se anestesian y todo da lo mismo, pues a fin de cuentas todo es lo mismo: la música, las voces, la casa abandonada, los días rotos... ¡qué más da!
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Un disco pálido para personas en blanco y negro. O como ellos mismos lo dicen en uno de sus temas: "No words, no smiles, I don´t think, I don´t speak, I´m just halfway gone, caught in between here and there". Ni más ni menos.
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DÖDSÄNGEL: "Helgrind" (2009)

2010-09-26T09:38:00.000-07:00

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Allá afuera está haciendo frío. Allá afuera se están matando o se están muriendo y allá afuera los nubarrones se ciernen sobre mi cada vez más violenta ciudad. Y aquí adentro el ángel de la muerte predica su áspero evangelio a través de mis bocinas, cual profético soundtrack que hiela las orejas. Ese ángel tiene nombre de mujer: se llama Trish, es noruega-canadiense y la precede un amplio historial como baterista en diversas agrupaciones de punk y metal. No obstante lo anterior, tuvieron que pasar algunos años antes de que esta rubia amazona se decidiera a formar su propio proyecto, que inició bajo el nombre de Svartedød y con el cual únicamente grabó un tema. Posteriormente resolvió cambiar su apelativo a DödsÄngel (ángel de la muerte, en sueco), punto a partir del cual se empezó a concretar su dirección musical y la formalidad de su propuesta.
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Al igual que muchos proyectos personales en el mundo del metal underground, DödsÄngel se trata de una sola persona (Trish) encargada de todos los aspectos que escuchamos en su punzante música. Guitarrista, bajista, baterista y gritante, compositora de toda la música y todas las letras, esta irascible mujer presenta con orgullo su primer demo en 2009, un basilisco trabajo de ocho temas en formato CD-R (y cien copias en casete) que harían palidecer a muchas banditas de black actuales. En medio de un panorama saturado de supuesta innovación, Trish eligió regresar al sonido frío y crudo del black metal más tosco, lo puso a coger con el agreste punk de la vieja escuela y después extrajo con sus propias manos el producto de tan nefanda cópula. Sobra decir que el experimento es excitantemente efectivo: un blackmetalpunk guitarrero, cochino, impetuoso y lleno de glacial energía asesina.
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El engendro en cuestión lleva por título "Helgrind" y fue grabado en una semana, en los estudios Deathcult en Edmonton, Canadá. La rústica producción le confiere ese toque que muchos buscan en el sonido "vieja escuela", aunque esto no significa que se trate de un amasijo de ruido sin ton ni son, por el contrario, cada instrumento es reconocible y se escucha bien mezclado pero sin retoques o adornos que disfracen su trastornada suciedad. Y las letras, por supuesto, coherentes con el sonido, son un cruento y disforme panegírico de la muerte y la destrucción. Es por todas estas cualidades y por tantas otras que solo se pueden percibir al escucharlo, que "Helgrind" en particular y DödsÄngel en general son una excelente noticia para los que prefieren devorar su carne cruda. Y ensangrentada, por favor.
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(Para contacto y para conseguir el demo, la rubia Trish se encuentra en: http://www.myspace.com/dodsangel)
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BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL: "As one aflame laid bare by desire" (1998)

2010-09-16T18:26:00.000-07:00

Siempre me he preguntado qué se sentirá hacer el amor con un fantasma. Y quizá este disco sea un ligero acercamiento a tan fosca fantasía. Black Tape for a Blue Girl es un proyecto que está activo desde la década de los 80, grácilmente conducido por el genio creativo de Sam Rosenthal y su eterna musa Lisa Feuer; y aunque a lo largo de más de dos décadas han entregado obras sensacionales, este trabajo de 1998 es para mi uno de los más pasionales en la historia discográfica de Black Tape.
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"As one aflame laid bare by desire" es un disco de fluídos corporales, un disco sexual y erótico como pocos. Es un disco ardiente para beberse al ser amado, para entregarse sin reservas. Un disco para desnudar y desnudarse, para confrontar vulnerabilidades, para juntar cuerpos, almas, lenguas, sexos. Un disco para abrir el corazón, el pecho, las venas, las piernas. Si bien el erotismo es un tema relativamente frecuente en los conceptos de esta agrupación, en "As one aflame..." este alcanza momentos cumbre que seducen y doblegan la voluntad del escucha. Incluso pareciera que las piezas siguen una secuencia similar a la respuesta sexual humana: desde el deseo y la excitación que producen los dos temas abridores en voz de Julianna Towns, hasta la meseta y el orgasmo, el clímax que se prolonga durante varios placenteros minutos con los sonidos electrónicos reposados, relajados, etéreos; sonidos envolventes como fantasmas enamorados, sonidos pasionales de acústicas guitarras, violines húmedos y flautas lubricadas, de clarinetes y cellos que penetran y masturban el espíritu. Las voces de Oscar Herrera, Julianna y Sam, suaves como caricias pero sutilmente profanadoras como el coito mismo. Y al final, la resolución: la etapa post-orgasmo, arrulladora y tibia como el abrazo entre amantes que exhaustos duermen con las piernas entrelazadas, respirando del aliento del otro, vueltos un solo ser.
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¿Definir el disco? No podría. Sería injusto decir que esto es darkwave o neoclásico, sería tonto decir que es gótico y sería burdo decir que es electrónica etérea o algo así. En todo caso, es una explosión de atmósferas, sensaciones y sentimientos: otoñal, místico, fino, nostálgico, cálido, pasional, erótico... y absolutamente recomendable.
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(Web: http://www.blacktapeforabluegirl.com/)
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MILKING THE GOATMACHINE: "Back from the Goats" (2009)

2010-08-24T15:39:00.000-07:00

Lo he escuchado cuando estoy de buenas y lo he escuchado cuando estoy de malas. Lo he escuchado como música de fondo mientras hago algo más y lo he escuchado prestándole el cien por ciento de mi atención. Lo he escuchado de noche y de día, con audífonos y sin ellos, a todo volumen y a bajo volumen, solo y acompañado, y la única y desesperante conclusión que he obtenido de todo ello es que a veces me parece un excelente disco de humor bobo y otras veces me parece una auténtica porquería, así que me declaro confundido e incapaz de dar un veredicto personal.

Milking the Goatmachine es el chocante nombre del proyecto de dos hermanos procedentes de Alemania. Practican un híbrido nada novedoso entre brutal death y grindcore, con las acostumbradas voces ultra guturales compartiendo terreno con los chillidos estilo cerdo-siendo-castrado-con-una-sierra-oxidada. En lo musical ofrecen lo de siempre, y aunque la brutalidad está garantizada y la producción es de lo mejor (y cómo no iba a serlo cuando la banda está en un subsello de la omnipotente Nuclear Blast), el problema es que el disco es tan homogéneo que fácilmente puede volverse aburrido a pesar de su corta duración. Es decir, la música está impecablemente ejecutada y cada instrumento suena en su lugar, fuerte y certero, pero algo pasa que queda esa ligera sensación de aplanada medianía, como si se tratara de una sola canción de 36 minutos que quiso llegar muchas veces a su clímax, pero que jamás lo consiguió plenamente. No sé si me explique.

El concepto de la banda es un caso aparte, y es que es obvio hasta para el más despistado que Milking the Goatmachine es una agrupación humorística (o eso espero) que maneja una comicidad a veces paródica, a veces babosa y a veces llena de mala leche (nunca mejor aplicado el término). Al parecer "Back from the Goats" cuenta una historia absurda sobre cabras humanoides o humanos encabrizados (que no encabronados), o algo así, pues el cuadernillo del álbum no trae impresas las letras y tampoco es que los berridos de su gritante sean muy fáciles de descifrar. El caso es que TODA la imaginería de la banda gira en torno a un solo tópico único y omnipresente: cabras. Cabras en el booklet, cabras en la portada, cabras en los títulos de sus canciones, cabras en el título del disco, cabras en el nombre de la agrupación, cabras en las máscaras que usan sus integrantes y sonidos de cabras intercalados por aquí y por allá a lo largo de todo el disco. ¿Simpático o idiota? Todavía no lo sé.

Si usted, amable lector, necesita brutal death y grindcore como se necesita el oxígeno para respirar, entonces quizá le agrade "Back from the Goats", pues aunque poco imaginativo en lo musical, es un correcto ejercicio de bestialidad light. Y si además disfruta del humor de pastelazo entonces felicidades, este es su disco. Pero si lo que busca es un álbum realmente bueno perteneciente al género, entonces el riesgo es suyo. Malo, lo que se dice malo no es, pero bueno, lo que se dice bueno, tampoco. En todo caso, supongo que me falta escucharlo mientras ordeño una cabra. A ver si así...

Nota final: No suelo hacer esto, pero dado lo confuso de mi comentario sobre el CD, decidí incluir un videoclip de la banda a efectos de clarificar un poco mi perorata. Dicen que la curiosidad mató al gato, así que decida usted. De nada:

TULUS: "Biography Obscene" (2007)

2010-08-19T08:50:00.000-07:00

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Dicen que los seres humanos, por naturaleza, tememos a lo desconocido. Pero un fenómeno extraño resulta cuando lo desconocido se entiende de maravilla con aquello que nos es de sobra conocido, pues entonces las reacciones se tornan impredecibles. Digo esto porque "Biography Obscene" es un disco que toma senderos indiscutiblemente familiares para cualquier escucha habitual de black metal, pero los complementos que se han elegido para salpimentar las canciones pueden tomar por sorpresa y en el peor de los casos descontextualizar al desprevenido oyente. No es que esto sea malo, sino todo lo contrario, este cuarto álbum de Tulus es uno de mis discos favoritos del black más reciente, únicamente digo que se trata de un trabajo que puede no ser del todo digerible a la primera.
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Tulus lanzaron tres discos completos durante la segunda mitad de los noventa, y aunque indudablemente he disfrutado escuchándolos, también he de decir que aquello no ofrecía realmente nada que no conociéramos ya: un black metal frío y malvadillo que mucho tenía en común (salvo la popularidad) con la vieja escuela noruega. Después vino un largo silencio y en 2007 llega la obscena biografía que ahora comentamos.
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No es que Tulus hayan renunciado a la frialdad y crudeza de su sonido anterior, de hecho, "Biography Obscene" cuenta con algunos de los pasajes más descarnados (medios tiempos incluídos) que la banda haya entregado hasta la fecha, la diferencia estriba en los pequeños detalles que contribuyen a crear la enferma y auténticamente macabra atmósfera que brota de este disco: violines, cello, un piano real, saxofones... pero no se angustie el amable lector, pues todo ello NO suena a lo que probablemente ahora se está usted imaginando. Esto no es épico ni de lejos, no tiene influencia gótica alguna ni sonoridades orquestales. He ahí la maligna magia de Tulus: en este trabajo han logrado NO la comunión, NO el equilibrio, NO el balance entre un sonido primitivo y uno refinado, no. Su intención es mucho menos convencional que eso: ellos han creado un disco brutal, devastador, extremo. Un disco con un sonido sólido y bien definido, de características verdaderamente primitivas aunque con un dejo de elegancia. Una pieza de arte malvado y oscuro en donde los detalles adicionales son solo eso: detalles adicionales y nada más, nunca protagonistas.
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Quizá la clave de este sonido es que, a diferencia de otras bandas que conjugan los instrumentos "clásicos" con la alineación tradicional de una banda de metal, Tulus no pretenden en ningún momento crear un contraste entre belleza y brutalidad. Al contrario, aquí los arreglos de cuerdas no son bellos, no son dulces ni armónicos sino chirriantes, el piano no es celestial, el saxofón no es seductor y la ocasional intervención de una voz femenina no es angelical ni etérea sino esquizoide y discordante. En "Biography Obscene" la sensación predominante es que tales instrumentos han sido violados, contaminados brutal y despiadadamente por la cruenta visceralidad de la guitarra, el bajo y la batería que jamás ceden en su omnipresencia. La voz tampoco es optimista y jamás muestra registros limpios ni otorga concesiones. Como reza el título de una de sus canciones, aquí la oscuridad no permite en ningún momento el paso de la luz, o como alguien me comentó en alguna ocasión: suena como si los viejos Darkthrone refinaran su maldad.
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Si los pabellones auditivos del amable lector se regocijan con sonoridades orquestales o con aquello que se conoce como "black melódico", quizá "Biography Obscene" no sea lo que está buscando. Creo que esta obra tiene mayores probabilidades de gustar a aquellos que en su black metal buscan palabras como "raw", "grim", "primitive" y en un descuido hasta "true", pero eso ya depende de las orejas con que se escuche. De todos modos si me lo preguntan a mi, yo lo recomiendo ampliamente y sin reservas.
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ANOREXIA NERVOSA: "Exile" (1997)

2010-07-28T11:12:00.000-07:00

Existen diferentes maneras de plasmar lo extremo en la música, y sabemos que el metal es un género que se pinta solo para eso, pues se cuentan por miles las bandas que se dedican a cultivar una imagen y temática cargadas de violencia explícita y referencias gore, pero ¿qué sucede cuando una agrupación decide explorar otras manifestaciones de la violencia, más escondidas quizá, pero no por ello menos brutales? Entonces nacen discos como "Exile". Muchos aún ignoran que antes de dedicarse de lleno al black metal sinfónico, los franceses Anorexia Nervosa practicaban un estilo de metal con fuertes tendencias industriales. “Exile” es su primer disco y es también el único en donde dicha influencia se ve reflejada.
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Pocas veces un acto tan sencillo como oprimir el botón de play se puede convertir en algo peligroso, pero en este caso lo es. Este álbum expone al oyente a una serie de tormentos psicológicos en forma de música, cuyo estilo podría definirse como una mutación de black atmosférico y death industrial. La cavernosa voz (infinitamente lejos de los típicos grunts o los agudos chillidos, y mucho más perturbadora también) aunada a los espesos riffs y a una serie de ecos inquietantes, lúgubres y crispantes crean en su conjunto una especie de sinfonía monstruosa que es capaz de hurgar en la penumbra de la psique humana para generar auténtico terror, angustia, miedo, confusión. La estructura de los temas es complicada, densa e impredecible, con cambios abruptos y ritmos tan hostiles como pesados. Las letras son incomprensibles, lidiando con tópicos ambiguos y macabros que van de la tortura física y mental a la deformidad y la sordidez de la sexualidad. Hay momentos del disco en los que parece que lo que oímos son ecos de la muerte en su estado más puro, hay momentos en los que parece que lo que oímos no proviene de este mundo, hay momentos en los que la música se vuelve casi insoportable de escuchar.
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A veces la violencia psicológica es más brutal que la violencia física. A veces el mal disfrazado es más mortífero que en su forma explícita. A veces destrozar los nervios y la estabilidad emocional es un acto más cruel y más inhumano que destrozar un cráneo. A veces el terror de la alienación mental es más intenso que el terror de perder la integridad física. El que lo dude, ya puede ir escuchando “Exile”, preferentemente a solas, pasada la media noche y en medio de la más absoluta oscuridad.
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No habrás conocido nada igual.

SOLEFALD: "Pills against the ageless ills" (2001)

2010-07-21T10:35:00.000-07:00

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Me niego a catalogar a esta banda como black metal. Aunque mucha gente los ubica dentro de esta corriente añadiendo etiquetas como "post", "avantgarde", "experimental" y similares, la verdad es que yo siento a Solefald más cercanos a un metal extremo progresivo. Lo único claro aquí, es que para bien o para mal la música de este dueto (formado por Cornelius y Lazare) siempre se ha escurrido como agua entre los dedos de quienes buscan a toda costa imponerles una etiqueta, cosa que parece divertir mucho a la propia banda, que con un dejo de ironía ha preferido llamar a su estilo simplemente "música roja con bordes negros".

El caso es que "Pills against the ageless ills" es su tercer álbum, y en definitiva se trata de un trabajo apto solo para los menos prejuiciosos, pues la amplia gama de influencias que exhibe puede confundir al escucha habituado a sonoridades más "lineales". No niego que mantenga ciertos indicios de black metal (sobre todo en algunas de las partes de guitarra y en las chirriantes voces de Cornelius), aunque lejos de sobresalir, éstos comparten democráticamente su espacio con el resto de elementos que ostenta el disco: hard rock, new wave, jazz, funk, drum´n bass, psicodelia (ese hammond simulado es simplemente genial) y pop parecen coexistir en perfecta armonía liderados por la fuerza de un metal extremo que a pesar de todo nunca se ve mermado por la presencia de otras corrientes musicales. La labor vocal por su parte, es compartida entre los gritos de Cornelius y la voz limpia de Lazare, de un color inconfundible y muy agradable al oído.

Si lo mencionado hasta aquí no es aún suficiente para dar una idea de lo exótico de este trabajo, pasemos entonces a hablar de las letras del álbum, y es que "Pills against the ageless ills" es una obra conceptual que narra la historia de dos hermanos: el primero de ellos es Pornographer Cain, un productor de películas porno, quien fue hallado culpable del asesinato de Kurt Cobain y ejecutado en la silla eléctrica en 1998. El segundo es Philosopher Fuck, un monje y artista de performances exiliado en Europa, poseedor de un amplio historial como interno en diversas instituciones mentales y fallecido en un hospital en Francia, en el año de 1999. Ambos personajes funcionan como pretexto para una serie de disertaciones (a veces inteligentes, a veces banqueteras) sobre la humanidad y sus múltiples facetas, así que para quienes gustan de clavarse en el contenido letrístico, aquí hay bastante que analizar: metáforas pop, agudísimas críticas sociales, densa carga política, ironías filosóficas, abstracciones e ideas anticapitalismo, anticonsumismo, antiglobalización y antimuchascosasmás. ¿Un poco rebuscado? Puede ser, pero eso depende de cada quién.

En conclusión, Solefald no es de esas bandas que entran a la primera, y este disco en especial es una de sus obras más cosmopolitas, pero tras varias escuchas uno va desmigajando las canciones y aprendiendo a saborear sus bondades, y si bien no se trata necesariamente de uno de esos CDs que se pueden ganar el título de "clásico", sí es una pieza de las que se pueden exhibir con sobrado orgullo en cualquier fonoteca personal.

STRAY CATS: "Stray Cats" (1981)

2010-07-20T11:47:00.000-07:00

Para Lucero, cuyo brillo ahora nos acompaña desde otra dimensión

espacio-temporal: Gracias por haberme presentado a esta

y a tantas otras fabulosas bandas.

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¿Cómo decirlo? Si me pidieran una lista personal con -digamos- diez de mis discos fundamentales de rock, este álbum tendría asegurado un sitio de honor. Ignoro si exista una palabra para nombrar al sentimiento de añoranza por épocas que a uno no le tocó vivir, pero eso es exactamente lo que este disco me provoca, y es que el sonido de los Stray Cats APESTA a los años cincuenta. A pesar de que la banda grabara este debut a principios de los ochenta, su pasión por aquellas épocas en las que el rock apenas andaba en pañales consigue hacer de "Stray Cats" (el álbum) una muy eficaz máquina del tiempo que asegura un divertido paseo de 37 minutos.
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Como si de una clase de historia se tratara, la banda de Brian Setzer logró con su trabajo homónimo crear una serie de canciones que resumen algunos de los sonidos más importantes para el desarrollo del rock: aquí encontramos migajas de country, de blues, de r&b y hasta de swing ("Wild saxophone" es una especie de advertencia de lo que años después haría Brian Setzer con su posterior orquesta); o en otras palabras: todo un homenaje a los inicios del rock´n roll.
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A pesar de que este disco nunca fue lanzado en los Estados Unidos, hoy en día se puede conseguir vía la importación (yo tengo la suerte de contar con el vinyl LP de su tiraje original de 1981), y si el lector aprecia los sonidos del pasado entonces le garantizo que con los Stray Cats va a pasar un muy buen rato. Y cómo no hacerlo cuando los elementos aquí presentes se antojan tanto como la rebeldía (tan salvajemente ingenua y tan ingenuamente salvaje) que supura cada solo de guitarra, el desenfreno romántico-sexual del bajo y la instintiva batería: arquitectos de supercanciones como "Stray cat strut" (rolononón), "My one desire" (tierna y cachonda) o "Storm the embassy" (oscura y fuertemente política).
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Sabemos que de unos añitos para acá está de moda todo lo que huela a viejo, pero salvo unas contadas excepciones, la mayoría de las bandas que pretenden un revival de géneros pasados no parecen tener idea del respeto que exige interpretar rock a la vieja usanza. Por eso se agradece que sigan existiendo bandas como los Stray Cats, que si bien pertenecen a una generación distinta, no cesan en su afán de demostrar que el rock´n roll es cosa seria. Este disco es una fuerte patada en el trasero a todos esos niños que se sienten la reencarnación de Elvis, pero que ignoran quién demonios fue Bill Halley o Buddy Holly. Y tan solo eso ya es motivo para aplaudirle de pie.

Este es el disco que marcaría el inicio de una exitosa carrera para los gatos callejeros: una de las mejores y más auténticas bandas retro (cualquier cosa que eso signifique hoy en día) sobre la faz de la tierra.

Disquisiciones sobre el BLACK METAL (...y cuatro mini-reseñas para todos los gustos)

2010-07-13T11:18:00.000-07:00

Hablar de black metal se ha convertido, de un tiempo a nuestra fecha, en un tema cuando menos polémico, de esos que generan muy diversas posturas hasta entre los propios miembros del gremio. Que si unos pecan de melódicos, que si otros se quedaron en épocas pasadas, que si la banda fulanita es un hato de posers vendidos o que si la banda sutanita no puede hacer black porque sus integrantes son cristianos. Ponerse a analizar si tal o cual perspectiva es más o menos acertada que otra me parece un tanto ocioso, además de que una discusión de tal naturaleza difícilmente nos llevaría a una conclusión. Es cierto que muchas de las bandas que actualmente hacen black metal se encuentran muy lejos de las pretensiones originales del género, pero ¿quién dijo que esta música solo debía tocarse bajo ciertos parámetros? ¿quién dijo y con qué autoridad cuáles deberían ser las reglas y cuáles los temas a abordarse en el black? Recordemos que la última vez que alguien intentó tomar el control al respecto, el chistecito derivó en el morbosamente famoso caso del Inner Circle, o para decirlo más coloquialmente: la "Black Metal Mafia". El triste fin de la historia todos lo conocemos (y el que no lo conozca, puede investigar sobre el fenómeno en una de las miles de fuentes que existen hoy en día, aquí dejo un enlace que puede servir como guía inicial, se trata de un artículo publicado originalmente por la revista Spin en febrero de 1996. Claro que tiene su respectiva dosis de subjetividad y amarillismo pero el que quiera información más completa puede empezar a sacudirse la flojera y buscarla por sus propios medios. De nada).
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No dejo de preguntarme qué pensarán los más acérrimos defensores del género al ver a Varg Vikernes (una de las principales figuras del movimiento del Inner Circle), convertido hoy en un hombre apacible, ajeno al mundillo que se ha creado en torno al género musical que otrora contribuyó a forjar. Me pregunto qué pensarán los más "primitivos" al escuchar a Gaahl (ex-componente de Gorgoroth, una de las bandas más radicales -aunque efectista también, todo sea dicho- de la escena) confesar abiertamente su homosexualidad, condición rechazada por muchos de los protagonistas del movimiento original. Me pregunto qué pensarían aquellos fanáticos extremistas del black pertenecientes a la raza mulata, mestiza o negra, acerca de que no pocos de sus grandes ídolos son o fueron fuertemente racistas. Y me pregunto muchas otras cuestiones similares, aunque atención: NO estoy diciendo que la homofobia, el racismo, la violencia, etc. sean la escencia del black metal, ni que el género haya nacido bajo esos parámetros necesariamente, pero tampoco es secreto que muchos de sus seguidores han dado por hecho que tales comportamientos los vuelven más "true".

Creo que la clave de todo este asunto radica en dos palabras asombrosamente sencillas de pronunciar, e infitamente difíciles de practicar: tolerancia y respeto. A veces en el afán de alejarse de la temida etiqueta de "poser" (ante lo cual vuelvo a preguntar ¿quién demonios tendría que ser el juez supremo que decidiera quién es poser y quién no? ¿Gaahl es poser porque es homosexual? ¿Varg es poser porque ya no quema iglesias? ¿todos los latinos somos posers porque no tenemos herencia nórdica? ¿yo soy poser porque escribo estas líneas [esto último es broma]? Permítanme reírme), se nos olvida que al fin y al cabo se trata solamente de música; aunque hay quién decide hacer de ello un estilo de vida, cosa verdaderamente admirable cuando implica el uso de la inteligencia y la razón. El black metal como filosofía de vida es sumamente interesante, pues permite una visión amplia, crítica, ambiciosa e inconformista del mundo que nos rodea, pero representa también un reto y un compromiso, pues la filosofía cuestiona, explora, razona, duda, piensa, busca respuestas... y parece que muchos blackers han olvidado eso en aras de la autolimitación y el empobrecimiento (amén de que ha sido un fabuloso pretexto para dar rienda suelta a los prejuicios de muchos) de un género que cuando trasciende lo musical se vuelve inquietantemente rico.
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Por eso creo que quien decide guiar su vida bajo esta ideología (y conozco a unos cuantos que así lo han hecho) sabe distinguir entre a) el berrinche de un niño enojado que se siente "malo" usando cruces invertidas y faltando al respeto a todo lo que se mueva, y b) una misantropía fundamentada, canalizada y asimilada, que conoce sus límites y sabe que no tiene por qué meterse con los estilos de vida de los demás (siempre y cuando estos no se metan con el propio, pues entonces no existe motivo para mostrar clemencia), ya que lo más probable es que ni siquiera le interesen. Luego entonces, regresamos a la tolerancia y el respeto. No quiero empezar a sonar reflexivo, moralista, ni ninguna de esas patrañas, pero sí que creo en el comportamiento civilizado como una buena arma para empuñar en este cada vez más pinche mundo. Demostremos nuestra capacidad de raciocinio, no caigamos en fanatismos baratos... si no, nos volveremos tan burdos como esas masas de gente ensimismada que llora, sufre y se encabrona intensamente por un simple partido de futbol, o como las turbas iracundas de brutos que apedrean mujeres solo porque estas cometen la osadía de demandar sus derechos. Creo que podemos asumir un comportamiento más inteligente que aquellos, y ya va siendo hora de demostrarlo.

Y ya como último desvarío antes de pasar a hablar de discos, me pongo a pensar en la historia de la música y me viene a la mente otra pregunta que en cierto modo justifica la existencia de tantas y tantas variantes del black metal: ¿qué genero musical se mantiene hoy en día cien por ciento fiel a sus orígenes, libre de impurezas, fusiones o deformaciones? Creo que ninguno, no en pleno siglo XXI, así que probablemente lo mejor que podemos hacer es evitarnos la pena de caer en ingenuidades al pensar que el black sigue siendo un asunto exclusivamente underground y alejado de los medios masivos. Además, cualquiera que esté leyendo esto ya no puede negarlo: somos parte de este ridículo circo globalizado donde las fronteras son cada vez más difusas y la pureza (en todos los sentidos, incluido el ideológico y el musical) es cada vez más difícil de mantener. Hoy todo es de todos, hoy todos con todos y todos contra todos... y en esas andamos.
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¿Pero a qué diantres viene todo esto? Pues es que hace poco clasificaba mis CDs y me di cuenta de esta paleta de colores y sabores que puede existir dentro de un mismo género musical. Si el lector se toma el tiempo de echar un vistazo al resto de este blog, se podrá dar cuenta de que las preferencias sonoras de este apicultor no se constriñen a los caminos del metal (aunque su lugar es el más privilegiado entre mis otros gustos), así que hoy decidí elegir a cuatro bandas que han incursionado en los vericuetos del black, cada una a su manera, mostrando facetas tan diferentes que uno se pregunta cómo pueden proceder de la misma raíz. Ni de broma pretendo que esto sea una revisión exhaustiva, ni mucho menos una clasificación de las ramas del black metal, son solo cuatro bandas no tan populares que me gustan, que creo que merecen ser difundidas y que aquí presento para todo aquel que pudiera interesarse en ellas. Ya es bronca de cada quién decidir cuáles pueden llamarse "auténticamente" blackers y cuáles ni siquiera merecen el honor de respirar del mismo smog que nosotros. Ahí les van.
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1. Los de la vieja escuela: ARPHAXAT.
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Procedentes de Francia y formados en el año 2002, se trata de una banda que procura un sonido crudo y rudimentario. Quizá la etiqueta de "Raw Black Metal" sea una de las que mejor les ajuste, dadas las características ya mencionadas, además de su minimalismo en cuanto a instrumentación. Los oídos más aguzados notarán de inmediato que la música de Arphaxat prescinde totalmente de guitarras en su ejecución, lo que le otorga a su sonido ese toque primitivo tan amado por unos y tan odiado por otros. Los más despistados probablemente ni siquiera noten que la música de esta banda es solo bajo y batería, pues el instrumento de cuatro cuerdas es empleado a modo de guitarra y además de cumplir su función habitual, también lleva el peso de los riffs, que en el caso de Arphaxat suelen ser densos y asfixiantes. La banda (un dueto, en realidad) cuenta con un disco debut editado en 2008 y llamado "Loudun la maudite", cuya temática no aborda los temas típicos del black primigenio, pero sí que lleva una fuerte carga de ocultismo y satanismo simbólico, además de una despiadada crítica social construida a partir del relato de una vieja leyenda francesa sobre posesiones, exorcismos y brujería. Aquellos que gusten de bandas en la vena de los primeros Bathory o incluso de Darkthrone van a amar a Arphaxat. (Web: http://arphaxat.hellsheadbangers.com/).
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2. Los melódicos-sinfónicos: EPHEL DUATH.
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Apenas uno escucha los primeros acordes de "Phormula", su disco debut que data del año 2000, y ya se adivinan las ganas que en su momento tuvo Ephel Duath de parecerse a Emperor. La música de estos italianos básicamente gira en torno a los teclados y las orquestaciones programadas, relegando a un segundo plano las guitarras. La voz del gritante supura desesperación, es cierto, pero si alguien se acerca al mencionado disco buscando música maligna o blasefma, se va a decepcionar: ni la música, ni la estética del grupo, ni el artwork del CD, ni las letras de sus temas tienen un ápice de maldad, pues el concepto de Ephel Duath se centra más en una especie de filosofía abstracta, oscura y rebuscada. La producción es limpia y el elemento melódico es el principal protagonista aquí, pues incluso llegamos a escuchar ritmos electrónicos bailables. Cabe mencionar que dos años después del lanzamiento de este su álbum debut, la banda edita nuevamente el mismo trabajo bajo el nombre de "Rephormula", añadiendo a los ocho tracks originales un par de remixes y tres bonus tracks de su demo de 1998. Lo más curioso es que aún con todo esto, "Phormula" sigue sonando a black. De todos modos, este es el único trabajo de la banda que corresponde al género, pues a partir de su siguiente producción ("The painter´s palette", del 2003) se decantarían por una especie de post-metal-jazz-avantgarde... o algo así. En cualquier caso, recomiendo "Phormula" (o "Rephormula", que a fin de cuentas es lo mismo pero con más canciones) a quienes prefieran el estilo de bandas como Limbonic Art o los propios Emperor. (Web: http://www.myspace.com/ephelduath).
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3. Los cristianos: CERIMONIAL SACRED.
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Estos brasileños cuentan en su haber con un solo larga duración, y después de ello, la banda formada por los hermanos Melancton y Abissai ha entrado en un receso aparentemente indefinido. El disco en cuestión se titula "Our war is only against hell", y su sonido es algo así como lo que hubiera sido Cradle of Filth si fueran tercermundistas y ovejas del Señor. Sí, es cierto que la banda de Dani Filth hace mucho que dejó de ser aunque fuera medianamente black, pero en este caso, Cerimonial Sacred conserva la tradición estilística de álbumes como "The principle of evil made flesh": hay cierta crudeza y prevalecen los ritmos machacantes, pero con un gusto morboso por hacer aullar a los teclados, cuidando siempre que estos no opaquen a las guitarras. Uno podría escuchar este CD como música de fondo en algún bar de black y jamás se imaginaría que sus letras son una exaltación del cristianismo. Nuevamente la última palabra la tiene el lector: el que esté libre de prejuicios que escuche la primera pieza, pues una vez oprimido el botón de play, existe la posibilidad de que uno deje correr este disco hasta el final, presa de sus veloces y congelantes atmósferas. "Our war is only against hell" es perfecto para quienes simpaticen con bandas del corte de Cradle of Filth, Dimmu Borgir y similares. (Web: http://www.myspace.com/cerimonialsacredfanpage).
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4. Los experimentales: ROSSOMAHAAR.
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Son rusos, llevan quince años en este negocio y cualquiera que escuche sus dos primeros discos no va a encontrar en ellos nada de experimental: un black metal sinfónico de buena calidad, pero todo dentro de los límites del género. El cambio viene a partir de su tercer trabajo de estudio, "Regnum somni" del 2003, en donde tomaron la decisión de omitir el teclado y sustituirlo por un saxofón y un trombón. El resultado es totalmente desquiciado, pues escuchar una combinación de metales con blastbeats no es cosa de los días. No sé si lo hagan intencionadamente, pero hay muchos pasajes que suenan a banda de ska y otros tantos que parecen extraídos de un ensamble de jazz. "Regnum somni" no es black sinfónico, no es black melódico, no es black-folk... es black con trombón y saxofones, con todo lo bueno o malo que de ello se desprenda. En 2006 ve la luz un EP que mantiene la misma fórmula, después un DVD en 2007 y desde entonces Rossomahaar no ha editado nuevo material. Habrá qué esperar para ver si deciden llevar el experimento aún más allá o si retornan a sus orígenes, pero mientras tanto sus últimos trabajos quedan para la historia como uno de los capítulos más originales (desconcertante, sí, pero al menos yo no tengo conocimiento de otra banda que haya hecho una fusión similar, si alguien sabe de alguna, le agradecería me corrigiera) en los anales del black metal. No es para todos los gustos, pero para los que se quieran atrever hay una buena noticia: Rossomahaar ofrece todo su material (en formato mp3) para descarga gratuita y legal desde su página web: http://www.rossomahaar.ru/. Escuchen y decidan.
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En fin. Ya he desvariado, ya me he desahogado, ya he plasmado mi opinión, ya he compartido a cuatro bandas que considero interesantes (en mayor o menor medida) y por ahora es todo lo que tengo qué decir al respecto. No pretendo imponer idea alguna, no pretendo que esto sea un juicio determinante ni mucho menos, es solo el punto de vista de alguien que disfruta enormemente de uno de los más apasionantes géneros musicales del orbe. Es, a fin de cuentas, solo la opinión de este su seguro apicultor. Hasta la próxima.

EXSECROR VECORDIA: Bardos que gritan la locura que nos mata

2010-07-05T09:15:00.000-07:00

Había una vez ocho bardos nocturnos, ocho modernos juglares que desafiantes transitaban la delgada frontera entre la cordura y la demencia, infaustos amantes que en la vesania encontraban un medio para materializar sus pesadillas: siniestros delirios para ser restregados en el pusilánime rostro de un mundo apoltronado en la aburrida farsa de su "normalidad". Los cuervos graznan, la luna observa y la noche se abre para dar paso a la Vecordia.
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Exsecror Vecordia es un ensamble mexicano formado en 1999, y aunque una clasificación general los ubicaría cercanos al fenómeno del metal gótico, sería ingenuo suponer que la actividad de esta agrupación se limita a dichos terrenos. Desde su formación, la banda ha procurado dejar en claro su compromiso con el arte, al grado de que su inquietud los ha llevado a estar presentes en diferentes proyectos que involucran cine, teatro, literatura, fotografía y por supuesto, música. Sus integrantes proceden en su mayoría de la Escuela Superior de Música de Bellas Artes, detalle que es imposible ignorar al escuchar su trabajo, pues este denota una impecable técnica que les permite crear una real y palpable comunión entre la música clásica y el metal. Pocas bandas tienen la osadía de contar en sus filas con un clarinete, un corno francés o una viola como elementos básicos, y mucho menos de otorgarles absoluto protagonismo en varias de sus composiciones. La obra de la Vecordia no es sencilla de escuchar, es un conjuro maldito surgido de la creatividad que solo otorga la demencia, una fusión inenarrable de diversos estilos de metal con verdaderas influencias de música clásica y bordes oscuros.
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Aunque en su discografía oficial este ensamble cuenta diversas participaciones en acoplados (entre las que destaca su aporte a la grabación "Lluvia de Cristales" del compositor Eric Pérez Segura), una antología en DVD y un demo, su historia musical se puede resumir en los tres discos de larga duración que han lanzado hasta el momento. El primero de ellos data del año 2004, se trata de un CD homónimo de siete piezas lanzado por TOAJ Records en formato digipack. La producción no es precisamente la mejor, pero la calidad de la ejecución logró que aquellos oídos más exigentes perdonaran ese detalle para centrar su atención en la innovadora propuesta, que desde entonces incluía en sus piezas tributos a compositores como Schubert, Vivaldi o Händel. Este primer trabajo "formal" cuenta con genialidades como el "Cuento EV" que abre el disco, la imponente "Vena cava", o la luminosa oscuridad de "El juicio". El rostro de la Vecordia estaba delineado, pero aún no mostraba todas las expresiones de las que era capaz.
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Entonces vino la segunda producción discográfica en el año 2007: "Nosferatu", un arriesgado e innovador proyecto que partía de una idea sin precedentes dentro del metal mexicano: musicalizar de principio a fin una de las obras más importantes de la cinematografía mundial, el clásico del expresionismo alemán "Nosferatu: Eine Symphonie Des Grauens" (Friedrich W. Murnau, 1922). La música compuesta para este fin está basada en su totalidad en la película, y fue creada especialmente para acompañar la proyección de la misma. Por supuesto, dicha partitura es instrumental en su mayoría, apoyada eventualmente por algunas emisiones vocales que subrayan la intención de ciertos fragmentos del filme. Tal grabación (realizada en vivo, por cierto) vio la luz en una edición de dos CDs editada por La Orden del Cister y distribuida por Noise Kontrol. El disco cuenta con un elegante arte de portada y aunque hoy en día ya podría ser considerada una obra de culto por su original premisa, seguramente el paso del tiempo le irá concediendo el sitio que se merece dentro de los anales de la música contemporánea mexicana. Escuchar el disco mientras uno ve la película brinda una experiencia deleitosa y gratificante para los sentidos, incluso el espectador se ve forzado a reelaborar sus perspectivas de la cinta, pues la conjunción de los sonidos eléctricos, la batería, la voz soprano y la gutural con los elementos puramente orquestales y sinfónicos, más la perfecta sincronía con las imágenes garantizan un viaje sinigual. Y aunque la música en si misma es más que disfrutable aún sin tener en cuenta la película, la recomendación es escucharse al tiempo que se ve el filme de Murnau.
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Con el experimento de "Nosferatu" queda claro que Exsecror Vecordia es un conjunto que toma muy en serio su nombre ("maldita demencia" es el significado de su apelativo), pero por si tal demostración de genial locura no fuera suficiente, la banda se ha permitido además la licencia de musicalizar espectáculos de danza, teatro y exposiciones fotográficas por igual. Es también esa astuta costumbre de destrozar paradigmas lo que lleva a los Exsecror a crear un comic virtual completamente original que se encuentra disponible en su página web. Un audaz obsequio para todos aquellos que no creen en los límites de la creatividad.
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Actualmente la banda se encuentra promoviendo su nuevo álbum, "Entre los Sueños del Tiempo" (Misha Records, 2009). Se trata de un CD de once cortes en donde nuevamente encontramos esa pasión por los experimentos sonoros, esta vez con una considerable mejoría en la producción que hace que luzca más la madurez de sus negras sinfonías. "Entre los Sueños del Tiempo" es la evolución natural de un ente que cambia constantemente de piel, que muta para develar uno a uno todos los recovecos de su perturbada alma. Ocho de los temas que lo conforman son totalmente inéditos, además de que para la ocasión han sido releídos dos cortes de "Nosferatu" ("Lake of sorrow" y "Hay que gritar la locura que nos mata") y uno de su debut homónimo ("Venérea"). Se ofrece también una composición ("Nunca enterrado") homenaje a Edgar Allan Poe, cuya inclusión no pudo ser más atinada, pues el año de lanzamiento del disco fue también el año del aniversario número 200 del nacimiento del escritor. Al igual que los trabajos anteriores del ensamble, este tampoco es un disco fácil de digerir, puesto que exige compromiso, tiempo y concentración de parte del escucha a lo largo de sus sesenta minutos de duración. Es un disco monstruoso en cuyos laberínticos senderos se corre el peligro de perder toda sanidad. Y es decisión de cada quién saber si toma el riesgo.
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Había una vez ocho bardos nocturnos, ocho modernos juglares que desafiantes transitaban la delgada frontera entre la cordura y la demencia, infaustos amantes que en la vesania encontraban un medio para materializar sus pesadillas: hoy por hoy esos bardos son Troglo Simurgh (clarinete y voz gutural), Nina (corno francés), Gerard (violín y viola), Israel Dream (guitarra eléctrica y clásica), Oscar Lust (guitarra eléctrica y voz), Ricardo Demencia (bajo, teclado y guitarra clásica), Silos (batería y percusiones) y Gloria (voz soprano, aunque en los tres discos citados este rol estuvo a cargo de Amatista). Solo Kronos, en su infinita sabiduría, sabe qué desquiciados prodigios nos tendrán reservados estos conjuradores de sombras, y mientras ese tiempo nos alcanza, lo único que nos queda es abandonarnos a los sueños y gritar la locura que nos mata. ¡Sea pues la Vecordia!

(Web oficial: http://www.exsecrorvecordia.com/)

Nota Final: Días después de la publicación de esta reseña, recibí un correo de Gerard, violinista de la banda, quien amablemente me aclaró un par de puntos respecto a la información que aquí se presenta y que a continuación corrijo: 1. El comic de Exsecror Vecordia fue ideado y creado NO por la banda, sino por un fan que realizó el proyecto a través de Estudios Odeloth, previa autorización de la Vecordia. 2. La alineación actual de la banda excluye a Nina e integra a Rankka en el violoncello. Aclarado lo cual, solo me resta enviar una disculpa a los afectados y un agradecimiento a Gerard por la corrección.

MORBID FEST VIII

2010-07-04T10:54:00.001-07:00

Sábado 3 de Julio de 2010, 18:00 hrs.

Huerta del Stic, San Luis Potosí.

¿Qué decir sobre el Morbid Fest? De sobra sabemos que este festival anual es garantía de calidad, diversidad en estilos de metal, innovación y muestra representativa de bandas de distintas partes de la República, tanto bandas jóvenes como otras ya consagradas. Y este año no fue diferente.

Normalmente a las seis de la tarde el sol hubiera estado en un punto aún alto, pero esta vez un velo de nubes impedía que sus rayos se asomaran, y bajo este panorama Voltax inauguró la tarde con una buena dosis de heavy metal de tradición clásica, lo que de inmediato encendió a las primeras filas que no dejaban de hacer headbanging. Incluso hubo un primer intento de slam iniciado por un jovencito hiperactivo al que nadie hizo segunda: el público estaba disfrutando la actuación de la banda y el adolescente en cuestión estaba un poco desesperado, quizá había comido demasiada azúcar. El caso es que Voltax logró que desde el primer minuto del festival el público empezara a calentarse, y eso ya es mérito suficiente, pues al inicio de cualquier show la gente suele estar algo dispersa. Pero la calidad se reconoce, y cuando tu trabajo lo respaldan cuatro años y dos discos grabados, el público reacciona. Bien por Voltax.

Entonces vino un abrupto cambio de aires. La gente empezó a rotar su alineación: los de mezclilla y cuero que estaban hasta el frente decidieron despejarse un poco y la mayoría de los que vestían terciopelo y encajes comenzaron a acercarse. Nostra Morte pisó suelo potosino por primera vez (recordemos que ellos estaban programados para la edición del año pasado de este mismo festival, pero tras el cambio de fechas por la tal influenza aquello no pudo ser) y era claro que ya habíamos varios esperándolos. Una demostración de buen gothic metal a tres voces que trasladó a escena la montaña rusa de emociones que es su disco debut. Hubiera sido un agasajo escucharlos con el violín en vivo, pero por esta ocasión tuvimos qué conformarnos con las pistas. De cualquier forma la banda encontró aceptación entre la audiencia que coreaba sus canciones y gritaba solicitando sus temas preferidos. "Babel" fue de las más aplaudidas, al igual que "Viaje al centro del infierno" y su cover a "Esquizofrenia", original de Kerigma, pero el rugido mayor se escuchó cuando vino el dramático cierre con "Necrótica". La Familia Mort es un ejemplo de que el gothic metal en México se está renovando y está por tomar un nuevo auge, y aunque se trata de una agrupación joven, desde ya se perfilan como unos de los principales nuevos protagonistas de la escena.

El cambio volvió a ser algo drástico, pues tocaba el turno a Repvblika: una más que saludable conjunción de death y black metal caótico y prolijo que tomó de golpe a los espectadores. El caos de su estruendoso ciclón de inmediato se extendió a muchos de los asistentes que sin previo aviso empezaron la andanada de empujones, golpes, patadas, headbanging y demás. El frontman de la banda se desgarraba las cuerdas vocales mientras los demás músicos destripaban sus respectivos instrumentos. Repvblika es un cierzo veloz que al soplar contagia rabia y ganas de agarrar a golpes lo primero que esté al alcance de la mano. Por algo Mick Kenney de Anaal Nathrakh se interesó en ellos al punto de realizar la mezcla de su disco y de invitar al vocalista a gritar en un tema de "In the Constellation of the Black Widow", el más reciente álbum de los ingleses. Para acabar pronto: hasta el cielo se contagió con la furia de esta banda, pues al finalizar su actuación la lluvia caía a raudales y los relámpagos refulgían en el negro de la noche. Nada más qué decir.

Un festival tan importante como este no podía prescindir de sus acostumbrados stands de mercancía, y aunque en el escenario se presentaba a continuación una banda que muchos consideran legendaria en el metal mexicano, la verdad es que ni a mi ni a mi acompañante nos interesaba mucho ver a Next, así que aprovechamos ese tiempo para pasear por los puestos que ofrecían CDs de las bandas participantes además de un extenso catálogo de discos de metal nacional e internacional, camisetas, accesorios, revistas, gorras, etc. Hicimos nuestras compras, nos surtimos de papas y desde lo lejos presenciamos el alboroto que orquestaban estos viejos lobos del thrash. La gente pedía más y más y la banda se daba vuelo interactuando con el público al cantar temas como "Pelea o muere" u "Holocausto". "Debes morir" coronó su presentación entre ovaciones de una gran parte de los asistentes. La lluvia seguía cayendo y el hombre que atendía el stand de Disgorge parecía estarse muriendo de aburrimiento, aunque tal vez solo fue mi impresión. En fin.

Decidimos reintegrarnos a la multitud con curiosidad por ver qué seguiría en el programa. De todos modos nuestras predicciones para el orden en que tocarían las bandas había valido madres desde el principio. Nos acercamos a las primeras filas mientras en el escenario batallaban por un bajo, y tras resolver el inconveniente, The Legion of Hetheria tuvieron su turno. Debo decir que no soy gran seguidor de esta banda, pero me da gusto reconocer que es una agrupación con una enorme versatilidad que admite influencias de todo tipo en su música. Tocaron temas de sus tres álbumes, y la diferencia entre uno y otro era asombrosa (aunque desconcertante para algunos) al grado de que a veces parecía que se trataba de bandas distintas. El toque doom lo pusieron algunos cortes de su disco debut ("The gate" y "Forever forgotten" sonaron impolutas), y la novedad de su actuación (para mi) fue escucharlos por primera vez con una canción en español llamada "Diciembre". Gótico, doom, heavy, pop, electrónica, rock... todo vale para Hetheria, cuya marca distintiva es la riquísima gama de matices vocales que ofrece al contar con dos vocalistas femeninas (una de coloratura soprano y otra que parece ser contralto, pues por momentos recuerda a Cristina Scabbia de Lacuna Coil) y uno de los mejores vocalistas varones que yo haya escuchado en el metal gótico, pues su portento de voz (y no exagero, juro que esta vez no exagero) le permite hacerse cargo de los grunts, la voz black, registros limpios de tenor e incluso vocalizaciones cercanas al heavy. Y sobra decir que la multitud de combinaciones en los arreglos vocales de esta banda nos brindó una experiencia realmente disfrutable.

Lo que pasó a continuación fue una sorpresa para mi, pues yo casi juraba que Agora serían los últimos de la noche, pero no fue así. Agora subió justo después de Hetheria para beneplácito de una multitud que los esperaba con ansia. La banda es fiel representante de un heavy metal "progresivo" que digan lo que digan a mi simplemente no me gusta. Me consta que muchos estaban ahí esa noche por ellos, pero nosotros no, así que preferimos unirnos a una aburrida minoría que desde atrás esperaba a la siguiente banda. Dicha espera pareció infinita.

El final se acercaba, la gente estaba en plena ebullición y Disgorge no conseguía resolver las fallas técnicas que nos mantuvieron expectantes durante un tiempo mucho más largo de lo habitual (eso sí, nosotros estábamos otra vez en primera fila). Los silbidos y los insultos no paraban de sonar hasta que por fin estos míticos dioses del death estuvieron listos, y pagaron con creces el tiempo que tuvimos qué esperarlos. Aunque su imagen respondía más a una estética propia del black, el ataque de brutal death metal de esta agrupación de Querétaro no dejó títere con cabeza. El slam era impresionante y arrasó parejo, la velocidad de sus temas era inhumana y la crudeza ensangrentada de su estilo dio cátedra de cómo debe sonar la verdadera bestialidad. Después de todo, dieciséis años no pasan en vano, y los Disgorge vinieron a confrontar y a cerrar la boca de todo aquel que lo dudara. Su selección abarcó desde el "Chronic Corpora Infest" de 1997 hasta su más reciente "Gore Blessed to the Worms", y aunque el programa entero contó con invitados de gran calidad, para mi Disgorge fue, sin duda, la mejor banda de la noche.

Desde que se anunció el cartel inicial del Morbid Fest VIII tuve clara mi selección: yo iba a ver a Nostra Morte, a The Legion of Hetheria, a Repvblika y a Disgorge; y como mi lista coincidía con la de mi cansada acompañante, en ese momento decidimos que para nosotros el evento había terminado. Seguía Envenomed, pero no teníamos ganas de verlos. Shredding Consequences estaban anunciados, pero no se presentaron. La lluvia había dado una saludable tregua, así que era el momento perfecto para esfumarnos. Y así lo hicimos.

BENATNASH & SATANOCHIO: "Pandemonium" Split CD (2009)

2010-07-01T09:13:00.000-07:00

PANDEMONIUM: 1. m. capital imaginaria del infierno. 2. fam. lugar en que hay mucho ruido y confusión.

Sin mayor preámbulo, solo diré que este disco le hace absoluto honor a su nombre. Un trabajo que reúne en un solo CD a dos bandas extremas, presentando cada una de ellas un EP con tres cortes. La banda mexicana de symphonic medieval black, Benatnash, es la encargada de darnos la malvenida a este infierno sonoro compartido, y tras un funesto intro, la agrupación empieza a cumplir ferozmente y sin clemencia las profecías de guerra anunciadas en su anterior LP. El renacer pagano tiñe los cielos de negro mientras el ulular de Salaí Ereshkigal enchina la piel y ahoga los gritos de dolor de los caídos. La labor de Deimos a la guitarra se mantiene discreta pero mordaz, al tiempo que el deconstructor Baal Taran escupe con maestría sus horrísonos arpegios. Aplauso de pie merecen esas baterías programadas que demuestran que no todo en el black son blastbeats, más el tratamiento en los teclados y las cuerdas simuladas que refinan su arrogancia melódica. Benatnash está en camino de lograr una cohesión cada vez más firme en su sonido, y esto se demuestra en la unificación de todos los elementos que conforman su música, tan es así que al escuchar los temas (sobre todo en "Demise Manifesto") cuesta trabajo creer que la banda no utilizó un bajo real para sus bases rítmicas. Son solo tres canciones, pero después de escucharlas uno no puede evitar sentir miedo al pensar lo que harán estos monstruos en el futuro.

Toca entonces su turno a los rumanos Satanochio, quienes ofrecen también tres piezas de un black metal del llamado avantgarde lleno de matices: modulaciones vocales que empiezan con susurros y luego estallan en un fragor de alaridos y grunts, medios tiempos que enseguida se vuelven trombas de bestial velocidad, guitarras en tonos bajos que mutan a violentos riffs... y todo sucede en apenas un poco más de veinte minutos (que en realidad son solo diez, pues al final del último tema hay un engorroso silencio de alrededor de 10:35 minutos que solo puede entenderse como una pésima broma de parte de la banda). Dicen que de lo bueno poco, y aunque esta vez los Satanochio se han pasado de minimalistas, lo cierto es que logran su cometido, pues consiguen que el escucha se interese en su propuesta y se quede con ganas de más.

En conclusión, "Pandemonium" es una más que digna carta de presentación para quienes deseen una muestra del poderío de sus dos protagonistas, además de una placentera extensión de sus respectivos sonidos que no defraudará a los que ya son fans de cualquiera de estas agrupaciones. Y aunque yo definitivamente me quedo con Benatnash, en términos globales se trata de un muy buen disco de black (con un exquisito artwork, además de todo) que satisfará a cualquier seguidor de la música extrema que se precie de tener buenos gustos. Garantizado.

Se puede encontrar más información de las bandas en sus respectivas webs oficiales. Satanochio está en: http://satanochio.com/site/, y Benatnash en: http://www.myspace.com/benatnash.

(Nota final: Desde aquí vaya un sincero agradecimiento a Salaí y a Merche -y en general a todo Cytheron Producciones-, quienes amablemente me hicieron llegar una copia de este CD. ¡Saludos chicas, y recuerden que las esperamos pronto por estos lares!).

No le digas MISANTROPÍA, dile solo M...

2010-06-29T09:32:00.000-07:00

En la película "Ghost World" (Terry Zwigoff, 2001), en la escena del baile de graduación, Rebecca le comenta a Enid: "Esto es tan malo que casi es bueno", a lo que aquella contesta: "Es tan malo que pasará por bueno y será malo otra vez". Ni con todo el vocabulario del mundo habría encontrado mejores palabras para describir el estrambótico proyecto de Javier Cantodea Samperio.
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"Misantropía" es el nombre que este muchacho de Aguascalientes elige para dar rienda suelta a sus inquietudes musicales desde el pasado 2006 (pero no le digas Misantropía, dile solo "M"), aunque su primera grabación ve la luz hasta el mes de mayo de 2007; a partir de entonces han sido publicados otros tres EPs en donde se pueden apreciar en todo su esplendor los fabulosos desvaríos de "El siempre puro" Javier Cantodea. ¿De qué constan estos desvaríos? Es difícil decirlo en una sola palabra, pues se trata de una mezcla de electrónica lisérgica que en el día se viste pop y por las noches tiene sueños húmedos con tendencias rockeras y aristas dark. En otras palabras: el medio ideal para transmitir toda la mala leche que este enojado joven lleva dentro de sí.
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Si el amable lector ha tenido el infortunio de escuchar a un adefesio llamado María Daniela y su Sonido Lasser, entonces tendrá un referente más que confiable para darse una idea de los recursos estilísticos en la voz de M, pero una vez más advierto, que no se me malentienda: lo que en María Daniela son irrisorias pretensiones de salir a ganarse el mercado, en M es una irónica y corrosiva burla de evidente intención kitsch, detalle que le da la vuelta al concepto y le otorga el chocante valor que posee. O para decirlo de otra manera: el encanto de la música de M no sería tal si su voz fuera una más "educada". Por definición, la misantropía se trata de la aversión, el rechazo hacia los demás, y por lo tanto un proyecto que lleva el peso de tal nombre no podría sino estar fundamentado en principios, técnicas y estilos a todas luces contrarios a la norma. Entonces, amigo lector, comprenderá usted que lo que encontrará en la música del joven Cantodea será una infinita secuencia de "antis" elegantemente dibujados: electrónica anti-electrónica, una técnica de canto anti-técnica (o anti-canto), letras de estructura anti-estructura, referencias dark que ofenderían a los mismos dark, y así hasta el infinito; cosa que me hace pensar en la cizañosa validez de un proyecto como este: Misantropía es la encarnación de la anti-música hecha música, lo cual puede ser tan bueno o tan malo como cada quién lo quiera ver. Puede gustar o no gustar, pero no se puede escapar al hecho de que, una vez que se le ha escuchado, uno ha caído totalmente ante las negras intenciones de su autor: si te gustó, misión cumplida, M ha ganado. Si no te gustó, también.
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La decisión es suya, amable lector, y las noticias son buenas: toda la música de este joven autor está disponible para su descarga gratuita y legal a través de la web de Jamendo. Para muestra dejo a continuación uno de sus temas perteneciente al EP "Misantropía" (Mayo 2007) y titulado "Sabiduria Etterna":

Catálogo de música libre

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El camino para acceder a este y otros de sus discos se encuentra en la web www.jamendo.com/es/artist/misantropia, donde se encuentran alojados además el oblicuo "Hazme desaparecer EP", el misógino pero divertidísimo "Eres una puta EP" y el retozón single "Baila conmigo". Para mayor información y/o contacto con el anti-autor, dirigirse a www.myspace.com/misantropa.
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Y no le digas Misantropía, dile solo "M"...
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45 GRAVE: "Sleep in safety" (1983)

2010-06-23T12:37:00.000-07:00

Nunca me voy a cansar de buscar discos en los cajones de rebajas. Mientras que los estantes de novedades se infestan con copias y copias de álbumes insulsos a precios estratosféricos, los humildes cajones con la etiqueta de "botadero" guardan tesoros listos para ser descubiertos por cualquiera que tenga la suficiente paciencia para hurgar uno por uno todos los discos que allí se encuentren. Y ni falta hace decir que los precios suelen ser ridículamente bajos. Comento esto porque al parecer las sorpresas que me brindan estos lotes son cada vez mayores, tanto que de no ser por ellos no habría accedido a discos tan maravillosos como el que ahora nos ocupa.

45 Grave, banda liderada por la estrafalaria Dinah Cancer, ha sido un pilar fundamental en la historia de la música gótica (atención, estoy hablado de los orígenes REALES del goth, y no de esa fusión tan popular -aunque no por ello mala- en el mundo del metal que hoy conocemos como "metal gótico"), y la propia Dinah es hoy por hoy una de las grandes madres del género, lugar que quizá solo pueda compartir con Siouxsie Sioux. Atención buscadores del eslabón perdido, la pieza que une a Bauhaus, Joy Division y los Banshees con Christian Death, Specimen y las bandas posteriores del deathrock está aquí. Su testimonio musical más importante es éste, su único larga duración lanzado originalmente en 1983 y reeditado en CD diez años más tarde por los héroes de Restless Records. "Sleep in safety" es una auténtica perla negra mezcla de horror punk, deathrock y genuino goth.

Desde los primeros acordes de la abridora "Insurance from God", el escucha queda atrapado en esta telaraña sónica que como el cáncer se extiende maligna y silenciosamente en el subconsciente de quien se atreve a experimentarlo. El genio creativo de Dinah, Don Bolles y Paul Cutler alcanza momentos sobrecogedores en piezas como "Partytime", en donde se relata de modo tan festivo como espeluznante la historia de una pequeña de cinco años, violada y asesinada al grito de "Do you wanna party? It´s partytime!". La magia del asunto es que esa sordidez es resuelta con un negrísimo humor que prevalece en la mayor parte del álbum, y quizá sea precisamente eso lo que distingue a 45 Grave de otras bandas del mismo estilo: su habilidad para no tomarse a si mismos tan en serio, rasgo que paradójicamente les otorgaría casi en automático ese estátus de culto que otros se esfuerzan en lograr vía la pretendida adustez.

Si tomamos lo anterior y complementamos la fórmula con el sonido característico del (entonces naciente) post-punk, un bajo fúnebre y teclados de película de terror ochentera, podemos aproximarnos al funambulesco resultado: una obra maestra del rock gótico de todos los tiempos, que tristemente ha sido ignorada por hordas enteras de adolescentes "góticos", de esos que tienen prisa por vivir su post-modernidad, de esos que esperan con ansia la preventa del nuevo disco de Lacuna Coil, de esos a los que les da hueva volver la vista al pasado, o peor aún: de esos a los que no les interesa el pasado. Una verdadera lástima.

Para que en su próxima visita a la tienda de discos no pasen de largo por el cajón de rebajas.

(Web oficial de Dinah Cancer: http://www.dinahcancer.net)

ABRUPT en San Luis Potosí

2010-06-21T09:54:00.000-07:00

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Sábado 19 de junio de 2010, 19:00 hrs.
Huerta del Stic, San Luis Potosí.
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Esa noche andaba un poco perdido por causa de situaciones ajenas a mi voluntad. El ambiente y los preparativos pre-concierto que ya son una costumbre personal habían dado un drástico giro esta ocasión y fluctuaban de más a menos en cosa de minutos. Por si fuera poco, la situación se tornó aún más bizarra cuando a las afueras del lugar de los hechos, poco antes de entrar, una madura y desesperada salvadoreña me hizo una invitación harto provocadora que en ese momento me pareció intrascendente dada mi condición de cuasi-ausencia terrenal. Ya iba tarde así que no le presté mucha atención, compré mi boleto y me dirigí a la entrada mientras ella se quedó farfullando no sé cuántas cosas que no alcancé a entender.

Llegué, y al no encontrar por ningún lado a mis conocidos (ya más tarde aparecerían) decidí colocarme en primera fila para ver a los recién subidos Zoanthropic Paranoia. Ya me había perdido a las dos bandas iniciales y parecía que esta tenía problemas con sus instrumentos así que preferí sentarme y ver desde lejos el alboroto que causaron entre la gente que festejó su actuación. Buen death-grind con canciones más cortas que las pausas entre tema y tema, tal y como debe ser en este incomprendido género. Siguieron al número dos escuadras ya conocidas por muchos y celebradas por otros tantos. Dominus Sathanas (ahora sí con maquillaje) y Spite Suicide (con el desparpajo de siempre) hicieron sus respectivas apariciones, causaron su respectivo furor, recibieron sus respectivos aplausos y cedieron terreno a Flakvierling, con su death metal y su parafernalia digna del mejor mal gusto (en el buen sentido, pues su música suena fuerte y bien hecha). Siguió All Day Hatred cuando me percaté de que mis acompañantes habían llegado. Yo ya había dado varias vueltas por el lugar, había comido papas, había bebido un poco (más), había platicado con el grupo estelar de la noche (resultó que nuestra Heather hablaba un muy buen español y estuvo toda la velada junto a la barra de bebidas vendiendo material de su banda), había tomado varias fotos (se las debo, por cierto, me dio flojera subirlas), había recibido unos cuantos empujones entre el slam y fue solo después de cuatro bandas que encontré a los susodichos. Saludos, preguntas de cortesía, bla bla bla y los ánimos del público subían considerablemente al son de los Hatred. Cerraron la ronda de bandas locales los multiaclamados Khabra. Como siempre, me quito el sombrero ante ellos, al igual que muchos que acostumbran desnucarse con abnegada pasión cada que el violento trío sube a escena. Sin palabras.

Algún intoxicado amigo me comentó al principio de la noche (tan articuladamente como el nivel etílico en su sangre se lo permitió) que él había acudido para ver a Antimaster. Después del tiempo que llevábamos ahí no dudo que haya quedado bastante conforme, pues a pesar de que no son lo mío, reconozco que la banda calentó el foro e hizo que la gente soltara tantos golpes y patadas como les fue posible. Una presentación sin un solo 'pero': buena música, buena ejecución y muy buen volumen. Recuerdo haber visto antes a Antimaster aunque no recuerdo en qué evento, pero en lo que a esta ocasión respecta, estoy seguro de que no decepcionaron a nadie. Ojalá que el sujeto antes mencionado haya estado lo suficientemente lúcido a esas alturas para disfrutar de su banda.

La güera Heather había dejado el stand de discos y camisetas. Ya había platicado amablemente con todo aquel que se le acercó, había accedido a no sé cuántas fotos con no sé cuántos de nosotros y seguramente había vendido algunos CDs y playeras (yo compré mi LP 12", pues me pareció una curiosidad irresistible) y ahora le tocaba subir a desgañitarse para el público potosino. La rubia voz de Abrupt espetó sus rasposos gorgoritos a ritmo de punk y hardcore. Admito que desconozco prácticamente cualquier cosa que tenga qué ver con la escena punk actual (a diferencia de algunos asistentes que gritaban secundando a Heather en cada tema y que parecían comulgar al cien por ciento con el estilo de la banda) pero la propuesta de los de San Francisco me gustó, me hizo sacudir la cabeza, me hizo volver a la tierra después de andar divagando un buen rato, me hizo entrarle al slam y me hizo comprar el LP. Como siempre no faltó alguien (cuyo CI calculo menor a 25) que gritara tonterías a la cantante, quien se limitó a esbozar una sonrisa desdeñosa seguida de un seco "cálmate" ampliamente celebrado por el público. Fuera del incidente, la actuación de Abrupt fue justamente eso: abrupta, escarpada, áspera, ruda y fugaz como la duración de sus canciones. Una buena y ponedora banda que brindó un show intenso, de esos que parecen hechos para destrozar tímpanos, dislocar cuellos y repartir golpes sin miramientos. Y así de abruptamente llegó el final.

Para ese entonces yo ya estaba de regreso en el planeta tierra, me encontraba satisfecho además de algo cansado. Me despedí de los conocidos, vi la hora, compré otras papas, me enfilé hacia la salida, recordé a la salvadoreña y me doblé de la risa.

Rob Zombie presents: The words & the music of Frankenstein (1999)

2010-06-08T10:12:00.000-07:00

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De vez en cuando al señor Rob Zombie le vienen buenas ideas a la cabeza, y no es que deteste su música ni que lo odie por haber despedazado el bonito cuento de "Halloween" con su pobre remake (quizá su idea de un tributo a un filme slasher sea precisamente despedazar, metafórica y literalmente, la película en cuestión), pero en este caso estamos hablando de una idea REALMENTE buena: reunir en un solo CD fragmentos significativos de los diálogos de tres películas fundamentales para cualquier amante del cine de terror: "Frankenstein" (el original de 1931, dirigido por James Whale), "La novia de Frankenstein" y "El hijo de Frankenstein".
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¿Qué mérito tiene esto? se preguntarán algunos escépticos, y probablemente mi respuesta no les resulte del todo satisfactoria, pues aquí no hay mucho que comentar desde el punto de vista musical (de hecho, este NO es ni por asomo un disco de música, sino una recopilación de clips de audio de las cintas mencionadas: frases, diálogos, etc.), pero el encanto de este CD es justamente su llana pretesión de no ser más que un fetiche irresistible para cualquier nostálgico del viejo cine de terror, lanzado con el pretexto de rendir homenaje a las obras ya citadas. Además, armar una compilación uniendo piezas sueltas de tres películas distintas es, en si misma, una acción que homenajea fielmente a la esencia de la historia de Frankenstein. No obstante, si alguien compra este disco con la esperanza de descubrir canciones o música nueva de Rob Zombie se va a llevar una enorme decepción, pues el contenido del plato se advierte desde su título: "The words and the music of Frankenstein"; en otras palabras: esto no es recomendable para quienes estén buscando ampliar sus horizontes musicales.
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No estoy muy seguro de si este blog sea el lugar apropiado para comentar un disco cuyo contenido musical es prácticamente nulo (a excepción de fragmentos de la banda sonora de las cintas), pero quise publicarlo porque sigue siendo un consentido de mi colección. En todo caso, esto simplemente es lo que es: un producto dirigido exclusivamente a fans del género o de la saga, quienes muy seguramente experimentarán más de un orgasmo con el fino diseño en digipack, la reproducción de los carteles originales, las notas interiores y las chingonsísimas fotografías de producción incluídas en el booklet (algunas de ellas previamente inéditas). Todo un objetito de culto, para freaks, dirán algunos, pero objeto de culto al fin y al cabo.
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Si eres fan de los monstruos y el horror, ya te estás tardando en comprarlo.
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JACK OFF JILL: "Clear hearts grey flowers" (2000)

2010-06-03T10:12:00.000-07:00

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¿Y si de pronto, mientras te comes tu algodón de azúcar, notas que de su interior comienzan a brotar decenas de arañas? ¿Y si descubres que el hermoso jardín de tu vecina es abonado con cadáveres humanos? ¿Y si un día encuentras a tu sobrinita escondiendo navajas dentro de sus osos de peluche? ¿Y si al darte cuenta de todo esto, te sorprendes experimentando un placer morboso al tiempo que un escalofrío recorre tu espina dorsal? Entonces estás listo para Jack Off Jill.
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Quienes conozcan el anterior trabajo de esta banda de Florida, el sensacional "Sexless demons and scars", difícilmente habrán podido olvidar la perturbadora tonada que entre berridos de "I would never make it better, it will always hurt you fuckin' asshole!" emana de un macabro piano al final de la última canción de aquel CD. Pues bien, como si de una prótesis añadida a un muñón se tratara, este "Clear hearts grey flowers" (que el próximo mes de julio cumplirá una década de existencia) arranca justo donde el anterior se quedó. El tema abridor, "When I am queen", inicia con ese mismo piano y esos mismos gemidos para demostrar que las segundas partes pueden superar a la obra original.
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Jessicka y sus secuaces escribieron su epitafio con este álbum que desafortunadamente marcó el fin de la banda, pero lo hicieron con letras mayúsculas, pues esa inocencia con esquirlas asesinas que abunda en su primer disco, se refuerza con inquietante sutileza en esta segunda obra. Donde antes había bramidos enfurecidos, ahora hay susurros de ingenuidad envenenada. Claro que no se dejan de lado las vocalizaciones agresivas (ahí está la ya mencionada "When I am queen" o la despiadada "Author unknown"), ni las potentes líneas de bajo coqueteando con lo nu-metaloso, pero digamos que estas flores grises terminaron por contaminar su hardcore con toda la ponzoña de la que el rock gótico es capaz. Las guitarras acústicas encuentran un espacio más que cómodo en este disco, brindando una riqueza de la que carecía su primer trabajo, y las letras continúan asemejando fábulas cándidas e infantiles, de esas que detrás esconden las más oscuras atrocidades. Llama también la atención que se atreven a hacer un cover (muy bien logrado, todo sea dicho) a "Lovesong" de The Cure, incluido en la pista número 66 del disco a modo de bonus track.
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Es una lástima que después de "Clear hearts grey flowers" Jack Off Jill (¿a poco no es un nombre encantador para una banda?) haya muerto, pero es una suerte que nos hayan dejado en herencia sus flores marchitas y sus deliciosos frutos podridos. Un disco para papás que gusten de arrullar a sus niñas muertas, o para niñas que gusten de asesinar a sus papás. Un disco para hombres amantes de mujeres sin corazón, o para mujeres que devoran corazones de hombre. Un disco para carnavalizar panteones o para panteonizar carnavales. En todo caso, un disco de pura ternura.
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NOSTRA MORTE: "Un cuento antes de morir" (2009)

2010-05-24T10:47:00.000-07:00

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"Burton metal", fue la primera definición que me vino a la mente tras escuchar por fin el disco debut de Nostra Morte, y es que esta ingeniosa banda comparte con el cineasta hollywoodense la facilidad para dibujar mundos de fantasía teñidos de sombras. Tan es así que a lo largo de "Un cuento antes de morir" es persistente la sensación de que quienes están cantando son personajes como Jack Skellington, Victor Van Dort o la propia Novia Cadáver.
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Desafortunadamente es muy fácil darse cuenta de que en el submundillo gótico pulula una horda salvaje de grupos con pretensiones de solemnidad que llegan a rayar en lo ridículo, y creo que el atractivo principal de Nostra Morte es que logran sortear esa barrera con una visión lúdica que otros en su lugar evitarían con prejuicioso temor. Estamos en pleno siglo XXI y nuestro mundo parece ser cada día más caótico y cruel, razón por la cual el solo hecho de pretender (como hacen muchos, aunque afortunadamente no todos) restaurar los valores e ideología propios del romanticismo es, cuando menos, ingenuo. La propuesta musical de Nostra Morte acepta esa parte inocente, soñadora y hasta tierna que subyace tras la fingida y tan desgastada seriedad del así llamado "movimiento gótico", y gracias a eso consiguen un sonido definido, fácilmente reconocible entre las bandas del montón.
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La banda originaria de Nayarit ha decidido tomar por las riendas los estereotipos que rodean a la cultura oscura y dramatizarlos con una teatralidad que fascina por su extravagancia. Donde otras bandas se toman el disfraz con rigor de fundamentalista, Nostra Morte juega con él hasta construir un universo propio plagado de ensueño. ¿Sobreactuado? sí, ¿lleno de excesos? también, pero la gran diferencia la hace la intención: esto es un cuento, un escape momentáneo por vía de la imaginación, y no un patético intento de utilizar todo ello para sustituir al mundo real. De ahí que se perciba una conexión entre la música de la banda y las cintas de Tim Burton, pues la suntuosidad del disfraz no merma la accesibilidad de la propuesta sino todo lo contrario: la torna digerible y refrescante.
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Bienvenidas entonces las orquestaciones pomposas, bienvenidas las exageraciones vocales, bienvenidos los coros operísticos y los arreglos de teclado, bienvenida la sobreproducción y las letras melodramáticas que con su ágil inventiva se apartan hábilmente de la aburridísima autocomplacencia de tantas otras bandas del mismo género. Atención orejas hartas de pan con lo mismo, mucha atención a maravillas como "Llora inquisición", "Una idea tocó mi almohada" o la negrísima tragicomedia de "Necrótica". Con "Un cuento antes de morir", la Familia Mort ha creado una obra fundamental que, si existe algo de justicia, debería cuando menos sacudir de su modorra al cada vez más estancado movimiento oscuro mexicano. Cuídate, Anabantha.
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(Web: http://www.myspace.com/nostramorte)
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JULIETA VENEGAS: Mucho más que un buen invento, su música es otra cosa.

2010-05-15T20:01:00.000-07:00

A mediados de la década de los noventa México fue testigo de uno de los movimientos musicales más prolíficos en la historia reciente del país. De la noche a la mañana, la llamada "avanzada regia" se apoderó de las estaciones de radio, los canales de televisión y los estantes de las tiendas de discos. Repentinamente la ciudad de Monterrey comenzó a parir bandas y más bandas, y aunque la mayoría de ellas partían de un sonido similar, poco a poco cada una fue trazando su propio camino y buscando su propia definición, unas con mejor fortuna que otras. El caso es que el calendario marcaba 1997 años, y entre Controles Machete, Zurdoks, Plastilinas Mosh, Molotovs (aunque estos últimos no son regiomontanos) y demás nuevas bandas, la escena del rock en México parecía estar dando vueltas y vueltas en torno a los mismos sonidos.

Entonces sucedió algo inesperado. Directamente de Tijuana (quizá de donde menos lo esperábamos) llegó una tímida muchacha con pinta de darqui y un acordeón en su espalda. Se llamaba Julieta Venegas, y su currículum denotaba experiencia previa en bandas como Tijuana No, La Milagrosa, Chantaje y Lula. Sin embargo, esta vez la tal Julieta no venía con una banda detrás: venía ella sola. Ella, su acordeón y un puñado de canciones densas, amargas, estremecedoras y cargadas de una poesía personalísima. Su primer disco salió al mercado precisamente en 1997, y lo que proponía estaba muy lejos de parecerse a cualquier otro proyecto musical que sonara en el país por aquel entonces. "Aquí", es el título de este primer trabajo, un dramático cuaderno de confesiones musicalizado con barrocas melodías de acordeón, clarinetes, pianos y cuerdas, todo sobre la base de guitarra, bajo y batería. La enérgica voz de la cantante era más honesta que buena, pero de una frescura que se agradecía. La carta de presentación de Julieta fue el sencillo "De mis pasos", tema que aún sigue ocupando un espacio en sus conciertos, a pesar de que pocos son quienes la recuerdan en su versión original. "Aquí" es un disco alucinante, una obra de esas que aparecen muy de vez en cuando en el panorama rockero nacional, y como todo lo "raro", en su momento no atrajo mucho la atención de la gente. Aún rememoro con agrado unas líneas que leí en algún lugar de la web, en donde alguien definía este trabajo como "uno de esos discos que sí pueden llevar con orgullo la leyenda que dice 'el disco es cultura'". Totalmente de acuerdo.

Pasaron los años y fue hasta entrado el 2000 que la aún misteriosa Julieta nos trajo un nuevo trabajo. "Bueninvento" dio un giro experimental a lo que de entrada ya era un estilo poco ortodoxo. Las guitarras fueron las grandes protagonistas en esta segunda obra, aunque sin dejar de lado sus excéntricos arreglos que lo mismo revestían una canción de dramatismo que de trágica oscuridad. Las letras se mantenían inquietantes y las atmósferas complejas. El que lo dude puede escuchar la angustiante "Casa abandonada", o el mortificado abatimiento que emana de "Voluntad" o de "Flor". Julieta dejó claro que sus intenciones musicales eran hacer lo que le viniera en gana, pues con "Bueninvento" arriesgó; y aunque el resultado no fue muy exitoso mercadológicamente hablando, lo que sí es innegable es el exquisito valor artístico del CD. Recuerdo perfectamente cuando la Venegas vino a presentar el álbum a San Luis Potosí, ante una audiencia de no más de unas ciento cincuenta personas. Un concierto íntimo, personalísimo y acogedor (nada qué ver con los shows que ofrece hoy en día ante estadios repletos hasta el tope) que tiene un sitio de honor en mi memoria.

Entonces vino la etapa que significó la mayor revolución de Julieta. Tres años después del espeso "Bueninvento" apareció la cara opuesta de la moneda. Una sonriente Venegas vestida de novia atrajo la atención de las radiodifusoras, los medios de comunicación y el gran público. "Andar conmigo" fue la canción que lanzó a la otrora enigmática cantante a las masas. Muchos de sus primeros seguidores no le perdonaron el cambio, pues para este tercer disco (de título "Sí") Julieta dejó correr la miel, dejó florecer las canciones y se abandonó a los dulces encantos de la primavera. Diez cortes de un fulgoroso pop con adornitos electrónicos y acordeones coquetos, un look amigable y una actitud "donas bimbo" le dieron nuevos aires a la tijuanense. Las puertas empezaron a abrirse, la popularidad llegó a raudales, los nóveles fans pensaban que se trataba de su primer disco, los viejos fans estaban desconcertados y unos pocos simplemente callaron y decidieron darse la oportunidad de aceptar la nueva faceta de la inventiva acordeonista. Hoy, a siete años del impacto de "Sí", este permanece como uno de los mejores y más ingeniosos álbumes de pop que se hayan creado en nuestro país en la última década.

Luego llegó otro momento crucial. El cuarto disco sería el definitivo para ver si Venegas elegía continuar por el sendero que le dio la fama o retomar sus oscuros orígenes. Pero en lugar de inclinarse por una de las dos opciones, la chica maravilla optó por hacer algo aún más complejo: a su rozagante y saludable pop le añadió uno que otro ritmo con resabio a trópico, melodías campiranas, aromas de tango, destellos de rap y mucha imaginación. Si el anterior disco era la primavera, entonces "Limón y sal", del 2006, es algo así como el verano agonizante, ese que todavía conserva días soleados y agradables, pero que comienza a mostrar tonalidades ocres y que sorprende lo mismo con vientecillos frescos que con ocasionales lloviznas. Julieta abandonó la amargura, sí, pero también el dulce engolosinante, y lo hizo en aras de un sabor agridulce que se aprecia en todo su esplendor en canciones tan buenas como "No seré", "Primer día" o "Mírame bien". Y eso sin mencionar que se confirmó como una de las mejores letristas del país, pues aunque el tema recurrente en "Limón y sal" es el amor, el punto de vista de Julieta es ingenioso y sorprendentemente maduro: no se trata de las típicas canciones de amor dependiente o irracional, sino de un amor saludable, partidario de la filosofía de vivir con plenitud los momentos agradables y evitar los anclajes innecesarios. "Canciones de amor", "Me voy" o la homónima "Limón y sal" son ejemplos perfectos de letras inteligentemente construidas. Quizá es este uno de los puntos que yo más le aplaudo al citado disco.

Para ese entonces la Venegas ya era más que popular. Su fama ganada a pulso la llevó a ser reconocida prácticamente por todo el mundo aún a pesar de la escasa difusión que a la fecha tienen sus dos primeras obras. Dos años pasaron desde el triunfo de "Limón y sal" y 2008 le gustó a Julieta para grabar su esperado primer álbum en vivo: "MTV Unplugged". Es por todos bien sabido que para muchos músicos los unplugged son pretextos perfectos para mantenerse presentes en el mercado sin esforzarse por ofrecer novedades, ya que en repetidas ocasiones tales discos son solo una colección de éxitos en versiones descremadas. Afortunadamente este caso fue diferente. El desenchufado de Julieta es un verdadero deleite que merece ser escuchado con toda atención, preferentemente con un buen par de audífonos que permitan apreciar a detalle todos los ingredientes que le dan forma a las canciones. La creativa tijuanense eligió once de sus mejores composiciones (abarcando toda su discografía), las desbarató y las volvió a tejer con una sensibilidad rimbombante de aires gitanos, amén de haberse rodeado de un bonche de talentosos colaboradores, arreglistas y artistas invitados que van desde el prestigiado Cuarteto Latinoamericano hasta la niña genio Natalia Lafourcade. Por si esto fuera poco Julieta escribió para la ocasión cuatro nuevos temas que también se incluyen en el álbum. El resultado es sencillamente espectacular, pues aunque se trata de viejos temas conocidos, en realidad parece que lo que oímos son canciones completamente diferentes a las originales, detalle que pocos logran y que no deja de agradecerse. ¿Cómo consiguió Venegas este efecto? A base de pianos, cuerdas, banjos, clavinets, percusiones, trompetas, flautas, xilófonos, clarinetes, saxofones, tubas, acordeón... Oír para creer. Y para colmo de lujos, el álbum se lanzó a la venta como disco doble incluyendo el concierto completo en DVD. Alucinante, tanto como su elegante portada.

Finalmente, hace cosa de unos meses acaba de develarse la obra más reciente de Julieta: el bucólico "Otra cosa". Parece que a nuestra amiga le sentó bien la experimentación con instrumentos acústicos pues durante todo el disco se aprecian chispitas de aquella fiesta que fue el unplugged. La diferencia es que aquí los sonidos son más reposados. Festivos, sí, pero con parsimonia, con una calma que mesmeriza suavemente y pone de buenas. Actualmente se escucha el primer sencillo "Bien o mal", y con todas sus bondades, no se trata ni por asomo de la mejor pieza del CD, pues se queda corta ante la ternura de "Revolución" o los retozos de "Original", por mencionar solo dos de las canciones mejor logradas del álbum. Sin temor a equivocarme me atrevería a decir que "Otra cosa" apenas empieza a arrasar, pues una vez que cobre mayor fuerza (quizá después de lanzar otro sencillo) confirmará lo que ya venimos diciendo desde hace varias líneas: que México tiene en Julieta Venegas a una de sus mejores y más creativas artistas, de esas que dignifican y redefinen sin temor el significado de la palabra POP.

(Web: http://www.julietavenegas.net/)

(Nota final: Para los más osados existe mucho material de Julieta que no forma parte de sus discos de estudio, entre los que se cuentan canciones tributo [a Los Tigres del Norte, a José José, a José Alfredo Jiménez, a Soda Stereo, a Joaquín Sabina y un largo etcétera], colaboraciones [Con Celso Piña, con Control Machete, con Diego Torres, con Miranda, con Nacho Mastretta y otro largo, larguísimo etcétera], temas para soundtracks [Amores perros, Perfume de violetas, Demasiado amor, En el país de no pasa nada, Asesino en serio...] y otras monadas que muestran lados poco conocidos de la inquieta Venegas. Si se tiene el tiempo, la disposición y la paciencia suficiente para buscarlas, vale la pena.)

OMAR TORREZ BAND: El hombre del corazón de perro aulló en San Luis Potosí

2010-05-03T14:52:00.000-07:00

Domingo 2 de Mayo de 2010, 20:30 hrs.

Plaza de los Fundadores, Centro Histórico, San Luis Potosí.

Y por fin llegó Omar Torrez a tierras potosinas. Después de estar anunciado en el programa de la edición anterior del Festival San Luis, y tras la cancelación de aquel por causa de una cosa llamada influenza AH1N1, tuvo que transcurrir todo un año para que los vertiginosos dedos del buen Omar pudieran mostrarnos sus malabares con la guitarra. Poseedor de motes que lo califican como descendiente directo de Hendrix o de Carlos Santana, Torrez ha conseguido hacerse de un nombre propio en el mundo de la música que cada vez le va develando un nuevo tramo del camino que por derecho ya le corresponde. Ante un público atento y emocionado, el guitarrista y su banda detonaron su estallido de ritmos: la herencia latina amalgamada con lo gitano, con el flamenco, con el rock, con el blues. Ningún ritmo escapa a las virtuosas fusiones de la Omar Torrez Band.
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Cálido y entregado, con un saludo en español, lo primero que hizo el músico fue develarnos los lastimeros gruñidos de su Corazón de Perro, en una versión íntegramente adaptada al castellano que aún así rezumaba un inconfundible aroma a Tom Waits. Apenas llevaba una canción y ya tenía al público en el bolsillo; a partir de ahí todo fluyó con naturalidad. Una cosa llevó a la otra, los temas se sucedían uno a uno y la gente gritaba, chiflaba y aplaudía cada vez con más entusiasmo. "Whiskey in the morning" se convirtió en "Tequila in the morning" por mayoría de votos de los asistentes, con "Marina" nos hizo cantar y reir, mientras que su lograda versión de "La llorona" enchinó la piel con su excepcional arreglo y ese diálogo musical entre Omar y el segundo guitarrista.

En todo momento el intérprete se mostró interactivo con la gente, platicando las anécdotas que rodean a sus canciones o simplemente incitando a dejarse arrastrar por la fiesta de sonidos que nos estaba ofreciendo. El repertorio de esa noche se basó en su mayoría en el disco más reciente, "Corazón de Perro", así que el señor Torrez nos hizo gozar con una versión algo más rápida de "Rich man", nos llevó de paseo con la beatlesca "A beautiful ride" (a la cual presentó como "una canción sobre el fin del mundo") y nos compartió su nostalgia por nuestro país con "Mexican home" (enorme canción del enorme John Prine, adaptada al peculiar estilo de Omar y sobre la cual nos confesó su predilección por tratarse de una de las favoritas de su difunto padre). Casi hacia el final enlazó las notas de "Señorita" con la instrumental y aflamencada "La danza", y tras deleitarnos con más de esos sonidos cosmopolitas que solo sus galopantes dedos pueden extraer a las seis cuerdas, se despidió entre la ovación general de un público más que satisfecho. Muy seguramente esa noche Omar se ganó a pulso varios nuevos fans.

Y como no podía partir sin brindarnos el obligado encore, a los gritos de "¡otra, otra!", la banda regresó a escena para cerrar la fiesta. La canción seleccionada para la despedida no fue otra que la riquísima "Home", lo cual sonó bastante lógico a la voz de "you see, it´s very late and I´ve got to go back home". Un tema humorístico, bonachón y despreocupado que iluminó aún más la enorme sonrisa con la que la mayoría de los presentes volveríamos esa noche a casa.

"It must have been a beautiful ride", canta el señor Torrez en uno de sus temas. Y esa noche definitivamente lo fue. ¡Vaya si lo fue...!

(Web: http://www.omartorrez.com)

UMALALI en San Luis Potosí

2010-04-28T14:22:00.000-07:00

Martes 27 de abril de 2010, 18:30 hrs.

Plaza de Aranzazú, Centro Histórico, San Luis Potosí.

Hay voces que calan hasta los huesos. Voces de belleza pura, cruda, desnuda. Voces hechas de tierra, labradas por la vida misma. Voces que en cada nota dejan trozos de carne y soplos de lo más hondo del espíritu. Voces que ríen, que celebran y bailan, pero que también sangran, sudan y lloran. La voz de las mujeres garífunas de Sudamérica, representadas por Umalali, da cuenta de todo esto y más, y lo hace con una intensidad estremecedora que hace retumbar a cualquiera que las escuche.
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El proyecto Umalali (palabra que significa "voz" en lengua garífuna) nace de la mano de Andy Palacio a finales de la década de los noventa, y desde entonces el mundo entero ha vuelto sus ojos y sus oídos a esta cultura. El proyecto de las mujeres Garífuna se presentó ayer por la tarde en San Luis Potosí como parte de la décima edición del Festival de la Ciudad, trayendo consigo toda la magia y la potencia de sus robustas canciones. Lo que los asistentes pudimos escuchar fue una fusión única de ritmos caribeños coloreados con punta, parranda, música africana y hasta pinceladas del blues más rudimentario (algunos matices me recordaron fuertemente la música de Ali "Farka" Toure). Con todos estos ingredientes en el caldero, los distinguidos visitantes estrujaron las almas y los corazones de quienes tuvimos el honor y el gusto de presenciar su arte esa tarde. Sofía Blanco, Desere Diego y Marcela Torres nos regalaron libre y sinceramente lo más sagrado de su esencia, las raíces más profundas de su tierra y de su cultura. Nos hicieron partícipes de sus alegrías, su dolor y sus tristezas emitidas en cantos sobrecogedores y silvestres. Una muestra de sencillez y nobleza que de tan hermosa, duele.
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Las tres intérpretes acompañadas por una banda de afables músicos cantaron y bailaron durante hora y media con la pasión y el temple de quien ha sido forjado por el mundo real, un mundo que carece de maquillaje y de artificios, un mundo que lo mismo ofrece las maravillas más indescriptibles que la crueldad más desgarradora. Las conversaciones con los nietos, el trabajo de parto, la enfermedad, la furia de la naturaleza, las bendiciones de la Tierra Madre, las noticias tristes, el amor, la alegría, la esperanza... todo puede servir de inspiración para que estas voces de trueno lancen a los cielos su estruendosa invocación a la vida, una vida que valientemente han decidido encarar con todas sus implicaciones, con la convicción de transformar en canto y baile hasta los dolores más penetrantes, porque todo es suceptible de volverse una vibrante melodía en las gargantas de Umalali: poesía del alma para el alma.
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Más que un simple concierto, toda una sacudida al espíritu.
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(Web: http://www.cumbancha.com/albums/umalali)

(Nota final: Mención aparte merece el disco homónimo de Umalali, una colección de temas que capturan en cuarenta minutos toda la magia de la que ellas son capaces. El CD viene en una lujosa presentación en digipack, y contiene un booklet de 36 páginas con las letras de todas las canciones en lengua garífuna y en inglés, con notas introductorias a cada tema, fotografías y una sección multimedia con alrededor de treinta minutos de video, entrevistas, tomas de estudio, diapositivas, etc. En pocas palabras: un verdadero deleite. El disco se consigue en la web oficial del grupo.)

LADY TERROR: "Renacer" (2006)

2010-04-24T12:15:00.000-07:00

Lo voy a poner de esta manera: Imaginemos una casa en donde viven tres adolescentes enojados. En una tarde normal, cada uno está encerrado en su respectiva habitación con su respectiva música a todo volumen. El primero de ellos está escuchando a las Ultrasónicas, el segundo a Ex (esa fabulosa banda chilena liderada por Colombina Parra) y el tercero a las Jack Off Jill. En la sala de la casa, donde se mezclan y se confunden todos los sonidos antes mencionados, se encuentra la prima emo (que está de visita) escribiendo en su diario historias de dolor, odio y desamor.
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Si el amable lector consiguió imaginar la dantesca escena, entonces también ha logrado imaginar a qué suena este CD. Lady Terror es una banda mexicana conformada por Carmina Beltrán (guitarra, voz, gritos y composición), Omar aparentemente-sin-apellido (guitarras), Aldo Liberata (bajo) y Armando Hernández (batería); "Renacer" es, si no me equivoco, su único álbum hasta la fecha y lo que escuchamos en él es un licuado oscuro y enérgico de punk y hardcore rabioso con unas gotitas muy, muy tenues de veneno gótico. No es nada que no hayamos escuchado antes, pero el disco tiene una extraña seducción que hace que el oyente se adentre con morbosa curiosidad en cada tema hasta transcurrir los 44 minutos que dura el plato. Incluso a veces aparece la tentación de volver a oprimir el botón de play.
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Es cierto que la banda no parece tener más pretensiones que despotricar, quejarse y exorcizar con amargura a uno que otro diablillo interior, y por lo tanto cuesta un poco de trabajo tomar su música para algo más serio que el simple y delicioso gusto de atormentarse, pero hasta para lograr ese efecto hay que saber cómo hacer las cosas y en ese sentido Lady Terror salen más que bien librados. Quizá sean los desesperados berridos de Carmina, o el guitarreo hiperactivo; quizá sea esa atmósfera mortecina con regusto a Serie B que añade un tecladito por aquí o una voz de niña por allá; quizá sea el arte del booklet que de tan bien hecho hasta nos hace olvidar que se trata de un disco editado por Denver... o quizá solo estoy delirando y soy el único que encuentra todo esto en "Renacer", pero en lo que decido en dónde radica su encanto, recomiendo este trabajo a todos aquellos que busquen pasar un buen mal rato sin tomarse a si mismos demasiado en serio.
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Perfecto para suicidas, ardidos, desesperados, decepcionados del amor o adolescentes deprimidos. Los morbosos y los curiosos también están invitados, pero quedan advertidos: se puede convertir en un gusto culpable.
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(Web: http://www.myspace.com/ladyterror)
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GLITTERTIND: "Landkjenning" (2009)

2010-04-22T15:23:00.000-07:00

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Aquellos más perceptivos probablemente ya adivinen de qué se trata este álbum, y es que tanto el logotipo de la banda como el arte gráfico y el idioma empleado en el nombre del grupo y del CD nos remiten sin duda directamente a tierras nórdicas. Para los que aún no se lo imaginen, les diré que Glittertind (proyecto de Torbjorn Sandvik y Geirmund Simonsen) es una banda noruega que toma su nombre de la segunda montaña más alta de aquel país. "Landkjenning" es su segundo CD y lo que podemos encontrar en él es algo así como una versión descafeinada de Korpiklaani o de Finntroll (la similitud con estos últimos se aprecia desde la portada del disco, ya que es obscenamente similar a la del "Ur Jordens Djup" de los finlandeses), pues comparte con aquellos el uso de melodías netamente folk logradas a través de instrumentos como flautas, violines o acordeones; sin embargo Glittertind prescinde de las interpretaciones más agresivas así como de riffs demasiado violentos. Estamos ante un álbum cuyo tratamiento en las guitarras, voces y baterías lo acerca más a una suerte de punk-folk-metal que a un disco de metal estrictamente hablando.
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Pero no nos vayamos con la idea equivocada, pues lo anterior no es necesariamente malo. Muy por el contrario, la banda entrega un trabajo balanceado en donde la energía de las guitarras se amolda casi con naturalidad a las melodías del teclado y de los instrumentos acústicos. Por momentos las canciones se antojan épicas aunque la atmósfera general del CD es más bien entre festiva y... pues "nórdica" (aunque dicho sea de paso, algunos arreglos me han recordado también ciertas características del folk irlandés y la música celta). La voz, por su parte, fluctúa entre lo rasgado y el registro limpio, respaldada en algunos pasajes por unos triunfales coros masculinos.

En cuanto al contenido letrístico, todos los temas a excepción de uno están cantados en noruego, y según las notas interiores del cuadernillo, la mayoría versan sobre la imposición de la religión Cristiana en Noruega (vaya sorpresa) narrada desde diferentes perspectivas que van desde textos históricos de aquel país hasta la propia visión de los miembros de la banda. Entre las canciones destaca el poema que da título al disco, escrito originalmente por Bjornstjerne Bjornson (personaje histórico de Noruega cuyos textos y fragmentos de su vida son abordados frecuentemente a lo largo del álbum) y en el cual la música es un arreglo a una composición original de Edward Grieg. También recomiendo prestar especial atención a la heróica belleza de "Brede Seil Over Nordsjo Gar" o a las bulliciosas "Longships and Mead" y "Jeg Snorer Min Sekk".

En resumidas cuentas, "Landkjenning" es un disco que se aleja considerablemente de otros proyectos tanto del así llamado viking metal como del folk metal, pues no son pocos los momentos en que se le presta tanta atención a la parte melódica y a los arreglos "tradicionales", que la parte de la etiqueta que dice "metal" termina casi por desaparecer. No es una obra apta para puristas (pues llega a ser demasiado melódica para los rudos metaleros de hueso colorado y demasiado pesada para los seguidores del folk ortodoxo y la world music) pero definitivamente es bastante disfrutable para todo aquel que se encuentre dispuesto a ello.

(Web: http://www.glittertind.net)